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‘The Da Vinci Code mural’ at ‘Cocteau Chapel’ @ China Town

ジャン・コクトーが描いた壁画のあるNotre Dame de France(ノートルダム・ド・フランス)教会のことを知ったのは最近のこと。ロンドンの住人の間でもほとんど知られていないフランス系の小さな教会のことが、日本のガイドブックに載っていたと、ロンドンに旅行に来ていた旧友が教えてくれたのだ。思うと、偶然が重なって、この教会に行き着いた。春にコート・ダジュールを旅行した際、マントンコクトー・ミュージアムと、コクトーが1957年に壁画を描いた、ヴィルフランシュ=シュル=メールにあるサン=ピエール礼拝堂を訪れたのが最初。その後、何年も前に友人に譲ってもらったのに開かずにいた、ダン・ブラウンダ・ヴィンチ・コードを何故か読み始めたのだが、ダ・ヴィンチ・コードで、コクトーがシオン修道会歴代総長の一人として取り上げられ、このロンドンのノートルダム・ド・フランス教会が一時舞台となっていたことは、全然知らなかった。そして、20年以上ぶりに会う友人からの情報。特段、コクトーファンでもないのだが、この数ヶ月の間にコクトー関連の出来事を幾つも経験したことに、少し驚いている。

この「コクトー・チャペル」は、チャイナタウンとレスタースクエアの間の小さな通り、知る人ぞ知るPrince Charles Cinemaのすぐ側にある。中に入ると、多くの男性が頭を垂れて座っている。最初、なんて信心深い人たちだろうと思ったのだが、よく見ると場所柄か、ホームレスか酔っ払いが、入場無料の教会で居眠りしていただけだった。

ロンドン駐在のフランス文化アドバイザーに請われて、コクトーが教会内に壁画を描きにロンドンにやってきたのは、1959年11月。戦時中の爆撃による教会の修復工事中に、たったの9日で壁画を完成させたそうだ。聖母マリアに捧げたという壁画は、受胎告知キリスト磔刑被昇天の3枚のパネルで構成され、入口正面のメインの祭壇ではなく、左側の防護用ガラスに覆われた小さなスペースにある。中程にあるキリスト降誕を描いたモザイクはコクトーの作品ではなく、ロシア人アーティストのBoris Anrepのもの。コクトーがアルファベットの「M」を配したパネルでモザイクを覆ってしまったため、2003年のクリーニングの最中に再発見されるまで、教会自身もその存在を何故か知らなかったという。残念なことに、現在「M」パネルは祭壇から外され、物置のような近くのスペースに飾られている。

防護ガラス越しではかなり見にくいのだけれど、近年いたずら書きされ修復せざるをえなかったことを考えると、仕方がないのかもしれない。黒い太陽の周りに光の輪が加えられ、コクトーの署名の下に、自身の署名かどうか分からないが「T_A*」と書かれていたそうだ。幸い表面に埃がたまっていたため、最悪の事態は逃れ、昨年修復が終わった。

コクトーの壁画には、通常カルトのシンボルである黒い太陽や青いバラなど、通常の教会では使われないシンボルやサインが描かれている。また、レオナルド・ダ・ヴィンチの最後の晩餐の中で、キリストの腕とキリストの横にいる人物(ヨハネというのが通説だが、マグダラのマリアとの説も)が「M」を形作っているように見えること、そしてMがマグダラのマリアの暗示しているようにもとれることなど、ダ・ビンチコードを読んだ後では、全てが謎めいているように思える。そのため、コクトーの壁画への落書きが、シオン修道会または、敵対するオプス・デイのメンバーだとする陰謀説も根強い。

何を言っているかさっぱり分からないと言う方、ダ・ヴィンチ・コードを読んで、その後West End Extraの記事が取り上げている陰謀説を読むと、色々想像が膨らんで面白いですよ。

→コクトーの壁画の詳細と落書きされた様子はInternational Timesサイト
I happened to know about this mural with coloured line drawing by Jean Cocteau in a small church of Notre Dame de France, from my friend from Japan visiting London. Several things related to Cocteau that I’ve experienced in few months are pure coincidences to me. First, I went to Côte d’Azur in Spring and visited Cocteau Museum in Menton as well as Chapelle Saint-Pierre (Saint Peter’s Chapel) in Villefranche-sur-mer, restored and decorated by Cocteau in 1957. After the trip, I started to read Dan Brown‘s famous The Da Vinci Code, many years after a friend of mine gave it to me, without knowing Cocteau is mentioned in the novel as one of the Grand Masters of Priory of Sion and his mural at “Cocteau Chapel” in London. Then my friend whom I haven’t met over 20 years told me about the chapel.

