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Beyond El Dorado: Power and Gold in Ancient Columbia @ British Museum

大英博物館で開催中の「Beyond El Dorado」展(10月17日〜翌年3月23日)を観に行った。普段は行かない種類の展覧会なのだが、たまたまチケットをもらったのだ。

スペイン語で「金箔をかぶせた」または「黄金の人」を意味するエル・ドラードは、全身に金粉を塗り、コロンビアのグアタビータ湖に飛び込む儀式を行っていたMuisca(ムイスカ)族の長の名前で、アンデスの奥地に存在するとされた黄金郷・エル・ドラード伝説の基となった。コロンビアの首都・ボゴタにあるMuseo del Oro(金博物館)と共に企画したこの展覧会では、金のみならず、グアタビータ湖周辺から発掘された陶器や石の遺物など、Museo del Oroから約200点、大英博物館のコレクション約100点を展示。16世紀のスペインのコンキスタドールの到来以前の、古代コロンビアの豊かで多様な文化を紹介する。

ヨーロッパと違い、古代コロンビアでは、金は金銭的価値はなく、支配者達が自らの権力を誇示するための象徴的また霊的な意味を持っていた。儀式の道具、装飾品、象徴としての動物のオブジェ、楽器等の展示品からは、高度で複雑な金細工の技法や技能を持っており、それぞれの部族によってデザインや技術が少しずつ違っていることが見て取れる。今までコロンビアの伝統的工芸品や遺物を見たことがないので興味深く見て回ったが、正直、ジメジメして薄暗い11月のロンドンより、本場コロンビアで見たかったかも。

それより、同時開催中の日本の春画を集めたShunga展の衝撃的なポスターに目を奪われる。日本でも巡回展を開催するという企画もあったようだが、あまりの生々しさに、本場・日本では受け入れる勇気のある美術館・博物館がなかったらしい。

I went to see “Beyond El Dorado” exhibition at British Museum. I rarely go this kind of exhibition, but I got a free ticket. That’s the reason.

El Dorado, ‘the gilded or golden one’ in Spanish, is the name of a Muisca tribal chief who covered himself with gold dust and, as an initiation rite, dived into the Guatavita Lake in Columbia. It became the name of a legendary “Lost City of Gold.” Organised with Museo del Oro (museum of gold) in Bogotá, this exhibition features over 200 objects from Museo del Oro and around 100 from the British Museum’s collection, not only objects made of gold but also of ceramic and other materials excavated near the lakes, and explores the rich and diverse cultures of ancient Colombia before the Spanish arrivals in the 16th centry.

Unlike in Europe, gold was not valued as currency in pre-Hispanic Colombia but it had symbolic and spiritual meaning for the elite to claim their power, both in life and in death. Tools for rituals, ornaments, animal objects (each animal represents different meaning), and musical instruments etc. – those artifacts show us the advanced goldworking techniques and complex craftsmanship, which were different in techniques and designs across the tribes. I’ve never seen those ancient artifacts from Columbia and I enjoyed learning something new, but I prefer to see them in Columbia, not in London especially during the wet and dark November.

I would think people are more distracted by concurrent Shunga exhibition, and you know why. There was a plan to bring the exhibition to Japan, but I read that no museum was courageous enough to host it because of its explicit portrayal of sex. What a shame!


Paul Klee: Making Visible @ Tate Modern

テートモダンで開催中のPaul Klee: Making Visible展(10月16日〜2014年3月9日)は、スイス生まれの20世紀ヨーロッパ・モダニズムの巨匠・パウル・クレーの回顧展で、ロンドンの今年秋・冬の目玉展の一つ。世界中のコレクションから、絵画、ドローイング、水彩画が集められ、クレー自身が決めた過去の展覧会での作品の展示の順序を、この展覧会で再現している。

全17室からなる展覧会では、クレーの作品を時系列に展示。ワシリー・カンディンスキーフランツ・マルクとともにのミュンヘンで結成した表現主義画家たちの集まり・青騎士グループのメンバーとして、多彩な四角形を組み合わせた抽象的な独自の画風の確立した1910年代に始まり、教鞭をとったバウハウスでの10年間の作品、そしてナチス政権により「退廃芸術」のレッテルを貼られて新しい教職を剥奪されスイスのベルンに亡命した後、難病と闘いつつ多くの作品を生み出した晩年の作品へと続く。

クレーの作品の多くは小さいサイズだが、大きさに反比例し、その小さなカンバスは、豊かな色彩と自由な想像力に満ちている。見応えのある展覧会。

→Art Fundによる解説ビデオ

Paul Klee: Making Visible (Oct 16 – Mar 9, 2014) at Tate Modern is a major retrospective of the early 20-centry master of European modernism, Paul Klee, and one of the London’s must-see exhibitions this fall&winter. Paintings, drawings and watercolours from collections around the world are displayed alongside each other as Klee originally intended, often for the first time since Klee exhibited them himself.

