Blue Jasmine @ Everyman Screen on the Green

ロンドン三部作であるMatch Point（マッチポイント）、Scoop （タロットカード殺人事件）、Cassandra’s Dream（ウディ・アレンの夢と犯罪）、そしてVicky Cristina Barcelona（それでも恋するバルセロナ）、Midnight in Paris（ミッドナイト・イン・パリ）、To Rome with Love（ローマでアモーレ）と、近年ヨーロッパで映画を多く撮っていたウディ・アレンの最新作「Blue Jasmine」を見に行った。私はずっと、ウディ・アレンはアメリカ、特にニューヨークを舞台にした人間関係のしがらみを扱ったら天下一品だと思っていたが、Blue Jasmineはドンピシャ。久しぶりに彼の真骨頂を見た気がする。日本ではまだ未公開らしいが、あらすじは以下の通り。

リッチなビジネスマンの夫・Hal（アレック・ボールドウィン）とニューヨークで優雅な生活を送っていたJasmine（ケイト・ブランシェット）は、ある日何もかも失い、サンフランシスコの狭いアパート住むシングルマザーの妹・Ginger（サリー・ホーキンス）の元に転がり込んだ。ジャスミンは精神的に不安定で望まぬ暮らしぶりにうまく適応できず、精神安定剤とウォッカの助けで何とかこの苦境に耐えている。「負け犬（losers）」のような妹の元夫やボーイフレンドの下品さにも我慢できない。自分の洗練されたスタイルとテイストを活かしてインテリアデザイナーとして成功するという苦し紛れに思いいた夢をかなえるため、仕方なく歯科医の受付として働くが、そこでは医者のセクハラに遭う。そこに現れたのが、ジャスミンの美しさとエレガントさに一目惚れした外交官のDwight（ピーター・サースガード）。過去の栄光を取り戻す希望の星となるかと思えたが、彼女が自身の過去についてついた嘘が悲劇的な結末をもたらす。

この映画はコメディだ。可笑しいんだけれど、優しくて金持ちの夫と豪邸に住み、ニューヨークの社交界で華やかな生活を送っていた女性が家族も財産も全て失い、プライドだけが残った彼女にとって堪え難い「普通」の生活の中で精神を病んでいく姿が痛々しい。最初は鼻持ちならないと思ったけれど、それでも一縷の望みを頼りに必死に生きていこうとするジャスミンに最後は深い同情を覚える。そんなジャスミン役のケイト・ブランシェットの演技も素晴らしい。男性のウッディ・アレンが、自分の人生を守るために夫の違法行為に目をつぶったり小さな嘘をついたりする、女性の心の機微を見事に表現したのにも感心した。笑って泣ける、私的に5つ星のオススメ作品。

久しぶりに行ったエンジェルの映画館・Screen on the Green （過去ブログ参照）は、今はEverymanというアートハウス系映画館の傘下となっていた。それに伴ってか、後ろ2列が居心地のいいソファー席になっていて、料金に2ポンド追加で家のリビングのように寛げる。後ろにはカフェ／バーもあり、コーヒーやワインを飲みながら映画を見ることも出来る。この映画館もお薦め。

Many of Woody Allen‘s recent films were shot in Europe, some of them in London such as Match Point, Scoop, and Cassandra’s Dream and others in Barcelona (Vicky Cristina Barcelona), Paris (Midnight in Paris)  and Rome (To Rome with Love). But I always think that he is a master when he portrays relationship issues among intellectuals and high society in New York, and his latest work, Blue Jasmine, is the one and the very best in recent years for me. Here is the synopsis.

After everything in her life falls to pieces, including her marriage to wealthy businessman Hal (Alec Baldwin), elegant New York socialite Jasmine (Cate Blanchett) moves into her sister Ginger’s (Sally Hawkins) modest apartment in San Francisco. Jasmine is in a fragile mental state and depends on anti-depressants and vodka. She doesn’t cope well with her undesired new life and still behaves like an aristocrat, and calls her sister’s boyfriend and ex-husband ‘losers’. She reluctantly works as the receptionist in a dentist’s office, with a improvised goal to study to be a successful interior designer with her sophisticated taste. One day, Jasmine meets Dwight (Peter Sarsgaard), a diplomat who is quickly smitten with her beauty, sophistication and style, and finds a hope to get back to high life. However, her lies about her past lead to another catastrophic blow to Jasmine.

