Tag Archives: アメリカ人

“Who Am I ?” @ Great Sutton Street, Clerkenwell

Goswell Road(ゴスウェル・ロード)を歩いている時、Great Sutton Streetに面した建物の壁に浮き出たこの「白い顔」を発見した。

これは何??と思って近づいてみると、下の方にポスターが貼ってある(写真下)。家に帰って、ポスターに書かれていたウェブサイトを見て、その謎が解けた。この顔のモデルは、地元クラーケンウェルの著名建築家&ジャーナリストであるPeter Murray。サンフランシスコ出身でロンドンをベースとするアーティスト・Greg Shapterが、Domus Tilesという会社の依頼で制作した。→作品詳細とPeter Murrayのプロフィール

横から見ると何が何だか分からないけれど、少し離れた歩道に描かれた「X」の位置に立つと顔がはっきり浮かび上がる。→ 横から見た写真:Greg Shapterのウェブサイト

ちなみに顔の両面にある計5体の人形(右2体・左3体)も気になる。あれも同じアーティストの作品かしら??

We spotted the white silhouette of a face on the side of the building on Great Sutton Street, while we are walking down Goswell Road. Who is this man??

We found a poster beneath the face when we came closer (photo below), and checked out the indicated website on the poster when we came back home to “get the answer.” This mysterious man is prominent local architect & journalist, Peter Murray, created by San Francisco born London based artist, Greg Shapter and comissioned by Domus Tiles. →details of project and who Peter Murray is

The face is fully distinguishable from a spot on the pavement marked with an ‘X’, and from the side you can’t understand what it is as the face disappear. → photos from the side:Greg Shapter’s website

I am also curious 5 human figures on both sides of the face, two on the right and three on the left. Are those also made by the same artist??

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Lichtenstein: A Retrospective @ Tate Modern

春の訪れをちょっぴり期待させる気持ちのいい陽気の今日、遠足がてら、テート・モダンで開催中の「Lichtenstein: A Retrospective」展(2月21日〜5月27日)を見に行った。ご存知の通り、ロイ・リキテンスタインアンディ・ウォーホルとともにアメリカのポップ・アートを代表するアーティスト。広告や漫画を題材に、大胆な色使いと、手描きのBen-Day dots(印刷インクのドット/点)が特徴の作品で知られる。

Lichtenstein: A Retrospective」展は、20年以来のリキテンスタインの大規模回顧展で、代表的作の他、Rowluxの錯覚フィルムアクリルフィルムや鉄に描かれた絵画や、セラミックや銅を用いた彫刻、初公開のドローイングやコラージュなど計125点の作品が、テーマ毎に13の展示室に展示されている。入口から順に、

  1. 抽象表現主義のパロディとされるBrushstrokes(筆遣い)シリーズ
  2. Look Mickey(1961)等、コミック画をベースにしたEarly Pop(初期のポップアート)
  3. Tyre (1962)等をはじめとするBlack & White(白黒画)
  4. Whaam! (1963)など、彼を有名にした二つの主題を描いたWar and Romance(戦争とロマンス)
  5. 伝統的な芸術のテーマを独自のスタイルで描いた、Landscapes/Seascapes(風景画/海景画)
  6. 1930年代のニューヨークで流行したアールデコをテーマにしたModern(モダン)シリーズ
  7. 過去の芸術家の作品を模したArt about Art(アートに関するアート)
  8. 過去の自身の作品を構図に組み込んだ、Artist’s Studios (1973–4) (アーティストのアトリエ)シリーズ
  9. 視覚と認識をテーマとしたMirrors and Entablatures(鏡とエンタブラチュア/柱頭の上の水平部)シリーズ
  10. 多彩な色の幾何学的図形を用いたPerfect/Imperfect(完成/未完成)
  11. Blue Nude (1997)など、古来からのアートの一分野に挑戦的で新しいアプローチを用いたLate Nudes(後期のヌード画)
  12. ラフな筆遣いと幾何学的フォルムを組み合わせた、Early Abstractions and Late Brushstrokes(初期抽象画と後期運筆)
  13. 宋時代の中国画の簡潔さに影響を受けた、Chinese Landscapes(中国の風景画)シリーズ