This 17-room exhibition traces Klee’s career chronologically, beginning in Munich during the World War I, when he joined Der Blaue Reiter founded by Franz Marc and Wassily Kandinsky and established of his unique style of abstract patchworks of colour. It follows the decade of teaching and working at the Bauhaus, and his prolific final years in the 1930s in Bern, after he was dismissed from his teaching position by the Nazis and took refuge in Switzerland, as his works were labelled ‘degenerate art’ in Germany.

Most of his works are small in size, but on the opposite to its size, those are filled with rich colors and lots of imagination. Intriguing.

The Art Fund’s introduction video to the exhibition

Kara Walker Exhibition @ Camden Arts Centre

アフリカ系アメリカ人女性アーティスト・Kara Walker(カラ・ウォーカー)のイギリスで初めての個展が、Finchley Road駅近くにあるCamden Arts Centreで、10月11日から翌年1月5日まで開催されている。彼女の作品は正直好きではないのだが、Mが同じ学校卒、友人が彼女の元彼だった縁で多少彼女のことを知っているので、見に行ったのだ。

展示室3室はそれぞれ、ウォーカーお得意の切り絵を使った壁画、ドローイング、人形劇を撮影したビデオに分かれて展示されている。アメリカの奴隷制度がテーマのウォーカーの作品は、切り絵や人形劇といった可愛いイメージとは裏腹に、暴力とセックスのオンパレード、グロテスクで攻撃的、怨恨に溢れたネガティブオーラに満ちている。主に白人である観客に罪の意識を抱かせるための、彼女なりの罰、仕返しなのか?

当時、奴隷が受けた残忍でひどい仕打ちは到底許されるものではないし、忘れてはいけないことだと思う。しかし、私がアートに求めるものは美しいもの、感動したりポジティブになれる経験で、歴史を学ぶためではない。本やドキュメンタリーの方がより多くの知識を得ることが出来るし、実際、ウォーカーの作品よりアウシュビッツ収容所を見学した時の方が、よっぽど心を動かされた。そもそも彼女はどうしてあんなに強烈な怒りを表現するのか?奴隷制を経験した訳でもないし、聞くところによると彼女自身はリベラルでアカデミックな環境の中で、何不自由ない中流階級の人生を過ごしており、奴隷の苦しみを語っても説得力に欠ける。Guardian紙のインタビューでは、「人々が黒人アーティストに期待するような作品は作りたくない」と言っているが、彼女のやっていることはそのまんまだ。メディアでも時折、アメリカ南部の人種差別はひどい等と語っているが、主観的すぎるきらいがあり、彼女の元彼(白人)もウォーカーが差別で苦しんでいたなんて話は聞いてないという。以前ウォーカーが何かのインタビューで、その元彼が性差別主義で人種差別主義者、しかもサディストだと言ったと知って、元彼はショックを受けたというが、私も元彼に会ったことがあるけれど、上記のイメージとは正反対のいい人だ。だから私には、ウォーカーが南部に対する人々のステレオタイプを満足させることを言っているようにしか思えないのだ。

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イギリスメディアは時折、アメリカの人種差別はまだまだ根強いようなことを言っているが、イギリスだってどっこいどっこいか、それ以上だと思う。人種差別的発言をすれば逮捕させる事もあるし、差別はいけないと頭に刷り込まれているから、表立っては差別的なことは言わないが。アメリカは確かに奴隷制があったが、そもそもイギリス、スペイン、ポルトガル、フランス、オランダのヨーロッパ諸国が奴隷貿易でアフリカからアメリカ大陸に奴隷を連行してきたのだから、同罪だ。アメリカ人は奴隷制の暗い過去と向き合い、そこから学んでいるが、イギリス人はどうなのか?テレビの歴史番組は、ナチスドイツのことばかりで、奴隷貿易や植民地支配、搾取といった自国の行為はあまり取り上げない。それでアメリカばかりを責めるのは、ちょっとアンフェアだと思う。

The first major UK show of African American artist Kara Walker is held at Camden Arts Centre near Finchley Road station, from Oct 11 to Jan 5, 2014. I knew her work is not my cup of tea, but we went see the show, solely because M went to the same school with her and knows her a little via his friend.

