“Who Am I ?” @ Great Sutton Street, Clerkenwell

Goswell Road（ゴスウェル・ロード）を歩いている時、Great Sutton Streetに面した建物の壁に浮き出たこの「白い顔」を発見した。

これは何？？と思って近づいてみると、下の方にポスターが貼ってある（写真下）。家に帰って、ポスターに書かれていたウェブサイトを見て、その謎が解けた。この顔のモデルは、地元クラーケンウェルの著名建築家＆ジャーナリストであるPeter Murray。サンフランシスコ出身でロンドンをベースとするアーティスト・Greg Shapterが、Domus Tilesという会社の依頼で制作した。→作品詳細とPeter Murrayのプロフィール

横から見ると何が何だか分からないけれど、少し離れた歩道に描かれた「X」の位置に立つと顔がはっきり浮かび上がる。→ 横から見た写真：Greg Shapterのウェブサイト

ちなみに顔の両面にある計5体の人形（右2体・左3体）も気になる。あれも同じアーティストの作品かしら？？

We spotted the white silhouette of a face on the side of the building on Great Sutton Street, while we are walking down Goswell Road. Who is this man??

We found a poster beneath the face when we came closer (photo below), and checked out the indicated website on the poster when we came back home to “get the answer.” This mysterious man is prominent local architect & journalist, Peter Murray, created by San Francisco born London based artist, Greg Shapter and comissioned by Domus Tiles. →details of project and who Peter Murray is

The face is fully distinguishable from a spot on the pavement marked with an ‘X’, and from the side you can’t understand what it is as the face disappear. → photos from the side：Greg Shapter’s website

I am also curious 5 human figures on both sides of the face, two on the right and three on the left. Are those also made by the same artist??

Foyles Artist Panels @ 107-109 Charing Cross Road

W & G Foyle Ltd、通常略してFoyles（フォイルズ）と呼ばれるこの本屋は、William（ウィリアム）とGilbert（ギルバート）のFoyle兄弟によって、1903年に創業した。二人揃って公務員試験に失敗した後、使用済みの教科書を売る事を思いついたところ、たくさんの注文が舞い込み、彼らが家で古本業を始めるきっかけとなった。以前、50kmにも及ぶ本棚の専有面積と書籍の数で世界最大の書店としてギネスに登録されたこともある。

そのFoylesの旗艦店が2014年に、今までの場所である113–119 Charing Cross Roadから、すぐ近くのセントラル・セント・マーチンズ・カレッジ・オブ・アート・アンド・デザインの校舎だった1930年アールデコ様式のビル（107-109 Charing Cross Road）に移転・再オープンすることになった（詳細）。今年創業110年を迎えたFoylesは、ロンドンで開催される国際漫画フェスティバル・Comica festivalから14人のコミック・アーティストにFoylesの歴史を描いた作品を依頼、新店舗予定地を覆う計28枚のパネルが、通行人の目を楽しませている。Foylesのウェブサイトでも、アーティストのプロフィールと共に、フォイル家の台所から始まり、2014年にオープンする新店舗まで、その長い歴史を知ることができる。

無味乾燥な工事現場をカラフルなイラストで隠し、道行く人々に新しい店への期待を高めるという、とても賢く遊び心のあるやり方に感心。

W & G Foyle Ltd or simply Foyles, is a book seller, founded by two brothers, William & Gilbert Foyle in 1903. After failing civil service exams, they started to sell their used textbooks and were flooded by offers. This inspired them to launch a second-hand book business from home. Foyles was once listed in the Guinness Book of Records as the world’s largest bookshop in terms of shelf area (30 miles/50 km) and number of titles on display.

Foyles’ flagship store will be moving to a new location in 2014, just next door from 113–119 Charing Cross Road to 107-109 Charing Cross Road at the 1930s art-deco style former Central St Martins‘ building  (see the details here). Celebrating their 110-year anniversary this year, Foyles has commissioned Britain’s 14 comic artists from the Comica festival to tell the short history of Foyles in 28 panels, which decorate the hoardings around the new site. You can see them at their website with biographies of the artists: starting from its origins in the Foyle kitchen, through its various moves up and down Charing Cross Road, and ending with what the new Foyles building may look like when it opens in 2014.

