“Who Am I ?” @ Great Sutton Street, Clerkenwell

Goswell Road（ゴスウェル・ロード）を歩いている時、Great Sutton Streetに面した建物の壁に浮き出たこの「白い顔」を発見した。

これは何？？と思って近づいてみると、下の方にポスターが貼ってある（写真下）。家に帰って、ポスターに書かれていたウェブサイトを見て、その謎が解けた。この顔のモデルは、地元クラーケンウェルの著名建築家＆ジャーナリストであるPeter Murray。サンフランシスコ出身でロンドンをベースとするアーティスト・Greg Shapterが、Domus Tilesという会社の依頼で制作した。→作品詳細とPeter Murrayのプロフィール

横から見ると何が何だか分からないけれど、少し離れた歩道に描かれた「X」の位置に立つと顔がはっきり浮かび上がる。→ 横から見た写真：Greg Shapterのウェブサイト

ちなみに顔の両面にある計5体の人形（右2体・左3体）も気になる。あれも同じアーティストの作品かしら？？

We spotted the white silhouette of a face on the side of the building on Great Sutton Street, while we are walking down Goswell Road. Who is this man??

We found a poster beneath the face when we came closer (photo below), and checked out the indicated website on the poster when we came back home to “get the answer.” This mysterious man is prominent local architect & journalist, Peter Murray, created by San Francisco born London based artist, Greg Shapter and comissioned by Domus Tiles. →details of project and who Peter Murray is

The face is fully distinguishable from a spot on the pavement marked with an ‘X’, and from the side you can’t understand what it is as the face disappear. → photos from the side：Greg Shapter’s website

I am also curious 5 human figures on both sides of the face, two on the right and three on the left. Are those also made by the same artist??

Looking at the View @ Tate Britain

テート・ブリテンで「Schwitters in Britain」展と「Simon Starling: Phantom Ride」を見た折り、同時開催中の「Looking at the View」展（2月12日〜6月2日）にも立ち寄った。この展覧会のことは見たことも聞いた事もなかったが、これが中々良く、むしろ先の2つより楽しめた。テート・ブリテンの説明によると、これは過去300年の間に50人以上のアーティストによって描かれたテート・コレクション所蔵の風景画約70点を集めたテーマ展で、BP British Art Displaysの一環。ジョゼフ・マロード・ウィリアム・ターナーやTracey Emin（トレイシー・エミン）等の有名どころから、あまり知られていないアーティストまで、これら作品を通じて、時代もバックグラウンドも違うアーティストたち、そして私たち自身の見る光景が、驚くほど似通っているかを見せてくれる。まあ同じ目の構造を持つ人間同志、全く違って見える訳はないとは思うのだが、同じ風景画と言えど、色使いや筆遣いなど作風が異なるアーティスト達の作品を比べるのも面白い。

以下は私の好きな展示作品。

Together with “Schwitters in Britain” and “Simon Starling: Phantom Ride“, we also saw “Looking at the View” (February 12 – June 2) at Tate Britain. I’ve never heard or read about this exhibition, but I enjoyed more than other two. According to the museum, this is the thematic exhibition displaying over 70 works by more than 50 artists over the last 300 years, revealing how artists and ourselves look at the landscape in greatly similar ways – whether near or afar, high or low, from inside or out. The show consists entirely of works from the Tate collection, from famous artists such as J.M.W. Turner and Tracey Emin to lesser-known figures, and is part of the BP British Art Displays. We all human being with the same kind of eyes won’t see completely different, but it is interesting to see how different each artist executes in a different way with diverse colours and brush strokes.

Here are my favorite paintings in the show.

Patrick Caulfield「After Lunch（1975）」私の好きなアーティスト、Michael Craig-Martinや Julian Opie（下作品）と似たスタイルの作品。シンプルなラインドローイングに鮮やかな青が印象的。

Patrick Caulfield “After Lunch” (1975). Similar style to one of my favorite artist Michael Craig-Martin and Julian Opie (below). I like their simple black line drawings with primary colours.

ジュリアン・オピーの「There are hills in the distance (c)（1996）」。イギリスのバンド・Blur（ブラー）の「The Best Of」のアルバムカバーに代表される、コンピュータで描かれた人物画が有名だけれど、彼の描く超シンプルな風景画もいい。→バービカンのオピーのデジタルインスタレーション：過去ブログ

Julian Opie “There are hills in the distance (c)” (1996). He is known for his graphic portraits such as in the album cover for British pop band Blur‘s “The Best Of“, but I also like his ultra-minimalistic landscape paintings. →See Opie’s installation at Barbican on my past post.

LS Lowryの「Hillside in Wales (1962)」。6月26日よりテート・ブリテンで、彼の大規模展「Lowry and the Painting of Modern Life」が始まる予定。

LS Lowry “Hillside in Wales” (1962). His major exhibition “Lowry and the Painting of Modern Life” will start on June 26 at Tate Britain.