Each three rooms shows a different type of work — Walker’s best known folkloric cut-paper; drawings; and a video work featuring a puppet show. Her work is all about America’s gruesome history of slavery, and is full of violence and sex, filled with negative auras such as aggression, grudges, and grotesques. Does she wants to punish the viewers, predominantly white audience, to make them feel bad about what they did in the past??

What happened to the slaves at that time is unacceptable and unforgiven, and everybody should’t forget about it. But learning history is not what I expect from art, and I rather read a history book or to watch a documentary. I want positive energy from art, not disturbance. In fact I was moved much more by visiting Auschwitz than Walker’s work. I don’t understand the reason of her massive anger she expressed in her work. She hasn’t experienced slavery, but has lived middle-class life in liberal and academic atmosphere, and her work is not convincing but pretentious to me. She says how racist American south is, but her claim is a bit too subjective – does she say these things to meet an expectation of people with stereotype against the south?? Waker said, ‘I don’t want to do what’s expected of me as a black artist’ in Guardian’s interview, but to me, that’s exactly what she does.

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British media often portray that racist is still strong in America, but I think UK is the same or even worse. Politically incorrectness is deeply imprinted in their mind, and never say anything face to face or in public just to avoid the trouble. You can even get arrested by making racial remarks here! America had slavery in the past, but British, Spanish, Portuguese, French and Dutch were the ones traded the slaves from Africa to the Americas, so they are equally guilty. Americans do talk about the slavery and learn from it, but British? I seldom see the documentaries and movies about the slave trades nor colonialism and exploitation, but much more about Nazis. I think It’s not fair.

Art under Attack: Histories of British Iconoclasm @ Tate Britain

テートブリテンのArt under Attack: Histories of British Iconoclasm展(10月2日〜2014年1月5日)は、16世紀に始まったイコノクラスム(宗教的聖像やシンボル、遺物等の破壊を伴う聖像破壊運動)から現代にかけて、イギリスにおける芸術への攻撃の歴史を紹介する展覧会。時系列に、宗教・政治・Aesthetics(美的観点)3つのセクションに分かれており、攻撃された絵画や彫刻、写真、書物等の展示を通じ、破壊に至った背景や理由を探求する。

宗教のセクションでは、ヘンリー8世の命により、16〜17世紀にかけて政府が強行したDissolution of the Monasteries修道院解散)に始まり、宗教改革、偶像崇拝を恐れる支配者や清教徒による宗教芸術への攻撃の様子が、頭部を切断されたキリスト像や砕かれたステンドグラス、キリストや聖人の顔がくりぬかれた時祷書などから見て取れる。私たちはイギリスのあちこちにある修道院の遺跡を見て回るのが好きなのだが、廃墟となった修道院には、こういった歴史的背景があったのだ。

政変期における政治的価値観の変化に誘発される政治的イコノクラスムのセクションでは、先の施政者や英雄の像や記念碑の破壊と共に、急進的婦人参政権論者(写真下2番目)による美術館やギャラリー収蔵品への攻撃を紹介する。

芸術への攻撃は、作品や作品の表現内容への不満が動機となることがあるが、最後のセクションでは、メディアでの言論攻撃や個人による破壊行為にさらされたテート収蔵品3点の他、見る者に破壊の様子を体験させるAuto-destructive art オート・ディストラクティブ・アート)や、変容や解体、破壊を表現した作品など、既存のアートを否定するアーティスト側からのアプローチに焦点を当てている。

展覧会のコンセプトはユニークで面白いが、テーマの違うセクションに分かれているせいか、展示自体は中途半端な印象。特に最後のセクションは、先の2セクションと違って、アーティスト自らの行為を取り上げており、全く違う展覧会を見ているよう。ちょっとピンぼけしてしまった感が否めないかな。

展覧会の様子(写真):Dow Jones Architects

Tate Britain’s Art under Attack: Histories of British Iconoclasm (Oct 2 – Jan 5, 2014) is an exhibition exploring the history of Iconoclasm (defined as deliberate destruction of icons, symbols or monuments) and attacks on art in Britain from the 16th century to now. The exhibition examines the movements and causes which have led to assaults on art through objects, paintings, sculpture and archival material in three chronological sections: Religion, Politics and Aesthetics.