“Cocteau Chapel” is located on a quiet side street between China Town and Leicester Square, next to the Prince Charles Cinema. When I entered the chapel, I saw quite a lot of people sitting with their heads down on church chairs. I thought how religious they were, but I was wrong. They were probably homeless or drunk, just getting a sleep in a church with free entrance.

Cocteau came to London to paint the murals in Our Lady’s chapel with a request by France’s cultural adviser in London, during a restoration of the church due to wartime bomb damage. He finished this work just 9 days in November 1959. Cocteau’s mural is not behind the mail altar, but in a small corner on the left, protected by glass windows. The murals, dedicated to the Virgin Mary, are consist of 3 panels: the Annunciation, the Crucifixion and the Assumption. Mosaic of the Nativity on the altar is not by Cocteau, but by the Russian artist Boris Anrep. Cocteau covered the mosaic with his ‘M’ panel, and the Church didn’t know about the mosaic for some reason, and rediscovered it in a 2003 cleaning operation. Now Cocteau’s panel was removed for the respect to Anrep, and is hung nearby space, sadly surrounded by some junks.

I couldn’t see the mural well through the protecting glasses, but probably it is necessary as the mural had to go through restoration due to the recent vandalism: someone painted a light circle around the black sun, and added “T_A*” under Cocteau’s signature. Luckily the dust accumulated on the surface protected the mural from total destruction.

This Cocteau’s mural include some unusual symbols and signs, and stir  speculation of its meaning, such as the blue rose at the bottom of the crosswhich is a well-known occult symbol as is the black sun. ‘M’ altar panel may refers to Leonardo da Vinci’s Last Supper with M-shape made by the arms of Jesus and the figure on his right, or initial of Mary Magdalene. The vandalism over the mural also caused conspiracy theories suspecting that it was done by a member of Priory of Sion or Opus Dei.

You don’t know what I am talking about? It is too complicated to explain here, so if you are interested, please read The Da Vinci Code and then the West End Extra’s article about conspiracy theories.

→Also see International Times website for detailed descriptions of the mural and photos before the restoration.

コクトーの自画像(右下)/ Cocteau’s Self-Portrait (bottom right)

Beyond El Dorado: Power and Gold in Ancient Columbia @ British Museum

大英博物館で開催中の「Beyond El Dorado」展(10月17日〜翌年3月23日)を観に行った。普段は行かない種類の展覧会なのだが、たまたまチケットをもらったのだ。

スペイン語で「金箔をかぶせた」または「黄金の人」を意味するエル・ドラードは、全身に金粉を塗り、コロンビアのグアタビータ湖に飛び込む儀式を行っていたMuisca(ムイスカ)族の長の名前で、アンデスの奥地に存在するとされた黄金郷・エル・ドラード伝説の基となった。コロンビアの首都・ボゴタにあるMuseo del Oro(金博物館)と共に企画したこの展覧会では、金のみならず、グアタビータ湖周辺から発掘された陶器や石の遺物など、Museo del Oroから約200点、大英博物館のコレクション約100点を展示。16世紀のスペインのコンキスタドールの到来以前の、古代コロンビアの豊かで多様な文化を紹介する。

ヨーロッパと違い、古代コロンビアでは、金は金銭的価値はなく、支配者達が自らの権力を誇示するための象徴的また霊的な意味を持っていた。儀式の道具、装飾品、象徴としての動物のオブジェ、楽器等の展示品からは、高度で複雑な金細工の技法や技能を持っており、それぞれの部族によってデザインや技術が少しずつ違っていることが見て取れる。今までコロンビアの伝統的工芸品や遺物を見たことがないので興味深く見て回ったが、正直、ジメジメして薄暗い11月のロンドンより、本場コロンビアで見たかったかも。

それより、同時開催中の日本の春画を集めたShunga展の衝撃的なポスターに目を奪われる。日本でも巡回展を開催するという企画もあったようだが、あまりの生々しさに、本場・日本では受け入れる勇気のある美術館・博物館がなかったらしい。

I went to see “Beyond El Dorado” exhibition at British Museum. I rarely go this kind of exhibition, but I got a free ticket. That’s the reason.