This comedy-drama hilariously but painfully portrays fall of a woman who had everything but lost everything except her pride. I was annoyed with Jasmine’s arrogance at the beginning but gradually started to feel sympathy and to pity her. She is forced to live like an ‘ordinary’ people that causes her a nervous breakdown, but she tries to cope with hardship in her own way though a bit clumsy and bit unrealistic. Cate Blanchett did play the role perfectly, and I can’t think about any actress who can do better than her. Also I am impressed Woody Allen as a man, can perfectly describe woman’s nature – closing one eye on her husband’s infidelity and illegal activity or telling a ‘little’ lie to protect her own happiness. I give this film a 5-star.

I didn’t go to Angel’s cinema Screen on the Green (past blog) for a long time, and during the break, the cinema has become a part of Everyman Cinemas. Accordingly, comfy sofa seating called ‘Premier Seat’ is introduced at the last two rows, and there you can enjoy a film like you are in your living room, with extra £2.00. There is a café/bar at the back that serves you a refreshment at your own seat. The cinema is also recommended.

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Pier Paolo Pasolini: Mamma Roma @ BFI Southbank

 BFI Southbankでは3月1日〜4月30日まで、Mのお気に入りの映画監督の一人、ピエル・パオロ・パゾリーニの2部構成回顧シリーズが開催中。最近修復されたバージョンの作品が多く上映されている（作品紹介とスケジュール）。

映画監督で作家、詩人、言語学者、画家と多才な才能を持ち、政治思想を歯に衣着せぬ物言いで表現したパゾリーニは、同時代の中でも最も挑発的で物議を醸す監督の中の一人。ローマ近郊の砂浜で非業の死を遂げたことでも有名だ（Wikipedia）。彼の一匹狼的な左翼思想と挑戦的な同性愛は、ヨーロッパ人のアイデンティティの元であるキリスト教と多神教への皮肉と批判とともに、多くの作品中に見てとれる。ネオレアリズモをルーツとする彼は、伝統的映画製作のルールに従わなかったことでも知られるが、同時に映画を詩的なものへと作り替え、ルネッサンス期の絵画に影響を得た絵画的構成を映像に用いた。その作品は、ライナー・ヴェルナー・ファスビンダー、デレク・ジャーマン、ガス・ヴァン・サント、マーティン・スコセッシなどにも影響を与えている。

ジャン＝リュック・ゴダールもそうだけれど、必要以上に挑発的で不合理、隠喩を用いた難解なパゾリーニのスタイルは正直好みではないのだが、ファシズムと第二次世界大戦後のイタリア社会の底辺を生きる人々の現実を描いた、Mamma Roma（マンマ・ローマ / 1962年）は面白そうなので見に行った。アンナ・マニャーニ扮する主人公のマンマ・ローマは、ローマに住む元娼婦で、愛する一人息子が幸せになるためなら、人を罠にかけたり恐喝まがいのことまでする、典型的な「息子LOVE」のイタリア人ママ。でも、そうやって自分を犠牲にしてまで息子に尽くした母の物語は悲劇に終わる。彼女のすることはちょっと行き過ぎとしても、子を思う母の気持ちは万国共通、共感を覚えると同時に、残酷な運命が心が痛む。希望の象徴であるローマ郊外の新築の住宅地とローマ時代の廃墟のコントラストを背景にした映像は美しいが、でもそこはパゾリーニ。そこに生きる人たちの振る舞いや顔つきはお世辞にも美しいと言えず、その言葉遣いは野卑で下劣でもある。ローマで少年時代を過ごしたMは、その時代の貧困層の人たちはあんな感じだっただろう、と言うから、それこそネオレアリズモ、現実を忠実に描き出した作品なのだろう。いい意味でも悪い意味でも心に残る作品。

From March 1 to April 30, BFI Southbank has been hosting the comprehensive two-part retrospective season of the Italian director Pier Paolo Pasolini, one of M’s favorite film directors of all time. Many of the films shown are recently restored versions (film details & schedule).

