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Paul Klee: Making Visible @ Tate Modern

テートモダンで開催中のPaul Klee: Making Visible展(10月16日〜2014年3月9日)は、スイス生まれの20世紀ヨーロッパ・モダニズムの巨匠・パウル・クレーの回顧展で、ロンドンの今年秋・冬の目玉展の一つ。世界中のコレクションから、絵画、ドローイング、水彩画が集められ、クレー自身が決めた過去の展覧会での作品の展示の順序を、この展覧会で再現している。

全17室からなる展覧会では、クレーの作品を時系列に展示。ワシリー・カンディンスキーフランツ・マルクとともにのミュンヘンで結成した表現主義画家たちの集まり・青騎士グループのメンバーとして、多彩な四角形を組み合わせた抽象的な独自の画風の確立した1910年代に始まり、教鞭をとったバウハウスでの10年間の作品、そしてナチス政権により「退廃芸術」のレッテルを貼られて新しい教職を剥奪されスイスのベルンに亡命した後、難病と闘いつつ多くの作品を生み出した晩年の作品へと続く。

クレーの作品の多くは小さいサイズだが、大きさに反比例し、その小さなカンバスは、豊かな色彩と自由な想像力に満ちている。見応えのある展覧会。

→Art Fundによる解説ビデオ

Paul Klee: Making Visible (Oct 16 – Mar 9, 2014) at Tate Modern is a major retrospective of the early 20-centry master of European modernism, Paul Klee, and one of the London’s must-see exhibitions this fall&winter. Paintings, drawings and watercolours from collections around the world are displayed alongside each other as Klee originally intended, often for the first time since Klee exhibited them himself.

This 17-room exhibition traces Klee’s career chronologically, beginning in Munich during the World War I, when he joined Der Blaue Reiter founded by Franz Marc and Wassily Kandinsky and established of his unique style of abstract patchworks of colour. It follows the decade of teaching and working at the Bauhaus, and his prolific final years in the 1930s in Bern, after he was dismissed from his teaching position by the Nazis and took refuge in Switzerland, as his works were labelled ‘degenerate art’ in Germany.

Most of his works are small in size, but on the opposite to its size, those are filled with rich colors and lots of imagination. Intriguing.

The Art Fund’s introduction video to the exhibition

Kara Walker Exhibition @ Camden Arts Centre

アフリカ系アメリカ人女性アーティスト・Kara Walker(カラ・ウォーカー)のイギリスで初めての個展が、Finchley Road駅近くにあるCamden Arts Centreで、10月11日から翌年1月5日まで開催されている。彼女の作品は正直好きではないのだが、Mが同じ学校卒、友人が彼女の元彼だった縁で多少彼女のことを知っているので、見に行ったのだ。

展示室3室はそれぞれ、ウォーカーお得意の切り絵を使った壁画、ドローイング、人形劇を撮影したビデオに分かれて展示されている。アメリカの奴隷制度がテーマのウォーカーの作品は、切り絵や人形劇といった可愛いイメージとは裏腹に、暴力とセックスのオンパレード、グロテスクで攻撃的、怨恨に溢れたネガティブオーラに満ちている。主に白人である観客に罪の意識を抱かせるための、彼女なりの罰、仕返しなのか?

当時、奴隷が受けた残忍でひどい仕打ちは到底許されるものではないし、忘れてはいけないことだと思う。しかし、私がアートに求めるものは美しいもの、感動したりポジティブになれる経験で、歴史を学ぶためではない。本やドキュメンタリーの方がより多くの知識を得ることが出来るし、実際、ウォーカーの作品よりアウシュビッツ収容所を見学した時の方が、よっぽど心を動かされた。そもそも彼女はどうしてあんなに強烈な怒りを表現するのか?奴隷制を経験した訳でもないし、聞くところによると彼女自身はリベラルでアカデミックな環境の中で、何不自由ない中流階級の人生を過ごしており、奴隷の苦しみを語っても説得力に欠ける。Guardian紙のインタビューでは、「人々が黒人アーティストに期待するような作品は作りたくない」と言っているが、彼女のやっていることはそのまんまだ。メディアでも時折、アメリカ南部の人種差別はひどい等と語っているが、主観的すぎるきらいがあり、彼女の元彼(白人)もウォーカーが差別で苦しんでいたなんて話は聞いてないという。以前ウォーカーが何かのインタビューで、その元彼が性差別主義で人種差別主義者、しかもサディストだと言ったと知って、元彼はショックを受けたというが、私も元彼に会ったことがあるけれど、上記のイメージとは正反対のいい人だ。だから私には、ウォーカーが南部に対する人々のステレオタイプを満足させることを言っているようにしか思えないのだ。