El Dorado, ‘the gilded or golden one’ in Spanish, is the name of a Muisca tribal chief who covered himself with gold dust and, as an initiation rite, dived into the Guatavita Lake in Columbia. It became the name of a legendary “Lost City of Gold.” Organised with Museo del Oro (museum of gold) in Bogotá, this exhibition features over 200 objects from Museo del Oro and around 100 from the British Museum’s collection, not only objects made of gold but also of ceramic and other materials excavated near the lakes, and explores the rich and diverse cultures of ancient Colombia before the Spanish arrivals in the 16th centry.

Unlike in Europe, gold was not valued as currency in pre-Hispanic Colombia but it had symbolic and spiritual meaning for the elite to claim their power, both in life and in death. Tools for rituals, ornaments, animal objects (each animal represents different meaning), and musical instruments etc. – those artifacts show us the advanced goldworking techniques and complex craftsmanship, which were different in techniques and designs across the tribes. I’ve never seen those ancient artifacts from Columbia and I enjoyed learning something new, but I prefer to see them in Columbia, not in London especially during the wet and dark November.

I would think people are more distracted by concurrent Shunga exhibition, and you know why. There was a plan to bring the exhibition to Japan, but I read that no museum was courageous enough to host it because of its explicit portrayal of sex. What a shame!


Paul Klee: Making Visible @ Tate Modern

テートモダンで開催中のPaul Klee: Making Visible展(10月16日〜2014年3月9日)は、スイス生まれの20世紀ヨーロッパ・モダニズムの巨匠・パウル・クレーの回顧展で、ロンドンの今年秋・冬の目玉展の一つ。世界中のコレクションから、絵画、ドローイング、水彩画が集められ、クレー自身が決めた過去の展覧会での作品の展示の順序を、この展覧会で再現している。

全17室からなる展覧会では、クレーの作品を時系列に展示。ワシリー・カンディンスキーフランツ・マルクとともにのミュンヘンで結成した表現主義画家たちの集まり・青騎士グループのメンバーとして、多彩な四角形を組み合わせた抽象的な独自の画風の確立した1910年代に始まり、教鞭をとったバウハウスでの10年間の作品、そしてナチス政権により「退廃芸術」のレッテルを貼られて新しい教職を剥奪されスイスのベルンに亡命した後、難病と闘いつつ多くの作品を生み出した晩年の作品へと続く。

クレーの作品の多くは小さいサイズだが、大きさに反比例し、その小さなカンバスは、豊かな色彩と自由な想像力に満ちている。見応えのある展覧会。

→Art Fundによる解説ビデオ

Paul Klee: Making Visible (Oct 16 – Mar 9, 2014) at Tate Modern is a major retrospective of the early 20-centry master of European modernism, Paul Klee, and one of the London’s must-see exhibitions this fall&winter. Paintings, drawings and watercolours from collections around the world are displayed alongside each other as Klee originally intended, often for the first time since Klee exhibited them himself.

This 17-room exhibition traces Klee’s career chronologically, beginning in Munich during the World War I, when he joined Der Blaue Reiter founded by Franz Marc and Wassily Kandinsky and established of his unique style of abstract patchworks of colour. It follows the decade of teaching and working at the Bauhaus, and his prolific final years in the 1930s in Bern, after he was dismissed from his teaching position by the Nazis and took refuge in Switzerland, as his works were labelled ‘degenerate art’ in Germany.

Most of his works are small in size, but on the opposite to its size, those are filled with rich colors and lots of imagination. Intriguing.