The Religion sections presents from state-administered iconoclasm under Henry VIII including the Dissolution of the Monasteries during 16th and 17th centuries to attacks on religious art that began with the Reformation and by later rulers and Puritan reformers who feared idolatry. You can see destructive acts on religion and religious art such as statues of Christ decapitated, smashed stained glass, fragments of the rood screen and a defaced book of hours. Dissolution was a tragic incident to British religious communities, but I fascinated by monastery ruins I have seen throughout the countries.

Political iconoclasm encompasses the examples of attacks on symbols of authority during periods of political change, such as breaking statues and monuments, and attacks on paintings in museums and galleries by the militant Suffragettes (second photo below).

Attacks on art can be motivated by unhappiness with the artwork or the ideas it represents. Aesthetics section explores Tate works subjected to verbal attacks in the press and to physical attacks by individuals, as well as destruction on art by artists themselves, such as Auto-destructive art movement and transformational practices applied by artists.

Concept of the exhibition is unique and fascinating, but overall, the show itself seems a bit superficial to me and the issues are not examined in depth – probably because it consists of three different sections. Especially the last section focused on different perspective from the first two with which I enjoyed, and I felt like seeing two different shows. A bit out of focus.

More photos of exhibition : Dow Jones Architects

キリストや聖人がくり抜かれた、カンタベリー大聖堂のステンドグラス(左:がくり抜かれる前で、右がくり抜かれた後)

The missing figures in Canterbury’s stained glass

婦人参政権論者たちの監視用写真(ナショナル・ポートレート・ギャラリー収蔵)

‘Surveillance Photograph of Militant Suffragettes’ by Criminal Record Office (National Portrait Gallery)

Chair 1969 by Allen Jones

1980年代に国際女性デーの日に攻撃にあった、テート所蔵品・Allen Jones作「Chair(1969)」

Allen Jones’s Chair 1969, damaged on International Women’s Day in the 1980s

Mira Schendel @ Tate Modern



テートモダンで開催中のMira Schendel展(9月25日〜2014年1月19日)は、20世紀のブラジルアート界における最も重要なアーティストの一人で、ヨーロッパのモダニズムをブラジルで再構築した、Mira Schendel(ミラ・シェンデル)の回顧展。1950年代の初期の作品から1987年の最期のシリーズ作品まで、250以上の絵画、ドローイング、彫刻作品が集められている。

1919年にチューリッヒでユダヤ系の両親の元に生まれたシェンデルは、イタリアでカトリック教徒として育てられた。この経験が、後のアート制作における精神的かつ哲学的アプローチに繋がっている。1938年、イタリアでユダヤ人を排斥する法律が成立したことに伴い、イタリア国籍を剥奪され、大学を去ることになったシェンデルは、ユーゴスラビアを経て1949年にブラジルに移住、アーティストとしてのスタートを切る。またインテリのグループに参加、哲学者や精神科医等と交流することによって、美的感覚や哲学についての関心を深めた。初期の頃は、生活のためにグラフィックデザイナーとして働き、本の表紙やポスター、イラストレーション等も手がけている。

シェンデルは多作で多面性を持つアーティストとして知られる。独学で、ジョルジョ・モランディジョルジョ・デ・キリコパウル・クレーなどの作品から静物画、非対称性、建築的構成を学び、彼女の作品には、レトリスムカラーフィールド・ペインティングミニマル・アートコンセプチュアル・アートの要素が見られ、ブラジルのアバンギャルドに衝撃を与えたConcrete art具体芸術)やNeo-concre art(新具体芸術)運動に貢献したが、特定のアートムーブメントには属さなかった。生涯、ブラジルやヨーロッパの詩人や哲学者、神学者たちと交流を続け、宗教や哲学の問題や、物質的・文化的・言語学的置換を作品の重要なテーマとした。また、東洋の宇宙観や中国の水墨画からも影響を受け、水墨画風の作品も制作している。

言葉やイメージの組み合わせ、空間や時間を象徴するらせん形のモチーフ、半透明のライスペーパーの使用などに代表されるシェンデルの作品は、繊細で静謐、そして奥が深い。ブラジル以外ではあまり知られていないのが意外だ。

Mira Schendel exhibition at Tate Modern (Sep 25 – Jan 19, 2014) is a major retrospective of one of the most significant and influential Brazilian artists of the 20th century, Mira Schendel, who reinvented European Modernism in Brazil. The show features more than 250 paintings, drawings and sculptures, from her early paintings during the 1950s to her last series in 1987.