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イギリスメディアは時折、アメリカの人種差別はまだまだ根強いようなことを言っているが、イギリスだってどっこいどっこいか、それ以上だと思う。人種差別的発言をすれば逮捕させる事もあるし、差別はいけないと頭に刷り込まれているから、表立っては差別的なことは言わないが。アメリカは確かに奴隷制があったが、そもそもイギリス、スペイン、ポルトガル、フランス、オランダのヨーロッパ諸国が奴隷貿易でアフリカからアメリカ大陸に奴隷を連行してきたのだから、同罪だ。アメリカ人は奴隷制の暗い過去と向き合い、そこから学んでいるが、イギリス人はどうなのか?テレビの歴史番組は、ナチスドイツのことばかりで、奴隷貿易や植民地支配、搾取といった自国の行為はあまり取り上げない。それでアメリカばかりを責めるのは、ちょっとアンフェアだと思う。

The first major UK show of African American artist Kara Walker is held at Camden Arts Centre near Finchley Road station, from Oct 11 to Jan 5, 2014. I knew her work is not my cup of tea, but we went see the show, solely because M went to the same school with her and knows her a little via his friend.

Each three rooms shows a different type of work — Walker’s best known folkloric cut-paper; drawings; and a video work featuring a puppet show. Her work is all about America’s gruesome history of slavery, and is full of violence and sex, filled with negative auras such as aggression, grudges, and grotesques. Does she wants to punish the viewers, predominantly white audience, to make them feel bad about what they did in the past??

What happened to the slaves at that time is unacceptable and unforgiven, and everybody should’t forget about it. But learning history is not what I expect from art, and I rather read a history book or to watch a documentary. I want positive energy from art, not disturbance. In fact I was moved much more by visiting Auschwitz than Walker’s work. I don’t understand the reason of her massive anger she expressed in her work. She hasn’t experienced slavery, but has lived middle-class life in liberal and academic atmosphere, and her work is not convincing but pretentious to me. She says how racist American south is, but her claim is a bit too subjective – does she say these things to meet an expectation of people with stereotype against the south?? Waker said, ‘I don’t want to do what’s expected of me as a black artist’ in Guardian’s interview, but to me, that’s exactly what she does.

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British media often portray that racist is still strong in America, but I think UK is the same or even worse. Politically incorrectness is deeply imprinted in their mind, and never say anything face to face or in public just to avoid the trouble. You can even get arrested by making racial remarks here! America had slavery in the past, but British, Spanish, Portuguese, French and Dutch were the ones traded the slaves from Africa to the Americas, so they are equally guilty. Americans do talk about the slavery and learn from it, but British? I seldom see the documentaries and movies about the slave trades nor colonialism and exploitation, but much more about Nazis. I think It’s not fair.

Mira Schendel @ Tate Modern



テートモダンで開催中のMira Schendel展(9月25日〜2014年1月19日)は、20世紀のブラジルアート界における最も重要なアーティストの一人で、ヨーロッパのモダニズムをブラジルで再構築した、Mira Schendel(ミラ・シェンデル)の回顧展。1950年代の初期の作品から1987年の最期のシリーズ作品まで、250以上の絵画、ドローイング、彫刻作品が集められている。

1919年にチューリッヒでユダヤ系の両親の元に生まれたシェンデルは、イタリアでカトリック教徒として育てられた。この経験が、後のアート制作における精神的かつ哲学的アプローチに繋がっている。1938年、イタリアでユダヤ人を排斥する法律が成立したことに伴い、イタリア国籍を剥奪され、大学を去ることになったシェンデルは、ユーゴスラビアを経て1949年にブラジルに移住、アーティストとしてのスタートを切る。またインテリのグループに参加、哲学者や精神科医等と交流することによって、美的感覚や哲学についての関心を深めた。初期の頃は、生活のためにグラフィックデザイナーとして働き、本の表紙やポスター、イラストレーション等も手がけている。