The Art Fund’s introduction video to the exhibition

Kara Walker Exhibition @ Camden Arts Centre

アフリカ系アメリカ人女性アーティスト・Kara Walker(カラ・ウォーカー)のイギリスで初めての個展が、Finchley Road駅近くにあるCamden Arts Centreで、10月11日から翌年1月5日まで開催されている。彼女の作品は正直好きではないのだが、Mが同じ学校卒、友人が彼女の元彼だった縁で多少彼女のことを知っているので、見に行ったのだ。

展示室3室はそれぞれ、ウォーカーお得意の切り絵を使った壁画、ドローイング、人形劇を撮影したビデオに分かれて展示されている。アメリカの奴隷制度がテーマのウォーカーの作品は、切り絵や人形劇といった可愛いイメージとは裏腹に、暴力とセックスのオンパレード、グロテスクで攻撃的、怨恨に溢れたネガティブオーラに満ちている。主に白人である観客に罪の意識を抱かせるための、彼女なりの罰、仕返しなのか?

当時、奴隷が受けた残忍でひどい仕打ちは到底許されるものではないし、忘れてはいけないことだと思う。しかし、私がアートに求めるものは美しいもの、感動したりポジティブになれる経験で、歴史を学ぶためではない。本やドキュメンタリーの方がより多くの知識を得ることが出来るし、実際、ウォーカーの作品よりアウシュビッツ収容所を見学した時の方が、よっぽど心を動かされた。そもそも彼女はどうしてあんなに強烈な怒りを表現するのか?奴隷制を経験した訳でもないし、聞くところによると彼女自身はリベラルでアカデミックな環境の中で、何不自由ない中流階級の人生を過ごしており、奴隷の苦しみを語っても説得力に欠ける。Guardian紙のインタビューでは、「人々が黒人アーティストに期待するような作品は作りたくない」と言っているが、彼女のやっていることはそのまんまだ。メディアでも時折、アメリカ南部の人種差別はひどい等と語っているが、主観的すぎるきらいがあり、彼女の元彼(白人)もウォーカーが差別で苦しんでいたなんて話は聞いてないという。以前ウォーカーが何かのインタビューで、その元彼が性差別主義で人種差別主義者、しかもサディストだと言ったと知って、元彼はショックを受けたというが、私も元彼に会ったことがあるけれど、上記のイメージとは正反対のいい人だ。だから私には、ウォーカーが南部に対する人々のステレオタイプを満足させることを言っているようにしか思えないのだ。

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イギリスメディアは時折、アメリカの人種差別はまだまだ根強いようなことを言っているが、イギリスだってどっこいどっこいか、それ以上だと思う。人種差別的発言をすれば逮捕させる事もあるし、差別はいけないと頭に刷り込まれているから、表立っては差別的なことは言わないが。アメリカは確かに奴隷制があったが、そもそもイギリス、スペイン、ポルトガル、フランス、オランダのヨーロッパ諸国が奴隷貿易でアフリカからアメリカ大陸に奴隷を連行してきたのだから、同罪だ。アメリカ人は奴隷制の暗い過去と向き合い、そこから学んでいるが、イギリス人はどうなのか?テレビの歴史番組は、ナチスドイツのことばかりで、奴隷貿易や植民地支配、搾取といった自国の行為はあまり取り上げない。それでアメリカばかりを責めるのは、ちょっとアンフェアだと思う。

The first major UK show of African American artist Kara Walker is held at Camden Arts Centre near Finchley Road station, from Oct 11 to Jan 5, 2014. I knew her work is not my cup of tea, but we went see the show, solely because M went to the same school with her and knows her a little via his friend.

Each three rooms shows a different type of work — Walker’s best known folkloric cut-paper; drawings; and a video work featuring a puppet show. Her work is all about America’s gruesome history of slavery, and is full of violence and sex, filled with negative auras such as aggression, grudges, and grotesques. Does she wants to punish the viewers, predominantly white audience, to make them feel bad about what they did in the past??