This is a clever tactic to cover up the ugly construction site and make people interested in their new shop!

John Miersが描いた、自宅台所で創業した1903年当時の様子

Foyles is founded in the Foyle family kitchen in 1903 (illustration by John Miers)

2014年新装オープンを描いた、Rian Hughesの作品（右2枚のパネル）

Artist Rian Hughes visualised the new shop which is expected to open in 2014 (two panels on the right)

Simon Starling: Phantom Ride / Tate Britain Commission 2013

毎年、テートの所蔵品やテート・ブリテンの歴史に呼応した作品の制作をアーティストに委託しているTate Britain Commission（2012年作品）。今年の作品は、2005年ターナー賞受賞者であるイギリス人アーティスト、Simon Starling（サイモン・スターリング）が制作した映像作品「Phantom Ride」（3月2日〜10月20日）で、Duveen galleriesに展示されている。

巨大スクリーンに映し出されるこの作品は、本物の作品とコンピュータで制作された映像を組み合わせ、過去の展示作品とギャラリーの歴史が時代を超えて幻影のように交錯する。Fionna BannerのJaguar戦闘機やウォーホルのエルヴィス・プレスリー等アート作品の横をすり抜けたと思うと、ドイツ軍のBlitz（ザ・ブリッツ）により、1940年に破壊されたギャラリーの瓦礫が現れる。面白いコンセプトだし、映像も音響も幻想的な雰囲気を醸し出しているけれど、すごく心打たれるほどではない。ギャラリーの歴史と栄光を表現するには、少し短かく、取り上げているアート作品も不十分な気がするのだ。

The Tate Britain Commission invites an artist to develop a new work in response to the Tate collection and the history of Tate Britain (see 2012 work). This year, British artist and 2005 Turner Prize winner, Simon Starling has created the film “Phantom Ride” (March 2 – October 20) that haunts the Duveen galleries with ‘ghosts’ of past exhibitions and history of the galleries.

The film, combining real objects and computer-generated works, projected on a huge screens, makes you feel like flying through time and through the past artworks such as Fionna Banner’s Jaguar jet fighter and Warhol’s Elvis Presley, and over the rubble of bomb-blast caused by the Blitz in 1940. Interesting concept, atmospheric, but not mind-blowing. Maybe a bit too short and incomplete to show a legacy of the galleries.

Schwitters in Britain @ Tate Britain

Tate Britainで開催中のSchwitters in Britain (1月30日〜5月12日）は、ダダイスム、構成主義、シュルレアリスムなど近代芸術運動で活躍し、詩、サウンド、絵画、彫刻、グラフィック・デザイン、タイポグラフィ、そして後にインスタレーションと呼ばれる様々な手法を用いたヨーロッパ・モダニズムの巨匠でドイツ人アーティスト、Kurt Schwitters（クルト・シュヴィッタース）の展覧会。Schwitters in Britain展では、戦争避難民として1940年にイギリスに到着してから1948年の彼の死まで、イギリスで活動していた期間の作品を主に、商品パッケージや新聞の切れ端などありふれた素材を使った150以上のコラージュや、彫刻作品、絵画などが展示されている。シュヴィッタースは、芸術目的のため、想像しうる全ての物を組み合わせる「メルツ」という概念を生み出し、found object（偶然見つけたもの）や日常生活の中にあるものを抽象的コラージュ、インスタレーション、詩、パフォーマンスに用いるスタイルを確立。彼の作品は、リチャード・ハミルトン、エドゥアルド・パオロッツィ、ダミアン・ハーストなど、後のイギリス人アーティスト達にも大きな影響を与えた。