A director, novelist, poet, linguist, painter and journalist with an outspoken political agenda, Pasolini was one of the most controversial and provocative directors of his day, who tragically ended his life on the beach near Rome (Wikipedia). His non-aligned leftism and defiant homosexuality can be seen in many of his films, as well as his cynical and critical view of religions, both Christian and pagan, as a foundation of European identity. With his roots in the neorealism,  he ignored the rules’ of conventional film, and reinvented the language of cinema as a kind of poetry and used tableau compositions inspired by Renaissance painting. Pasolini’s works have inspired some renown filmmakers, including Rainer Werner Fassbinder, Derek Jarman, Gus Van Sant and Martin Scorsese.

I am not a big fan of Pasolini’s style which was often unnecessarily provocative, scandalous, absurd, and too metaphoric to understand, the similar reasons why I don’t love Jean Luc-Godard either. But I went to see Mamma Roma (1962), because this film shows real people who struggled to live after the Italian Fascist era and World War II. Mamma Roma is a mother who does everything, even trapping and blackmailing others, to make her dearest and only son to live a decent life, not like hers, but the movie ends badly despite of her sacrifice and effort (detailed plot). Overall, I enjoyed this film a lot. Ex-prostitute, Mamma Roma (Anna Magnani) is a stereotypical Italian mother who loves and protects her beloved only son with all the cost though sometime too much, but also an universal mother figure who only hopes her child’s happiness, so everyone can understand and sympathize with her way of living, though it may not be the right way. The cinematography is beautiful and atmospheric, showing the contrast between the newly built housing complex and Roman ruins in suburb of Rome. Some languages are rather immoral and vulgar. According to M who spent his teenage years in Rome, some Romans who live in impoverished area at that time could be like that, so I guess the movie is ultra-realistic in a way. 

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Here is a little information from Venice, sent by the artist Stefano Devoti who made an art work for the London’s restaurant In Parma By Food. He is in venice now at the Fiorenzo Fallani studio that host “Nice to Print You” program, where you can have an unique opportunity to work with a print master. You can also visit the studio full of contemporary art history, to bring home an unique object done by their hands – if you have a plan to visit this beautiful city of Venice and do something unique.

 

Hitchcock Sculpture @ Gainsborough Studios

Cortadoの入居しているGainsborough Studiosは、ゴーモン＝ブリティッシュ・ピクチャーの姉妹会社で、かのアルフレッド・ヒッチコックも作品を撮影したという映画会社・Gainsborough Pictures（ゲインズボロ映画）の撮影スタジオがあった場所。建物自体は、Great Northern & City Railwayというムーアゲート駅とフィンズベリー・パーク駅を結ぶ鉄道のための発電所として1900年頃に建てられ、後に改装され、1924〜1951年の間、映画撮影スタジオとして使われていた。スタジオは2002年に取り壊され、2004年に居住用アパートに生まれ変わった。

往年の映画スタジオを記念して、アパートの中庭には、巨大なヒッチコックの頭像がでーんと置かれているのだが（BBC）、私の目には、どう見ても仏様にしか見えない。。。

Gainsborough Studios where Cortado is housed, is used be a film studio of Gainsborough Pictures, which was a sister company to the Gaumont British and where Alfred Hitchcock made his first films. Built as a power station for the Great Northern & City Railway in about 1900, it was later converted to movie studios which had been active between 1924 and 1951. Then the studios were demolished in 2002, and residential flats were built on the site in 2004.

Commemorating this former film studios, the gigantic head of Hitchcock is placed in the courtyard of the complex (BBC). But to my eyes, this looks more like grumpy Buddha, rather than Hitchcock…

Michael @ Renoir Cinema

Vodpod videos no longer available.