What happened to the slaves at that time is unacceptable and unforgiven, and everybody should’t forget about it. But learning history is not what I expect from art, and I rather read a history book or to watch a documentary. I want positive energy from art, not disturbance. In fact I was moved much more by visiting Auschwitz than Walker’s work. I don’t understand the reason of her massive anger she expressed in her work. She hasn’t experienced slavery, but has lived middle-class life in liberal and academic atmosphere, and her work is not convincing but pretentious to me. She says how racist American south is, but her claim is a bit too subjective – does she say these things to meet an expectation of people with stereotype against the south?? Waker said, ‘I don’t want to do what’s expected of me as a black artist’ in Guardian’s interview, but to me, that’s exactly what she does.

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British media often portray that racist is still strong in America, but I think UK is the same or even worse. Politically incorrectness is deeply imprinted in their mind, and never say anything face to face or in public just to avoid the trouble. You can even get arrested by making racial remarks here! America had slavery in the past, but British, Spanish, Portuguese, French and Dutch were the ones traded the slaves from Africa to the Americas, so they are equally guilty. Americans do talk about the slavery and learn from it, but British? I seldom see the documentaries and movies about the slave trades nor colonialism and exploitation, but much more about Nazis. I think It’s not fair.

Art under Attack: Histories of British Iconoclasm @ Tate Britain

テートブリテンのArt under Attack: Histories of British Iconoclasm展(10月2日〜2014年1月5日)は、16世紀に始まったイコノクラスム(宗教的聖像やシンボル、遺物等の破壊を伴う聖像破壊運動)から現代にかけて、イギリスにおける芸術への攻撃の歴史を紹介する展覧会。時系列に、宗教・政治・Aesthetics(美的観点)3つのセクションに分かれており、攻撃された絵画や彫刻、写真、書物等の展示を通じ、破壊に至った背景や理由を探求する。

宗教のセクションでは、ヘンリー8世の命により、16〜17世紀にかけて政府が強行したDissolution of the Monasteries修道院解散)に始まり、宗教改革、偶像崇拝を恐れる支配者や清教徒による宗教芸術への攻撃の様子が、頭部を切断されたキリスト像や砕かれたステンドグラス、キリストや聖人の顔がくりぬかれた時祷書などから見て取れる。私たちはイギリスのあちこちにある修道院の遺跡を見て回るのが好きなのだが、廃墟となった修道院には、こういった歴史的背景があったのだ。

政変期における政治的価値観の変化に誘発される政治的イコノクラスムのセクションでは、先の施政者や英雄の像や記念碑の破壊と共に、急進的婦人参政権論者(写真下2番目)による美術館やギャラリー収蔵品への攻撃を紹介する。

芸術への攻撃は、作品や作品の表現内容への不満が動機となることがあるが、最後のセクションでは、メディアでの言論攻撃や個人による破壊行為にさらされたテート収蔵品3点の他、見る者に破壊の様子を体験させるAuto-destructive art オート・ディストラクティブ・アート)や、変容や解体、破壊を表現した作品など、既存のアートを否定するアーティスト側からのアプローチに焦点を当てている。

展覧会のコンセプトはユニークで面白いが、テーマの違うセクションに分かれているせいか、展示自体は中途半端な印象。特に最後のセクションは、先の2セクションと違って、アーティスト自らの行為を取り上げており、全く違う展覧会を見ているよう。ちょっとピンぼけしてしまった感が否めないかな。

展覧会の様子(写真):Dow Jones Architects

Tate Britain’s Art under Attack: Histories of British Iconoclasm (Oct 2 – Jan 5, 2014) is an exhibition exploring the history of Iconoclasm (defined as deliberate destruction of icons, symbols or monuments) and attacks on art in Britain from the 16th century to now. The exhibition examines the movements and causes which have led to assaults on art through objects, paintings, sculpture and archival material in three chronological sections: Religion, Politics and Aesthetics.

The Religion sections presents from state-administered iconoclasm under Henry VIII including the Dissolution of the Monasteries during 16th and 17th centuries to attacks on religious art that began with the Reformation and by later rulers and Puritan reformers who feared idolatry. You can see destructive acts on religion and religious art such as statues of Christ decapitated, smashed stained glass, fragments of the rood screen and a defaced book of hours. Dissolution was a tragic incident to British religious communities, but I fascinated by monastery ruins I have seen throughout the countries.