リキテンスタインの作品とテーマをより理解したい方には、 シカゴ美術館のウェブサイト英語)がお薦め。テートでの展覧会の写真はBBC newsで。

最初の4部屋、War and Romanceまでは、リキテンスタインの鮮やかな色使いや、シンプル且つ大胆な筆致に引き込まれたのだが、それも段々食傷気味に。タイヤやノート、ラジオといった、ありきたりのオブジェや漫画をモチーフにした作品は好きだけれど、正直、テーマや主題は違えど変化の少ないスタイルに、最後の方は少々退屈してしまった。それに彼の作品は見るには楽しいけれど、底が浅いというか深みがなく、心に訴えるもの、考えさせられるものがないのだ。

Today was an unusually warm & sunny day in London, so we decided to go out and see “Lichtenstein: A Retrospective” (February 21 – May 27) exhibition at Tate Modern. As many of you already know, Roy Lichtenstein is one of the most celebrated American pop artist, together with Andy Warhol. He is renowned for his works based on advertising and comic strips, and coloured with his signature hand-painted Ben-Day dots on his painting.

This exhibition is the first full-scale retrospective of Lichtenstein in over 20 years, and brings together 125 of his paintings and sculptures with a wide range of materials, including paintings on Rowlux and steel, ceramic and brass sculptures and a selection of previously unseen drawings, collages and works on paper. Total of 13 rooms showcase his works in different themes:

  1. Brushstrokes series which are usually seen as parodies of abstract expressionism
  2. Early Pop with cartoon imagery such as Look Mickey (1961)
  3. Black & White series including Tyre (1962)
  4. War and Romance, such as Whaam! (1963), two subjects that would make him famous
  5. Landscapes/Seascapes, traditional art themes in Lichtenstein style
  6. Modern series inspired by NY’s art deco style in 1930s
  7. Art about Art, replications of great artists of the past
  8. Artist’s Studios (1973–4) which incorporated elements of his previous work
  9. Mirrors and Entablatures, dealing with issues of vision and perception
  10. Perfect/Imperfect, playing with geometric fields of colours
  11. Late Nudes, like Blue Nude (1997), new and provocative approach to the ancient genres of art
  12. Early Abstractions and Late Brushstrokes, hand-painted, loosely applied brushstrokes juxtaposed with geometric forms
  13. Chinese Landscapes, his fascination with the simplicity of Chinese art of Song dynasty.

If you learn more about Lichtenstein and his work, Art Institute of Chicago’s website would be the excellent resource. Check BBC news for more photos of the Tate exhibition.

I was fascinated by Lichtenstein’s use of vivid colours and simple & bold brushstrokes at first four rooms up to War and Romance, but then I got indigestion. I like some of his works about banal objects such as notebook or radio, but I got bored of looking at his style at the end though themes and subjects are varied. His paintings are fun to look at, but they are shallow in a way and not emotional or thought-provoking….

Graffiti @ Shoreditch / Brick Lane

バラク・オバマが大統領に当選した2008年選挙キャンペーンで使用され、世界的に有名になった「Hope ポスター」のデザインで知られるアメリカ人グラフィックデザイナー&アーティスト・Shepard Fairey(シェパード・フェアリー)の作品。ブリック・レーンのOld Truman Brewery内のStolenSpaceギャラリーで、11月4日まで開催中の自身のエキシビジョン「Sound and Vision」に併せて、ショーディッチ・ハイストリートのEbor Streetに描かれた。同時に、Old Truman Brewery近くのCorbet PlaceとBateman’s Rowの2カ所にもグラフィティを残している。この作品は、「路上アートは無料であるべき」との彼の信念を表しているらしい。

American artist Shepard Fairey, whose “Hope” poster for the 2008 Barack Obama election campaign became a global sensation, created this work in Ebor Street, together with two other works in Corbet Place (near the Old Truman Brewery) and Bateman’s Row, to coincide with his exhibition “Sound and Vision” (until Nov 4) at the StolenSpace Gallery in the Old Truman Brewery. This work conveys his belief, “art should be free on the street for the public”.