シュヴィッタースは、自身の作品がナチス政府に「退廃芸術」との烙印を押されたことにより、1937年にドイツを離れ、最初の3年は息子が居たノルウェーに滞在。ナチスのノルウェー占領を機に、1940年にイギリスに渡ったが、敵国国民として1941年に解放されるまで各地の収容所で過ごした。その後、ロンドンのアート界で活躍、イギリス人アーティストや美術批評家と交流を深めた。1945年に湖水地方に移住、自然の素材を作品に使い始めた。また、出身地・ハノーファーで作り上げた建築的大規模構成作品・Merzbau（メルツ建築／メルツバウ）と呼ばれる作品の一環として、ここでもMerz Barn（メルツ小屋、物置）を制作した。展覧会は、シュヴィッタースの遺志を受け継いで、アーティスト・Adam ChodzkoとLaure Prouvostが制作した委託作品で締めくくられている。

戦時のムードや彼の避難民としての経験を反映してか、シュヴィッタースの抑えた色調の作品は、控えめで少し陰鬱な印象で、先日書いたリキテンスタイン展とは正反対。多くの人は、偉大なアーティストでモダンアートのパイオニアであるシュヴィッタースの作品に感銘を受けているのであろうが、私は何故か彼の有名なコラージュ作品群を見ても何とも感じないのだ。彼の正統派作品のポートレートや風景画（参照：FT / Guardian）は悪くないのだが、ただ単に私の好みじゃないのですよ。。。

→展覧会の写真：Guardian紙

Schwitters in Britain (January 30 – May 12) at Tate Britain is the major exhibition to examine the late work of German artist Kurt Schwitters, one of the major artists of European Modernism, who worked in several genres and media including Dada, Constructivism, Surrealism, poetry, sound, painting, sculpture, graphic design, typography and installation art. Focusing on his British period from his arrival in Britain as a refugee in 1940 until his death in 1948, the exhibition showcases over 150 collages, often incorporated fragments from packaging and newspapers, as well as sculptures and paintings. Schwitters invented the concept of Merz, ‘the combination, for artistic purposes of all conceivable materials’, and pioneered use of found objects and everyday materials in abstract collage, installation, poetry and performance. His work has influenced later British artists such as Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi and Damien Hirst. 

Schwitters was forced to flee Germany in 1937, when his work was condemned as ‘degenerate’ by Nazi government and first settled in Norway for  three years. He escaped to Britain in 1940 after the Nazi occupation of Norway but had been detained as an enemy alien until his release in 1941. Then he became involved with the London art scene, engaging with British artists and critics such as Ben Nicholson and Herbert Read. In 1945 Schwitters relocated to the Lake District, and began to incorporate natural objects into his work. The move also culminated in the creation of his sculpture and installation, the Merz Barn, a continuation of his Hanover architectural construction Merzbau. The exhibition ends with commissions by artists Adam Chodzko and Laure Prouvost made in collaboration with Grizedale Arts to explore the Schwitters’ legacy.

Schwitters work using muted colours is rather understated and somehow gloomy, probably reflected the atmosphere of the war time and his life experience as a refugee. Completely oposite to the ambience of the Lichtenstein exhibition. He must be a great artist and a pioneer of modern art, and probably many people love the exhibition, but I don’t feel anything by looking at his famous collages, though I like his conventional portraits and landscape paintings (such as in FT and Guardian). His work is just not my cup of tea…

→See more photos: Guardian

Lichtenstein: A Retrospective @ Tate Modern

春の訪れをちょっぴり期待させる気持ちのいい陽気の今日、遠足がてら、テート・モダンで開催中の「Lichtenstein: A Retrospective」展（2月21日〜5月27日）を見に行った。ご存知の通り、ロイ・リキテンスタインはアンディ・ウォーホルとともにアメリカのポップ・アートを代表するアーティスト。広告や漫画を題材に、大胆な色使いと、手描きのBen-Day dots（印刷インクのドット／点）が特徴の作品で知られる。

「Lichtenstein: A Retrospective」展は、20年以来のリキテンスタインの大規模回顧展で、代表的作の他、Rowluxの錯覚フィルムアクリルフィルムや鉄に描かれた絵画や、セラミックや銅を用いた彫刻、初公開のドローイングやコラージュなど計125点の作品が、テーマ毎に13の展示室に展示されている。入口から順に、