Political iconoclasm encompasses the examples of attacks on symbols of authority during periods of political change, such as breaking statues and monuments, and attacks on paintings in museums and galleries by the militant Suffragettes (second photo below).

Attacks on art can be motivated by unhappiness with the artwork or the ideas it represents. Aesthetics section explores Tate works subjected to verbal attacks in the press and to physical attacks by individuals, as well as destruction on art by artists themselves, such as Auto-destructive art movement and transformational practices applied by artists.

Concept of the exhibition is unique and fascinating, but overall, the show itself seems a bit superficial to me and the issues are not examined in depth – probably because it consists of three different sections. Especially the last section focused on different perspective from the first two with which I enjoyed, and I felt like seeing two different shows. A bit out of focus.

More photos of exhibition : Dow Jones Architects

キリストや聖人がくり抜かれた、カンタベリー大聖堂のステンドグラス(左:がくり抜かれる前で、右がくり抜かれた後)

The missing figures in Canterbury’s stained glass

婦人参政権論者たちの監視用写真(ナショナル・ポートレート・ギャラリー収蔵)

‘Surveillance Photograph of Militant Suffragettes’ by Criminal Record Office (National Portrait Gallery)

Chair 1969 by Allen Jones

1980年代に国際女性デーの日に攻撃にあった、テート所蔵品・Allen Jones作「Chair(1969)」

Allen Jones’s Chair 1969, damaged on International Women’s Day in the 1980s

Mira Schendel @ Tate Modern



テートモダンで開催中のMira Schendel展(9月25日〜2014年1月19日)は、20世紀のブラジルアート界における最も重要なアーティストの一人で、ヨーロッパのモダニズムをブラジルで再構築した、Mira Schendel(ミラ・シェンデル)の回顧展。1950年代の初期の作品から1987年の最期のシリーズ作品まで、250以上の絵画、ドローイング、彫刻作品が集められている。

1919年にチューリッヒでユダヤ系の両親の元に生まれたシェンデルは、イタリアでカトリック教徒として育てられた。この経験が、後のアート制作における精神的かつ哲学的アプローチに繋がっている。1938年、イタリアでユダヤ人を排斥する法律が成立したことに伴い、イタリア国籍を剥奪され、大学を去ることになったシェンデルは、ユーゴスラビアを経て1949年にブラジルに移住、アーティストとしてのスタートを切る。またインテリのグループに参加、哲学者や精神科医等と交流することによって、美的感覚や哲学についての関心を深めた。初期の頃は、生活のためにグラフィックデザイナーとして働き、本の表紙やポスター、イラストレーション等も手がけている。

シェンデルは多作で多面性を持つアーティストとして知られる。独学で、ジョルジョ・モランディジョルジョ・デ・キリコパウル・クレーなどの作品から静物画、非対称性、建築的構成を学び、彼女の作品には、レトリスムカラーフィールド・ペインティングミニマル・アートコンセプチュアル・アートの要素が見られ、ブラジルのアバンギャルドに衝撃を与えたConcrete art具体芸術)やNeo-concre art(新具体芸術)運動に貢献したが、特定のアートムーブメントには属さなかった。生涯、ブラジルやヨーロッパの詩人や哲学者、神学者たちと交流を続け、宗教や哲学の問題や、物質的・文化的・言語学的置換を作品の重要なテーマとした。また、東洋の宇宙観や中国の水墨画からも影響を受け、水墨画風の作品も制作している。

言葉やイメージの組み合わせ、空間や時間を象徴するらせん形のモチーフ、半透明のライスペーパーの使用などに代表されるシェンデルの作品は、繊細で静謐、そして奥が深い。ブラジル以外ではあまり知られていないのが意外だ。

Mira Schendel exhibition at Tate Modern (Sep 25 – Jan 19, 2014) is a major retrospective of one of the most significant and influential Brazilian artists of the 20th century, Mira Schendel, who reinvented European Modernism in Brazil. The show features more than 250 paintings, drawings and sculptures, from her early paintings during the 1950s to her last series in 1987.