ヴォルフガング・ティルマンスの「Concorde Grid (1997)」。今はなきコンコルドを違ったアングルで捉えたシリーズは興味深いが、背景色は黄色より白の方がいいと思う。

Wolfgang Tillmans “Concorde Grid” (1997). It’s impressing to show us Concorde in different angles, but I prefer the background color in white.

ギルバート&ジョージの「The Nature of Our Looking (1970)」。彼らの特徴である、写真を元にした鮮やかな色彩の作品と異なる、言わば地味目の作品。

Gilbert & George “The Nature of Our Looking” (1970). Very different from their famous brightly coloured graphic-style photo-based artworks.

Simon Starling: Phantom Ride / Tate Britain Commission 2013

毎年、テートの所蔵品やテート・ブリテンの歴史に呼応した作品の制作をアーティストに委託しているTate Britain Commission（2012年作品）。今年の作品は、2005年ターナー賞受賞者であるイギリス人アーティスト、Simon Starling（サイモン・スターリング）が制作した映像作品「Phantom Ride」（3月2日〜10月20日）で、Duveen galleriesに展示されている。

巨大スクリーンに映し出されるこの作品は、本物の作品とコンピュータで制作された映像を組み合わせ、過去の展示作品とギャラリーの歴史が時代を超えて幻影のように交錯する。Fionna BannerのJaguar戦闘機やウォーホルのエルヴィス・プレスリー等アート作品の横をすり抜けたと思うと、ドイツ軍のBlitz（ザ・ブリッツ）により、1940年に破壊されたギャラリーの瓦礫が現れる。面白いコンセプトだし、映像も音響も幻想的な雰囲気を醸し出しているけれど、すごく心打たれるほどではない。ギャラリーの歴史と栄光を表現するには、少し短かく、取り上げているアート作品も不十分な気がするのだ。

The Tate Britain Commission invites an artist to develop a new work in response to the Tate collection and the history of Tate Britain (see 2012 work). This year, British artist and 2005 Turner Prize winner, Simon Starling has created the film “Phantom Ride” (March 2 – October 20) that haunts the Duveen galleries with ‘ghosts’ of past exhibitions and history of the galleries.

The film, combining real objects and computer-generated works, projected on a huge screens, makes you feel like flying through time and through the past artworks such as Fionna Banner’s Jaguar jet fighter and Warhol’s Elvis Presley, and over the rubble of bomb-blast caused by the Blitz in 1940. Interesting concept, atmospheric, but not mind-blowing. Maybe a bit too short and incomplete to show a legacy of the galleries.

Other Cafe & Gallery @ Balls Pond Road, Dalston / Kingsland Road

OvergroundのDalston Junction駅から西へ徒歩数分のところにある、カフェ＆ギャラリー・Other。地上階・地下と2フロアある店内は、アンティークの家具や小物が、無造作に見えるけれどちゃんとバランスを考えてセンスよく配置されており（Mura Interiors）、それら調度品を見ているだけでも楽しい。晴れた日は入口横の大きな窓から太陽が燦々と注ぎ、ほっこりと午後のひと時を過ごせる。

ウェブサイトには、「イングリッシュ・ブレックファストから、南米料理やイタリアンまで、バラエティ豊かで新鮮な手作り料理」を出すとある。実は昨年10月に一度行って以来Otherには行っていないんだけれど、その理由はここのお料理がイマイチだから。スープとペンネ・カルボナーラ（下写真）は、眉目麗しいけれど、味にパンチがないと言うか味が薄いし、ペンネは茹で過ぎ。生ハムとトマトのパニーニ・サンドイッチはトーストされておらず、ボソボソしていて、これまた味がない。お店の雰囲気も居心地もいいだけに、リピートできないのはちょっと残念。あともう一つ、ギャラリーの展示作品（ウェブサイト）がお店の雰囲気にマッチしていない気も。

Walking few minutes to the west from Dalston Junction Overground station, you see Other Cafe & Gallery on the right side. Consisting of 2 floors, ground floor and downstairs, the place is decorated by Mura Interiors with antique furniture and bric-a-brac, looking randomly but meticulously in good balance & taste. It is fun just looking at those old items, and also you can enjoy lazy afternoon with plenty of sunshine coming through big windows next to the entrance.

Other’s website says that they offer a variety of fresh home-made food, from traditional English breakfast to Italian and South American dishes. To say the truth, we’ve never come back there after we went once last October, simply because their food was not impressive. Soup and penne carbonara (photo below) looked good, but were tasteless and uninspired. Panino with ham and tomatoes was not toasted and very dry and, again, no taste. The space is nice and cozy, and it is a shame that we can’t come back because of their food. Another thing is the artworks at the gallery don’t seem to match the atmosphere of the place (see website)…

写真上3枚：地下のカフェ＆ギャラリースペース。いくつかの小部屋に分かれていて、部屋毎にインテリアが違う。

3 photos above: cafe & gallery space downstairs, divided in several rooms and decorated differently.