久しぶりに映画館で見た映画がこれ、オーストリア映画の「Michael（ミヒャエル）」。この映画は、キャスティング・ディレクターとして、ミヒャエル・ハネケ監督の『ピアニスト』や『白いリボン』等60本以上の映画製作に参加してきた、Markus Schleinzer（マルクス・シュラインツァー）の初監督作品。2011年カンヌ映画祭の招待作品にも選ばれた。保険会社で働く、几帳面で一見大人しそうな35歳の会社員のミヒャエルと、彼が自宅地下に監禁している、誘拐してきたとおぼしき10歳の少年Wolfgang（ウォルフガング）の、5ヶ月間の奇妙な関係を淡々と描いている。ミヒャエルが少年の名前を呼ぶシーンは作中になかったと思うので、子供の名前はここではあえて使用しない。

郊外にある家と会社の往復という単調で平凡な毎日。でもミヒャエルの家の中には、監禁された子供という誰も知らないダークな秘密が隠されている。ミヒャエルは無表情ながらも、頭をなでたり一緒に遊んだり、共に食事の準備や後片付けをしたりと、男の子に対し厳格な父のようにふるまう。監禁している部屋は広く、清潔で整理整頓され、おもちゃもテレビもある。クリスマスを祝いプレゼントを渡し、親子のように外出することも。それでも、ミヒャエルは他人であり虐待者なのには変わりない。男の子は親とも友達とも会えず、ミヒャエルが帰って来るまで、鍵のかかった窓もない座敷牢で一人きりで過ごす。逆らったら何をされる分からないという不安のもと、無力な子供はミヒャエルの言うことを聞き、時に一人で涙する。そしてあからさまなシーンはないものの、ミヒャエルが、自分の性欲を満たすために子供を呼ぶ時の嫌らしさ。呼ばれた子供の表情が、何とも切ない。優しくしてはいるものの、子供の全てをコントロールしたいという残酷な支配欲も見え隠れする。一方後ろめたさからか、一人泣いたりしたりと人間らしさもないこともないが、やはり自分の欲望のために小さな子供の人生を滅茶苦茶にするという児童性虐待者の神経には虫酸が走る。結末は、詳細はすごく言いたいけど言わないでおくが、ミヒャエルの自業自得で終わる。でも結局子供がどうなったかを見せずに、突然終わってしまって、気持ち的にかなり消化不良。

オーストリア少女監禁事件にしろフリッツル事件にしろ、近年話題になった監禁事件は、奇しくも共にオーストリアが舞台。「ミヒャエル」もこの少女監禁事件がヒントになったと思われるが、実際の被害者の経験は、ある意味美化されているこの映画より、もっと悲惨だったらしい（Mは彼女の書いた本「3,096 days」を読んで教えてくれた）。まあ一般公開される映画では規制があって、陰惨で衝撃的すぎるシーンは上映できないのだろうな。

This is the movie we saw in a cinema after a while, Austrian movie “Michael“. This is a debut film by Markus Schleinzer, who participated in over 60 feature-film projects including Michael Haneke’s The Piano Teacher and The White Ribbon, and premiered in Competition at the 2011 Cannes Film Festival. The movie emotionlessly and detachedly describes the last five months of 10-year-old Wolfgang, a kidnapped boy, and 35-year-old kidnapper / child molester Michael’s life together. There is no scene that Michael calls Wolfgang by name, as far as I remember, so I don’t use the the kid’s name here.