Schendel was born in Zurich in 1919 to parents of Jewish heritage, but grew up in Italy as a Catholic, and this experience contributed to her profoundly spiritual and philosophical approach to her art making. In 1938, she was stripped of her Italian nationality and forced to leave university when anti-Semitic laws were introduced in Italy. After fleeing to Yugosalvia and then Brazil in 1949, she began her career as an artist. She joined an intellectual circle and there explored ideas concerning aesthetics and philosophy. She also worked as a graphic designer, producing book covers, posters and illustrations to make a living at her early career.

Schendel was a prolific and complex artist. Largely self taught, she drew inspiration for her still-lifes, interiors and asymmetrical, architectonic compositions from artists such as Giorgio Morandi, Giorgio de Chirico and Paul Klee. Her works contain elements of Lettrism, Color Field paintingMinimalism and early Conceptual art, but she was never associated with a single movement while having contributed to the Concrete art and Neo-concre art movements that stormed the Brazilian avant-garde. In life, Schendel was an keen reader and continued correspondence with poets, philosophers and theologians throughout Brazil and Europe, and as a result, physical, cultural and linguistic displacement are key themes in her work, together with issues of religion and philosophy. She was also influenced by Far Eastern cosmovision and created works inspired by Chinese painting.

Schendel’s work, characterized by such as combining word and image, using spiral motifs which signify an image and an investigation of space and time, or applying on semi-transparent rice papers, and is rather quiet and delicate yet profound. It is surprising that she is little known outside Brazil!

言葉や詩を探求したシリーズ作品・Graphic Objects。1968年のヴェネツィア・ビエンナーレにお目見えした。

Graphic Objects, a collection that explores language and poetry, first shown at the 1968 Venice Biennale

Still Waves of Probability, 1969

60年代のグラフィックデザイン作品。50年近くも前と思えないモダンさ。

Schendel’s graphic design work in 60s is still amazingly fashionable and modern in present time

Frieze Masters 2013 @ Regent’s Park

Frieze Londonと同時期に同じくリージェンツ・パーク内で開催されていたFrieze Mastersは、同じ主催者が企画した歴史的アートや古典芸術のアートフェアで、去年から始まった。130の参加ギャラリーのうち、106がメインセクションにブースを構え、残り24は、1つのギャラリーが1人の20世紀アーティストを扱うというコンセプトのSpotlightセクションに出展。古代や中世の作品、ブリューゲルやベラスケスといった巨匠の作品から、フランシス・ベーコン、アレクサンダー・カルダー、パブロ・ピカソ、ジャクソン・ポラック等、20世紀アートまで、幅広いタイプの作品が一堂に会した。

残念ながら閉館ギリギリに行ったので、じっくり観察する暇はなかったが、人が多くてごちゃごちゃした感のあるFrieze Londonに比べ、こちらの方が広々としていて落ち着いた雰囲気。終わる間際で人が少なかったせいもあるけれど、時に挑戦的・刺激的でもあるコンテンポラリーアートと比べ、古典芸術や宗教芸術など扱う作品の性質の違いもあるだろう。

Coinciding with and within walking distance of Frieze London, Frieze Masters is the fair for historical art organised by Frieze and started from last year. This year, 130 world’s leading galleries participated, 106 in the main section and 24 in the Spotlight section dedicated to solo presentations of artists of the 20th century. The fair brought different types of art, ranging from the ancient & medieval era and old masters such as Breughel and Velázquez through to art of the 20th century including works by Francis Bacon, Alexander Calder, Pablo Picasso and Jackson Pollock.

Unfortunately I went the pavillion just before the closing time and I didn’t have much time to observe carefully. But in general, in compare to busy and rather chaotic Frieze London, Frieze Masters was more tranquil and serene, not only because there were less people before closing but also due to its unprovoked nature of historical and religious art.

Work by Richard Long in the section of Spotlight, that is dedicated to solo presentations of artists working throughout he 20th century.

ロンドンで人気のポッシュなジャパニーズ・レストラン、UMUのダイニングスペース / London’s popular posh Japanese restaurant UMU had their dining space