Lichtenstein: A Retrospective @ Tate Modern

春の訪れをちょっぴり期待させる気持ちのいい陽気の今日、遠足がてら、テート・モダンで開催中の「Lichtenstein: A Retrospective」展（2月21日〜5月27日）を見に行った。ご存知の通り、ロイ・リキテンスタインはアンディ・ウォーホルとともにアメリカのポップ・アートを代表するアーティスト。広告や漫画を題材に、大胆な色使いと、手描きのBen-Day dots（印刷インクのドット／点）が特徴の作品で知られる。

「Lichtenstein: A Retrospective」展は、20年以来のリキテンスタインの大規模回顧展で、代表的作の他、Rowluxの錯覚フィルムアクリルフィルムや鉄に描かれた絵画や、セラミックや銅を用いた彫刻、初公開のドローイングやコラージュなど計125点の作品が、テーマ毎に13の展示室に展示されている。入口から順に、

1. 抽象表現主義のパロディとされるBrushstrokes（筆遣い）シリーズ
2. Look Mickey（1961）等、コミック画をベースにしたEarly Pop（初期のポップアート）
3. Tyre (1962)等をはじめとするBlack & White（白黒画）
4. Whaam! (1963)など、彼を有名にした二つの主題を描いたWar and Romance（戦争とロマンス）
5. 伝統的な芸術のテーマを独自のスタイルで描いた、Landscapes/Seascapes（風景画／海景画）
6. 1930年代のニューヨークで流行したアールデコをテーマにしたModern（モダン）シリーズ
7. 過去の芸術家の作品を模したArt about Art（アートに関するアート）
8. 過去の自身の作品を構図に組み込んだ、Artist’s Studios (1973–4) （アーティストのアトリエ）シリーズ
9. 視覚と認識をテーマとしたMirrors and Entablatures（鏡とエンタブラチュア／柱頭の上の水平部）シリーズ
10. 多彩な色の幾何学的図形を用いたPerfect/Imperfect（完成／未完成）
11. Blue Nude (1997)など、古来からのアートの一分野に挑戦的で新しいアプローチを用いたLate Nudes（後期のヌード画）
12. ラフな筆遣いと幾何学的フォルムを組み合わせた、Early Abstractions and Late Brushstrokes（初期抽象画と後期運筆）
13. 宋時代の中国画の簡潔さに影響を受けた、Chinese Landscapes（中国の風景画）シリーズ

リキテンスタインの作品とテーマをより理解したい方には、 シカゴ美術館のウェブサイト（英語）がお薦め。テートでの展覧会の写真はBBC newsで。

最初の4部屋、War and Romanceまでは、リキテンスタインの鮮やかな色使いや、シンプル且つ大胆な筆致に引き込まれたのだが、それも段々食傷気味に。タイヤやノート、ラジオといった、ありきたりのオブジェや漫画をモチーフにした作品は好きだけれど、正直、テーマや主題は違えど変化の少ないスタイルに、最後の方は少々退屈してしまった。それに彼の作品は見るには楽しいけれど、底が浅いというか深みがなく、心に訴えるもの、考えさせられるものがないのだ。

Today was an unusually warm & sunny day in London, so we decided to go out and see ”Lichtenstein: A Retrospective“ (February 21 – May 27) exhibition at Tate Modern. As many of you already know, Roy Lichtenstein is one of the most celebrated American pop artist, together with Andy Warhol. He is renowned for his works based on advertising and comic strips, and coloured with his signature hand-painted Ben-Day dots on his painting.

This exhibition is the first full-scale retrospective of Lichtenstein in over 20 years, and brings together 125 of his paintings and sculptures with a wide range of materials, including paintings on Rowlux and steel, ceramic and brass sculptures and a selection of previously unseen drawings, collages and works on paper. Total of 13 rooms showcase his works in different themes:

1. Brushstrokes series which are usually seen as parodies of abstract expressionism
2. Early Pop with cartoon imagery such as Look Mickey (1961)
3. Black & White series including Tyre (1962)
4. War and Romance, such as Whaam! (1963), two subjects that would make him famous
5. Landscapes/Seascapes, traditional art themes in Lichtenstein style
6. Modern series inspired by NY’s art deco style in 1930s
7. Art about Art, replications of great artists of the past
8. Artist’s Studios (1973–4) which incorporated elements of his previous work
9. Mirrors and Entablatures, dealing with issues of vision and perception
10. Perfect/Imperfect, playing with geometric fields of colours
11. Late Nudes, like Blue Nude (1997), new and provocative approach to the ancient genres of art
12. Early Abstractions and Late Brushstrokes, hand-painted, loosely applied brushstrokes juxtaposed with geometric forms
13. Chinese Landscapes, his fascination with the simplicity of Chinese art of Song dynasty.

If you learn more about Lichtenstein and his work, Art Institute of Chicago’s website would be the excellent resource. Check BBC news for more photos of the Tate exhibition.

I was fascinated by Lichtenstein’s use of vivid colours and simple & bold brushstrokes at first four rooms up to War and Romance, but then I got indigestion. I like some of his works about banal objects such as notebook or radio, but I got bored of looking at his style at the end though themes and subjects are varied. His paintings are fun to look at, but they are shallow in a way and not emotional or thought-provoking….