Michael, a seemingly meek insurance agent who lives mandane life, has a dark secret: he’s holding a boy captive in a locked room in his basement. Michael’s life is a repetition of attending work, returning with his shopping to cook dinner in his neat and tidy home in boring and doomy Austrian suburb. In the movie, Michael is neither violent or agressive toward the boy, but behaves rather fatherly; patting on a head, preparing dinner and cleaning up dishes together, sometimes play together. Kid’s room is spacious, clean and neat, though there is no windows and always locked, but there are toys and TV. Michael cuts the boy’s hair, celebrate Christmas together, and even takes a trip to a mountain. However, he is still an abuser. The boy spends all day alone in a basement until Michael comes back, without being able to see his parents and friends and freedom to go anywhere. He is totally helpless and has no other choice but to obey what Michael orders him, including Michael’s sexual gratification. There is no explicit scene but it is implied – it is quite disturbing. TIt is heartbreaking to se the boy’s face when he was demanded to do what he really doen’t want… Michael is also a control freak – everything has to be in order. Though he seems gentle, but in fact he controls every aspect of  the boy’s life. He sometimes shows some humane side, such as crying alone, but I can’t comprehend his psyche that allows him to destroy little boy’s happy life otherwise and to give a psychological torment. I can’t say  how the move ends, though I desperately want to, but Michael pays the price of what he did. However, I hate the ending like this, suddenly screen blackened, and doesn’t show what really happened to the boy!! Now I have mental indigestion…

Recent two notorious confinement cases of  Natascha Kampusch case and Fritzl case both happened in Austria coincidentally. “Michael” resembles the Kampusch case, but what Natascha actually experienced was much worse in compare to this rather moderated and neutralised movie (M read her book 3,096 days and told me what happened). I guess a film, seen by general public, has certain restriction and can’t show scenes too horrifying and upsetting.

“Joan of Arc: Voices of Light” by London Symphony Orchestra @ Barbican Centre

先日日曜日、バービカン・センターで行われた、London Symphony Orchestra（LSO：ロンドン交響楽団）のコンサート「Joan of Arc: Voices of Light」を観に行った。このコンサートでは、カール・ドライヤー監督のサイレント映画「裁かるゝジャンヌ（1928年）」の映像を背景に、アメリカ人作曲家のRichard Einhorn（リチャード・エインホーン）がこの映画に影響を受けて1994年に作曲したオラトリオ・「Voices of Light」を、女性指揮者Marin Alsop（マリン・オールソップ）率いるLSOが演奏した。

「裁かるゝジャンヌ」では、大天使ミカエルの「声」を聞き、百年戦争の際、イングランドによる支配からフランスを救った英雄ジャンヌ・ダルクが、敵対するブルゴーニュ軍に捕らえられてイングランド軍に引き渡された末、異端審問裁判で「悪魔の子」の烙印を押され、火刑に処せられるまでが描かれている。ラテン語と古フランス語で書かれた、聖書やジャンヌ・ダルクを含む中世の女性による著作からの引用で構成された詞は、ソロイストとコーラスによって美しく歌い上げられ、そのミニマルで荘厳な音楽からは、白黒の映像と相まって、若干19歳で悲劇の最後を迎えたジャンヌの恐怖と苦しみが切なく伝わってくる。YouYubeでもこの映画と音楽のコラボが見れるので（リンク）、ご興味ある方は是非！

We went to London Symphony Orchestra (LSO)’s “Joan of Arc: Voices of Light” at the Barbican Centre last Sunday. In this concert, live performance by a leading female conductor Marin Alsop and LSO of Richard Einhorn‘s oratorio “Voices of Light” (1994),  inspired by this classic film, was accompanied screening of the  Carl Theodor Dreyer‘s silent film “The Passion of Joan of Arc ” (1928).

“The Passion of Joan of Arc ” is a story of Joan of Arc,  a national heroine of France and a Catholic saint, who heard the voice of  Saint Michael and liberated France from English occupation during the Hundred Years’ War. It summarises the time from the Rehabilitation trial after being captivated by English and Burgundian to imprisonment, torture, and the execution by burning.

A libretto in Latin and antique French from the writings of Joan of Arc, medieval mystics and the Bible, was sang beautifully by soloists and chorus. This minimalistic and solemn score, together with the black and white classic silent masterpiece, was deeply moving and vividly conveyed the fear and emotional suffering of young Joan, who once was a savior of France but whose life was tragically terminated with only an age of 19 by one of the most agonising way.

You can also see this film together with the music on YouTube (link), so check it out if you are interested.