Although I couldn’t find any information of this graffiti in Ely’s Yard behind Old Truman Brewery, but I believe this is a work by Abdullah Mohammed Alshehri, a Saudi street artist based in Riyadh, depicting Sarah Attar who is the first female track & field athlete covering her hair, representing Saudi Arabia in 2012 London Olympic (reference: the Guardian). Born in the US with American mother and Saudi father, Attar has dual citizenship but wanted to represent Saudi Arabia at the Olympics as a way of inspiring women.

はっきりとした情報は得られなかったけれど、Old Truman Breweryの裏のEly’s Yardにあるこのグラフィティは、恐らくサウジアラビア人ストリートアーティスト・Abdullah Mohammed Alshehriのもの。今年夏に開催されたロンドンオリンピックで、サウジアラビア初の女性陸上選手として、イスラム教の規律に則り髪を覆ったユニフォームでオリンピックスタジアムに登場し、脚光を浴びたSarah Attar選手を描いている(参照:the Guardian)。アメリカ人の母とサウジアラビア人の父のもとにアメリカで生まれた二重国籍者の彼女は、イスラム人女性を勇気づけるため、サウジアラビア代表としてオリンピック出場を望んだという。

上の「Attar」の向かいにある、「Vihls」の愛称で知られるポルトガル人ストリートアーティスト・Alexandre FartoがOrelha Negraとコラボして制作したグラフィティ。Vihlsは、壁の漆喰やコンクリートを少しずつ削っていって作品を創り出す、「Scratching the Surface」シリーズのユニークな作風で知られる(参照:BA Street Art

ブリック・レーンにも掲げられている(写真。他の場所にもあるかも)、横のでっかい「PLEASE USE TOILETS PROVIDED(ちゃんとトイレで用を足しましょう=その辺でしないように!)」という注意書き、すごくみっともない。。。

“Scratching the Surface” wall with a man’s face in Dray Walk at the Old Truman Gallery, is made by Alexandre Farto, a Portuguese street artist better known as Vihls, in a collaboration with Orelha Negra. You can see this in front of ‘Attar’ (above) in the same place.Vihls creates his signature works by chipping off tiny bits of plaster and concrete from walls (reference: BA Street Art).

By the way, this big “PLEASE USE TOILETS PROVIDED” signboard was put up also on Brick Lane (photo), and probably somewhere else as well nearby. It is quite embarrassing to see this here and there…

Diana, Princess of Wales Memorial Fountain @ Hyde Park

前々回の続き。ハイドバークの南西でサーペンタイン・レイクの南に位置する、ダイアナ妃記念噴水(Diana, Princess of Wales Memorial Fountain)。先日書いたLido Café Barの隣で、サーペンタイン・ギャラリーにもほど近い。故ダイアナ妃の精神と子供たちへの愛を表現したというこの噴水は、アメリカ人ランドスケープ・アーティスト、Kathryn Gustafson(キャスリン・グスタフソン)がデザイン、3600万ポンドをかけて建設され、2004年7月6日にエリザベス女王によってオープンした。50m x 80mの大きな楕円形のこの記念噴水、噴水というより、小川という趣。片側はさざ波をたてて穏やかに流れ、もう片側は段差やカーブをつけることでよりダイナミックな流れになっており、両側で、故ダイアナ妃の幸せな日々と後年の激動の日々を、それぞれ表しているという。

記念噴水は、オープン直後に水の中で滑って怪我人が出たことで、しばらく閉鎖。安全対策が加えられ、2004年8月に再オープンした。現在は、子供たちが噴水の中に入ることが許されており、私たちが訪れた曇って肌寒い日でも、親子連れで賑わい、子供たちが元気に水遊びをしていた。

Continuation to Lido Café Bar and Serpentine Gallery Pavilion. Located in the southwest corner of Hyde Park and south of the Serpentine Lake, next to Lido Café Bar and a stone away from Serpentine Gallery Pavilion, the Diana, Princess of Wales Memorial Fountain is a memorial to Diana, Princess of Wales. It was designed to express Diana’s spirit and love of children by Kathryn Gustafson, an American landscape artist, and cost £3.6 million, and was officially opened on 6 July 2004 by Queen Elizabeth II. The fountain with the form of a large, oval stream bed about 50 by 80 m (165 by 260 feet),  is more like a creek, rather than a fountain. The two sides, one with smooth stream bed and gentle ripples, and the other with more dynamic water flow through a variety of steps, rills, curves, and other shapes, were intended to show the two sides of Diana’s life; happy times and turmoil.