シェンデルは多作で多面性を持つアーティストとして知られる。独学で、ジョルジョ・モランディジョルジョ・デ・キリコパウル・クレーなどの作品から静物画、非対称性、建築的構成を学び、彼女の作品には、レトリスムカラーフィールド・ペインティングミニマル・アートコンセプチュアル・アートの要素が見られ、ブラジルのアバンギャルドに衝撃を与えたConcrete art具体芸術)やNeo-concre art(新具体芸術)運動に貢献したが、特定のアートムーブメントには属さなかった。生涯、ブラジルやヨーロッパの詩人や哲学者、神学者たちと交流を続け、宗教や哲学の問題や、物質的・文化的・言語学的置換を作品の重要なテーマとした。また、東洋の宇宙観や中国の水墨画からも影響を受け、水墨画風の作品も制作している。

言葉やイメージの組み合わせ、空間や時間を象徴するらせん形のモチーフ、半透明のライスペーパーの使用などに代表されるシェンデルの作品は、繊細で静謐、そして奥が深い。ブラジル以外ではあまり知られていないのが意外だ。

Mira Schendel exhibition at Tate Modern (Sep 25 – Jan 19, 2014) is a major retrospective of one of the most significant and influential Brazilian artists of the 20th century, Mira Schendel, who reinvented European Modernism in Brazil. The show features more than 250 paintings, drawings and sculptures, from her early paintings during the 1950s to her last series in 1987.

Schendel was born in Zurich in 1919 to parents of Jewish heritage, but grew up in Italy as a Catholic, and this experience contributed to her profoundly spiritual and philosophical approach to her art making. In 1938, she was stripped of her Italian nationality and forced to leave university when anti-Semitic laws were introduced in Italy. After fleeing to Yugosalvia and then Brazil in 1949, she began her career as an artist. She joined an intellectual circle and there explored ideas concerning aesthetics and philosophy. She also worked as a graphic designer, producing book covers, posters and illustrations to make a living at her early career.

Schendel was a prolific and complex artist. Largely self taught, she drew inspiration for her still-lifes, interiors and asymmetrical, architectonic compositions from artists such as Giorgio Morandi, Giorgio de Chirico and Paul Klee. Her works contain elements of Lettrism, Color Field paintingMinimalism and early Conceptual art, but she was never associated with a single movement while having contributed to the Concrete art and Neo-concre art movements that stormed the Brazilian avant-garde. In life, Schendel was an keen reader and continued correspondence with poets, philosophers and theologians throughout Brazil and Europe, and as a result, physical, cultural and linguistic displacement are key themes in her work, together with issues of religion and philosophy. She was also influenced by Far Eastern cosmovision and created works inspired by Chinese painting.

Schendel’s work, characterized by such as combining word and image, using spiral motifs which signify an image and an investigation of space and time, or applying on semi-transparent rice papers, and is rather quiet and delicate yet profound. It is surprising that she is little known outside Brazil!

言葉や詩を探求したシリーズ作品・Graphic Objects。1968年のヴェネツィア・ビエンナーレにお目見えした。

Graphic Objects, a collection that explores language and poetry, first shown at the 1968 Venice Biennale

Still Waves of Probability, 1969

60年代のグラフィックデザイン作品。50年近くも前と思えないモダンさ。

Schendel’s graphic design work in 60s is still amazingly fashionable and modern in present time

Frieze Masters 2013 @ Regent’s Park

Frieze Londonと同時期に同じくリージェンツ・パーク内で開催されていたFrieze Mastersは、同じ主催者が企画した歴史的アートや古典芸術のアートフェアで、去年から始まった。130の参加ギャラリーのうち、106がメインセクションにブースを構え、残り24は、1つのギャラリーが1人の20世紀アーティストを扱うというコンセプトのSpotlightセクションに出展。古代や中世の作品、ブリューゲルやベラスケスといった巨匠の作品から、フランシス・ベーコン、アレクサンダー・カルダー、パブロ・ピカソ、ジャクソン・ポラック等、20世紀アートまで、幅広いタイプの作品が一堂に会した。