1. 抽象表現主義のパロディとされるBrushstrokes（筆遣い）シリーズ
2. Look Mickey（1961）等、コミック画をベースにしたEarly Pop（初期のポップアート）
3. Tyre (1962)等をはじめとするBlack & White（白黒画）
4. Whaam! (1963)など、彼を有名にした二つの主題を描いたWar and Romance（戦争とロマンス）
5. 伝統的な芸術のテーマを独自のスタイルで描いた、Landscapes/Seascapes（風景画／海景画）
6. 1930年代のニューヨークで流行したアールデコをテーマにしたModern（モダン）シリーズ
7. 過去の芸術家の作品を模したArt about Art（アートに関するアート）
8. 過去の自身の作品を構図に組み込んだ、Artist’s Studios (1973–4) （アーティストのアトリエ）シリーズ
9. 視覚と認識をテーマとしたMirrors and Entablatures（鏡とエンタブラチュア／柱頭の上の水平部）シリーズ
10. 多彩な色の幾何学的図形を用いたPerfect/Imperfect（完成／未完成）
11. Blue Nude (1997)など、古来からのアートの一分野に挑戦的で新しいアプローチを用いたLate Nudes（後期のヌード画）
12. ラフな筆遣いと幾何学的フォルムを組み合わせた、Early Abstractions and Late Brushstrokes（初期抽象画と後期運筆）
13. 宋時代の中国画の簡潔さに影響を受けた、Chinese Landscapes（中国の風景画）シリーズ

リキテンスタインの作品とテーマをより理解したい方には、 シカゴ美術館のウェブサイト（英語）がお薦め。テートでの展覧会の写真はBBC newsで。

最初の4部屋、War and Romanceまでは、リキテンスタインの鮮やかな色使いや、シンプル且つ大胆な筆致に引き込まれたのだが、それも段々食傷気味に。タイヤやノート、ラジオといった、ありきたりのオブジェや漫画をモチーフにした作品は好きだけれど、正直、テーマや主題は違えど変化の少ないスタイルに、最後の方は少々退屈してしまった。それに彼の作品は見るには楽しいけれど、底が浅いというか深みがなく、心に訴えるもの、考えさせられるものがないのだ。

Today was an unusually warm & sunny day in London, so we decided to go out and see ”Lichtenstein: A Retrospective“ (February 21 – May 27) exhibition at Tate Modern. As many of you already know, Roy Lichtenstein is one of the most celebrated American pop artist, together with Andy Warhol. He is renowned for his works based on advertising and comic strips, and coloured with his signature hand-painted Ben-Day dots on his painting.

This exhibition is the first full-scale retrospective of Lichtenstein in over 20 years, and brings together 125 of his paintings and sculptures with a wide range of materials, including paintings on Rowlux and steel, ceramic and brass sculptures and a selection of previously unseen drawings, collages and works on paper. Total of 13 rooms showcase his works in different themes:

1. Brushstrokes series which are usually seen as parodies of abstract expressionism
2. Early Pop with cartoon imagery such as Look Mickey (1961)
3. Black & White series including Tyre (1962)
4. War and Romance, such as Whaam! (1963), two subjects that would make him famous
5. Landscapes/Seascapes, traditional art themes in Lichtenstein style
6. Modern series inspired by NY’s art deco style in 1930s
7. Art about Art, replications of great artists of the past
8. Artist’s Studios (1973–4) which incorporated elements of his previous work
9. Mirrors and Entablatures, dealing with issues of vision and perception
10. Perfect/Imperfect, playing with geometric fields of colours
11. Late Nudes, like Blue Nude (1997), new and provocative approach to the ancient genres of art
12. Early Abstractions and Late Brushstrokes, hand-painted, loosely applied brushstrokes juxtaposed with geometric forms
13. Chinese Landscapes, his fascination with the simplicity of Chinese art of Song dynasty.

If you learn more about Lichtenstein and his work, Art Institute of Chicago’s website would be the excellent resource. Check BBC news for more photos of the Tate exhibition.

I was fascinated by Lichtenstein’s use of vivid colours and simple & bold brushstrokes at first four rooms up to War and Romance, but then I got indigestion. I like some of his works about banal objects such as notebook or radio, but I got bored of looking at his style at the end though themes and subjects are varied. His paintings are fun to look at, but they are shallow in a way and not emotional or thought-provoking….