The fountain was closed, shortly after its opening and three injuries caused by slipping in the water, and it reopened in August 2004 after adding some safety measures. Now children can play in the flowing water again, and many kids enjoyed the fountain, even on the cloudy and chilly day we visited.

記念噴水とサーペンタイン・ギャラリーの間にあるキオスク/A wooden Kiosk in between the fountain and the Serpentine Gallery

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Deutsche Börse Photography Prize 2010 @ The Photographers’ Gallery

今年で14年目を迎える、Deutsche Börse Photography Prize 2010展が、The Photographers’ Gallery(フォトグラファーズ・ギャラリー)で、2月12日から4月18日まで開催中だ。この賞は、2008年10月1日から2009年9月30日の間に、ヨーロッパ写真界に貢献した写真家に贈られる国際写真賞で、受賞者は3月17日に発表される(昨年の展覧会は過去のエントリー参照)。

今年の候補者は、イギリス人のDonovan Wylieドノヴァン・ワイリー)とAnna Fox(アナ・フォックス)、フランス人のSophie Ristelhueber(ソフィ・リステルユベール)、そしてアメリカ人のZoe Leonard(ゾーイ・レオナード)で、候補4人のうち3人が女性だ。フォックスの作品は「simultaneously mundane and bizarre aspects of British life(平凡だけれどちょっと変なイギリス生活)」を捉える。レオナードは過去30年間、個人商店や潰れかけた店のショーウィンドーやグラフィックスなど、都市の光景を撮り続けてきた。リステルユベールは、25年以上にわたり、ボスニアやイラク、レバノンなど紛争地帯の建物や光景を撮影することで、人間の争いがもたらした傷跡を表現している。ベルファストで生まれ育ったワイリーは、和平合意後の北アイルランドをテーマに、民族としてのアイデンティティ、歴史、そして領土問題を提起してきた。

候補作品の中で特に目を引いたのは、2000年に閉鎖された、IRAのメンバーを収監してきた北アイルランド・ベルファスト郊外にあるメイズ刑務所を撮影したワイリーの作品。少し前に、1981年に発生したこの政治犯刑務所での一連の抗議運動を描いた映画「ハンガー」を見たせいか、実際にここで起こった出来事を想像し、今は使われていない刑務所の写真が漂わせる身の毛のよだつ、不気味さをいっそう強く感じられた。

候補作品はBBCガーディアン紙のウェブサイトで見れます。

Now in its 14th year, the annual Deutsche Börse Photography Prize 2010 started on February 12 (until April 18) at the Photographers’ Gallery. The prize rewards a photographer who has made a significant contribution to European photography between 1 October 2008 to 30 September 2009, and the winner will be announced on March 17  (see past entry for the last year’s exhibition).

The nominees are two British photographers Donovan Wylie and Anna Fox, French Sophie Ristelhueber, and US born Zoe Leonard, and three are women among four nominees. Fox’s works examine the “simultaneously mundane and bizarre aspects of British life,” while Leonard has recorded normally unregarded urban landscapes such as small-time shopfront graphics and run-down shop windows for the last 30 years. Over 25 years, Ristelhueber has been examining the impact of human conflict on architecture and landscape in conflict zones such as Bosnia, Iraq, Lebanon and kuwait. Born and raised in Belfast, Wylie focuses on post-conflict Northern Ireland and its identity, history and territory.

What was most striking for me is Wylie’s works about the Maze Prison outside Belfast, where used to house IRA prisoners and closed in 2000. I felt intensified creepiness and eeriness from these rather sterilized images, because I saw the movie “Hunger” on TV recently about the 1981 Irish hunger strike, and imagined what happened in side the wall.

You can see nominees’ works at BBC and the Guardian websites.