Schendel was born in Zurich in 1919 to parents of Jewish heritage, but grew up in Italy as a Catholic, and this experience contributed to her profoundly spiritual and philosophical approach to her art making. In 1938, she was stripped of her Italian nationality and forced to leave university when anti-Semitic laws were introduced in Italy. After fleeing to Yugosalvia and then Brazil in 1949, she began her career as an artist. She joined an intellectual circle and there explored ideas concerning aesthetics and philosophy. She also worked as a graphic designer, producing book covers, posters and illustrations to make a living at her early career.

Schendel was a prolific and complex artist. Largely self taught, she drew inspiration for her still-lifes, interiors and asymmetrical, architectonic compositions from artists such as Giorgio Morandi, Giorgio de Chirico and Paul Klee. Her works contain elements of Lettrism, Color Field paintingMinimalism and early Conceptual art, but she was never associated with a single movement while having contributed to the Concrete art and Neo-concre art movements that stormed the Brazilian avant-garde. In life, Schendel was an keen reader and continued correspondence with poets, philosophers and theologians throughout Brazil and Europe, and as a result, physical, cultural and linguistic displacement are key themes in her work, together with issues of religion and philosophy. She was also influenced by Far Eastern cosmovision and created works inspired by Chinese painting.

Schendel’s work, characterized by such as combining word and image, using spiral motifs which signify an image and an investigation of space and time, or applying on semi-transparent rice papers, and is rather quiet and delicate yet profound. It is surprising that she is little known outside Brazil!

言葉や詩を探求したシリーズ作品・Graphic Objects。1968年のヴェネツィア・ビエンナーレにお目見えした。

Graphic Objects, a collection that explores language and poetry, first shown at the 1968 Venice Biennale

Still Waves of Probability, 1969

60年代のグラフィックデザイン作品。50年近くも前と思えないモダンさ。

Schendel’s graphic design work in 60s is still amazingly fashionable and modern in present time

Lowry and the Painting of Modern Life @ Tate Britain

ここ数ヶ月の間に見た展覧会の中で一番印象に残っている、テートブリテンの「Lowry and the Painting of Modern Life」展のこと、ブログに書こう書こうと思っていて、ふと気付いたらもう10月。今月20日に終わる前にと慌てて筆を取った、もといキーボードに向かった。

イギリス人アーティスト・Laurence Stephen Lowry(ローレンス・スティーブン・ローリー)、略してLS Lowryは、イングランド北部ランカシャー州にある産業の街・Stretford生まれのイギリス人アーティストで、20世紀半ばのイングランド北部の産業地帯を好んで描いたことで知られる。海外ではあまり名は知られていないが、イギリスでは最も人気のある画家の一人だ。19世紀後半のフランスの絵画に影響を受けたローリーは、サッカーの試合やデモ行進、工場へ通勤する人々等、炭坑や工場、テラスハウスと呼ばれる集合住宅を背景に、「matchstick men(マッチ棒のように細長い人間)」と呼ばれる独特の作風で、産業革命で栄えた北部イングランドの労働者階級の人々の日常生活を生き生きと描いた。

ローリーは夜間クラスでパートタイムで絵画を学び、仕事後に作品を描いていた。60代で画家として成功を収めた後も、定年退職するまで事務員としてフルタイムで働いたという。そして、その生涯でKnightの爵位を含む5つのイギリスの栄誉称号を辞退し、イギリスで最も栄誉称号を受け取らなかった人物という記録を持つそうだ。

ローリーの作品からは、今は廃れてしまったけれど、かつては活気に満ちていた産業地帯にコミュニティや人々のバイタリティーやパワーが溢れ出ていて、見ているこちらも何故か元気が出てくる。イチオシの展覧会、終わる前に是非足を運んでみてください。

→参考サイト:BBC YOUR PAINTINGS: Laurence Stephen Lowry painting

Although Tate Britain’s “Lowry and the Painting of Modern Life” is one of my favorite exhibitions in recent years, I have been postponing to write about it with no reason, but suddenly I realized that the exhibition is going to end soon on 20th this month (can’t believe it’s already October!) and finally I picked up the pen, no, started to type the keyboard.