残念ながら閉館ギリギリに行ったので、じっくり観察する暇はなかったが、人が多くてごちゃごちゃした感のあるFrieze Londonに比べ、こちらの方が広々としていて落ち着いた雰囲気。終わる間際で人が少なかったせいもあるけれど、時に挑戦的・刺激的でもあるコンテンポラリーアートと比べ、古典芸術や宗教芸術など扱う作品の性質の違いもあるだろう。

Coinciding with and within walking distance of Frieze London, Frieze Masters is the fair for historical art organised by Frieze and started from last year. This year, 130 world’s leading galleries participated, 106 in the main section and 24 in the Spotlight section dedicated to solo presentations of artists of the 20th century. The fair brought different types of art, ranging from the ancient & medieval era and old masters such as Breughel and Velázquez through to art of the 20th century including works by Francis Bacon, Alexander Calder, Pablo Picasso and Jackson Pollock.

Unfortunately I went the pavillion just before the closing time and I didn’t have much time to observe carefully. But in general, in compare to busy and rather chaotic Frieze London, Frieze Masters was more tranquil and serene, not only because there were less people before closing but also due to its unprovoked nature of historical and religious art.

Work by Richard Long in the section of Spotlight, that is dedicated to solo presentations of artists working throughout he 20th century.

ロンドンで人気のポッシュなジャパニーズ・レストラン、UMUのダイニングスペース / London’s popular posh Japanese restaurant UMU had their dining space

Frieze Art Fair 2013 @ Regent’s Park

今年11回を迎える、 10月恒例のアートイベント・Frieze Art Fair(10月17日〜20日)に行ってきた(参考:2010年2011年)。今年は世界中から152のコンテンポラリーアート・ギャラリーが集結、2000人の有名・新進気鋭アーティストの作品が会場を彩った。

商業アートフェアであるから、気に入った作品があれば買う事は可能。値段は書かれていないが、新聞等の記事によれば、とても私たちの手の届く額ではないらしい。展示されている作品は、美術館に展示されていてもおかしくないクオリティだし、参加ギャラリーは、多くの時間と金を費やして、自慢のコレクションをわざわざロンドンにまで持ってくる訳だから、そりゃ安物は売らない。このアートフェアは金持ち、しかもただの金持ちじゃなく大金持ちをターゲットにしてるのだ。だから会場内には、大金を投資、または鑑賞用に作品を買おうというお金持ちがウロウロしている。もちろん、私を含め、クオリティの高いコンテンポラリーアートを見たいがために来る人もたくさんいる。フェアには、£32(Frieze Londonのみ)か£50(Frieze London + Frieze Masters)を払ってチケットを買えば、誰でも入場できる。経費をある程度チケット代で賄うと言う意味もあるけれど、金持ち相手の金儲けビジネスと批判されないために一般人も入れているという噂も。

I went to see the annual art event in October, 11th Frieze Art Fair (reference: 2010 / 2011). This year, the fair brings 152 renown contemporary galleries from 30 countries with work of 2,000 known and emerging artists.

It is a commercial fair and you can buy one of the works exhibited if you like, but there is no price tag and it is not cheap, as you can imagine. The fair obviously targets rich, not just rich but very rich. Works you see at the fair are museum-level quality, and galleries have spent a lot of money and efforts traveling to London with their collection of expensive artworks. In fact the fair is full of people looking for something to spend their fortunes for investment or just for fun, though there are also many people like me just there to appreciate vast number of contemporary artwork. The fair do accepts normal people with a ticket (£32 Frieze London only or £50 Frieze London + Frieze Masters) to pay off some expenses, and also probably because they believe that they wouldn’t be criticized that it is just for millionaires / billionaires.

Groovy Spiral by Dan Graham with a price tag of $600,000 (£375,000).

Cat on a clothes line (left) by Jeff Koons

Portrait of the Artist by Jennifer Rubell

Untitled (Endless war/You will live forever) by Barbara Kruger

Project Voyage and Le Monde en Miniature et la Mode en Miniature by Meschac Gaba

Gary Hume

奈良美智や村上隆作品も / Ceramic work by Yoshitomo Nara and pop art painting by Takashi Murakami (left)