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Graffitis in My Neighborhood

アーティストたちが多く住むイーストロンドンのハックニー区にある我が家の近くには、グラフィティアート(ストリートアート)がそこかしこで見られる。有名なところでは、ステンシルを使った作品で世界的に知られるストリートアーティスト、バンクシーの「Hoodie」(フード付きスウェットを着た男:イギリスでは不良の代名詞)(写真上)。Shepherdess Walk(シェファーデス・ウォーク)を北上、Regent’s Canal(リージェンツ・カナル)にかかる橋の下にある。またバンクシー作品では、Essex Road(エセックス・ロード)にある薬局の壁に描かれた、テスコのレジ袋を国旗のように掲げて皮肉った「Pledge Your Allegiance / Very Little Helps」(忠誠の誓い/あまりためにならない(テスコのスローガン「Every Little Helps」をもじった)もある。クラーケンウェル(Clerkenwell)にある、Mが愛車のベスパを買ったバイクショップの壁面に描かれていた、時価30万ポンドの「Old Skool」は、たった£1,000で匿名のドイツ人に売られたとニュースで知った。その話をした時に、ショップのオーナーは、「購入者も壁をはがすのに大金がかかったし、誰でも持ってってくれたら良かったんだよ」と笑っていた。欲のない人だ。そのドイツ人は業者を雇い、6週間もかけて壁をはがして、持ち帰ったそうだ。

There are Graffitis here and there in our neighborhood in Hackney, East London, where many artists live. One of the famous one is “Hoodie” (photo above) by famous British graffiti artist Banksy who uses stencils to create his works. You can find it under the bridge over the Regent’s Canal, on the North of the Shepherdess Walk. Another one of Banksy’s work nearby is “Pledge Your Allegiance / Very Little Helps” on the wall of a pharmacy on Essex Road, with two children pledging allegiance to supermarket giant Tesco (the title is a parody of Tesco’s slogan, “Every Little Helps”).  “Old Skool“, worth £300,000, drawn on the wall of a motorcycle shop in Clerkenwell, where M bought his Vespa, was sold it to an anonymous German buyer for only £1,000. When we talked about it with the owner of the shop, he smiled and said “I am glad someone took the painting anyway, and he paid a lots of money for its removal, so it’s fine.” He was not greedy at all! The German hired Wall Paintings Workshop and it took 6 weeks for them to remove the painting.

一番近いのは、Prestwood Street(プレストウッド・ストリート)にある、オーストラリア生まれ・ベルリン在住のChristopher Charlie Isoeの作品(写真上)。マフィアのような男性の顔の上に、ピエロのようなメイクを施している。

The closest graffiti is Australian-born and Berlin-based Christopher Charlie Isoe‘s work on the Prestwood Street – a painting of a Mafioso-look guy with make-up of a clown on the top of his face.

二番目に近いグラフィティ(写真上)。元々はRentokil(レントキル・英ビジネスサービス企業。日本ではカルミックと提携)の事務所だった建物の壁にかかれた、アメリカ人アーティスト、David Choeの作品(敷地内の他の作品:)。つい最近、彼が作品を制作している最中に通りがかったのだけれど、その時はカメラを持っていなくて写真を撮れなかった。彼のブログによると、2日かけて完成させたそう。今日通りかかった時に、ちょうど門の鍵が開いていたので、写真撮影に成功。この前には、ネズミの顔をした、黒の制服を来た警察官(?)が描かれていた(作者不明)。私は前の方が好きだな。写真を撮っておくんだった。

The second closest from us is on the wall of former-Rentokil building, painted by American artist David Choe (photo above. Other works in the same place 1/2). I passed by when he was working on it but I didn’t have my camera that day, but I was lucky today that the gate was open (usually locked) and had my camera with me. He took 2 days to finish the work, according to his blog. Before Choe’s work, there was a painting of 2 rat-face men in black (police?) uniform – I couldn’t find who did it. I prefer the previous work – I should have taken a photo of it.