Laurence Stephen Lowry, or simply L.S. Lowry is an English artist, born in industrial city of Stretford, Lancashire, and is known for his paintings of the industrial landscapes of the north of England in the mid-20th century. He is not known well abroad, but is one of the most popular painters in UK. Influenced by French painting of the later 19th century, Lowry painted  everyday life of working class people with a style often referred to as “matchstick men”, with background of coalmines, factories and terraced houses, as well as people going football matches and protest marches – typical urban landscapes of North England where once had been flourished during industrial revolution.

Lowry studied painting part-time in evening classes, and later only painted at night after work. He worked full-time for his whole life as a clerk and continued to be chief cashier at the Pall Mall Property Company in Manchester, even after he achieved success as a painter in his 60s.
Interestingly, Lowry rejected five honours during his life, including a knighthood, and holds the record for the most rejected British honours.

From Lowry’s painting, I can feel vitality and power of the people and the community, where now lost past glory after many factories and mines closed down, sadly. Highly recommended, and you shouldn’t miss it.

BBC YOUR PAINTINGS: Laurence Stephen Lowry paintings

Meschac Gaba: Museum of Contemporary African Art @ Tate Modern

テートモダンではIbrahim El-Salahi展と時期を同じくして、もう一人のアフリカ人アーティストの展覧会、Meschac Gaba: Museum of Contemporary African Art展が開催されている。

ベニン人コンセプチュアル・アーティスト・Meschac Gabaの「Museum of Contemporary African Art」は、自分の作品を展示するスペースとして作った、12室構成の架空の「美術館」。Gabaは1997年に、このインスタレーションの最初の作品となる、どこかで見つけたものや、既存品に手を加えたもの、手作りなど様々なオブジェを配したDraft Roomを製作。その後の5年の間、展覧会毎に作品は増えていった。Gabaの「美術館」には、LibraryMuseum RestaurantMuseum Shopなど、通常美術館にあるものが全てあるという。「自分のファンタジーを見る人とシェアしたい」という願いのもと作った、彼独自の「部屋」も。Salonでは、アフリカの伝統的ゲーム・Awéléをモチーフにしたコンピュータゲーム、Adjiで遊べる。Art and Religion Roomには、古今東西の宗教関係のオブジェが日用品と共に並び、Marriage Roomには彼自身の結婚式で使われた品々や写真が展示されている。Architecture Roomでは、木製ブロックを使って仮想美術館を作ることが出来るし、大きなチェスのボードやアフリカの国々の国旗を再構成するパズルテーブルが置かれたGame Roomもある。このプロジェクトの最後に製作された金色の自転車を使ったHumanist Spaceは、同じフロアの展示室の外に置かれている(写真下)。

カラフルでユニーク、遊び心に溢れたこの展覧会、見ていて面白かったけれど、正直アーティストの意図する所がいまいち掴めない。それぞれの部屋にはアーティストのコンセプトや意味があるらしいのだけれど、書くと長くなるし抽象的で説明を読んでもよく分からないので、興味がある方はTateのウェブサイトを参考にしてください。

Tate Modern has been hosting an exhibition of another African Artist, Meschac Gaba: Museum of Contemporary African Art (until Sep 22), concurrently with Ibrahim El-Salahi.

Beninese conceptual artist Meschac Gaba’s Museum of Contemporary African Art is a 12-room installation, and he created this ‘museum’ because he wanted to have space to show his work. In 1997, he created the first part of his project, the Draft Room, contained an unusual assortment of handmade, found and altered objects. Over the next five years, further rooms would appear, one by one, in exhibitions and museums internationally. Gaba’s ‘museum’ has everything that you see in every museum, such as Library, Museum Restaurant and Museum Shop, and even cashier’s desk with monies on the top. He wanted ‘to share his fantasy’ and created his own unique rooms: the Salon where visitors can play the Adji computer game, an adaptation of the traditional African game Awélé; the Art and Religion Room containing all sort of religious icons from Christianity to animism together with everyday objects; the Marriage Room comprising with memorabilia of his own wedding; the Architecture Room where you can build your own imaginary museum using wooden blocks; and the Game Room with a big chess board and sliding puzzle tables reconfiguring the flags of some African countries. The last-completed section of the Humanist Space with gold bicycles is set outside the exhibition room on the same floor (photo below).

The exhibition is colorful, powerful and playful, but honestly I didn’t get artist’s message by just looking at it. Each room has its own concept and idea, but it’s too long to write and it is a bit too abstract for me to understand even by reading the description, so please check out Tate website if you want to know more.