私は基本的にグラフィティはあんまり好きじゃない。タギングとか、落書きや文字が書いてあるものはどれも似たり寄ったりで個性がないし、なんだかラフすぎて、ティーンエイジャー向けという感じ。でもその中では、元祖ステンシルアーティストのBlek the ratやバンクシーの作品は好き。バンクシーは時に政治メッセージが強すぎると思うけれど。また、Pizza EastAlbionの近く、Redchurch Street(レッドチャーチ・ストリート)とClub Row(クラブ・ロウ)の角にある、ベルギー人アーティスト・Roaのリスのグラフィティ(写真下)もいい。Roaは、動物の絵をよく描いているようだけれど、同じRedchurch Streetにある豚2匹の顔はちょっと怖い。。。

To be honest, I don’t like graffiti much in general. It tends to be too busy and too much colors, and more or less it looks all the same (especially the writing). It looks too rough and edgy, and is for teenagers to me. However, I kind of like Stencils, such as the works of French Blek the rat, the godfather of stencil graffiti art, and Banksy, though I don’t like his tendency to be too political.  I also like Belgian artist Roa‘s ‘Squirrel’ (photo below), at the corner of Redchurch street and Club Row, near Pizza East and Albion. Roa seems to like to paint animals, but some of them look a bit scary, like the two pigs on top of each other on the same Redchurch street.

グラフィティは、立派なアートだと言う人もいるけれど、無許可であればそれは当然、違法行為。カウンシル(区役所)は、市民からの通報を受け付けていて、通報があれば、48時間以内に調査の上、カウンシル所有の建物に描かれたグラフィティで、不適切なものは24時間以内に、その他のものは14日以内に消去される(ハックニー区の場合)。あのバンクシーの作品の中にも消されたものがいくつかある。カウンシルも必要経費購入者もちで希望者に売って、それを区の財源にすればいいのにね。

Some say graffiti is an art, but if it is done without permission, obviously it is illegal. Borough Councils accept a report of illegal graffiti from public. Once reported, all reports of graffiti will be investigated within 48 hours, and offensive graffiti on buildings owned and run by the Council will be removed within 24 hours of a report being received, and non-offensive graffiti will be removed within 14 days (Borough of Hackney‘s case). Even some of Banksy’s works were erased or painted over due to its illegality – maybe the Councils should sell the graffitis, with removal on buyer’s expense, and get extra money to use for the community’s sake.

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Ed Ruscha: Fifty Years of Painting @ Hayward Gallery

アメリカ人現代美術アーティスト、エド・ルシェの50年間の作品78点を集めた回顧展「Ed Ruscha: Fifty Years of Painting」が、サウスバンク・センターにあるHayward Galleryヘイワード・ギャラリー)で1月10日まで開催されている。ルシェは、18歳で故郷のオクラホマシティを離れ、ロスの学校でグラフィックデザインとファインアートを学んだ後、ロサンゼルスをベースに活動を続けている。アメリカの日常生活から題材を取ったイメージと言葉(タイポグラフィー)を結合させたカラフルな作品は、時にポップアートムーブメントと結びつけられるが、概念芸術、現実主義、超現実主義等とジャンルを超えた作品を作り続ける彼自身は、安易に特定のカテゴリーに入れられるのを嫌う。

政治的メッセージの強い作品や抽象的すぎる作品等、あんまり好きじゃないものもあるけれど、印刷物、グラフィックデザイン、映画、写真への造詣を反映した、シンプルで平坦なタッチの彼の作品を集めたこの回顧展は、私の中では、今年見た展覧会の中でもトップの部類に入る。ルシェは、ありきたりの退屈な日常風景を、概念やドラマを与えることによって、生き生きと描き出す。展覧会のポスターにも使われている「Standard Station」や、「The Old Tech-Chem Building」などの産業施設を描いた作品は、ダイナミックさを与える斜線の多用、題材のまわりのゆったりとしたスペース、そしてミニマリスト的なアプローチが、印象に残る。また、映画の影響の大きい「Exit」「The End」等、80年代〜90年代初期の白黒の作品は物寂しげで心つかまれるし、これらの作品とは対照的に、「The Mountain」を代表とする近年の山をテーマに描かれた作品は、明るい空を背景に丁寧に描き込まれている山々と、山とは何の関係もない、シンプルなタイポグラフィーの組み合わせが,何故か清々しい気分にさせてくれ、心洗われる。

なお、ヘイワード・ギャラリーは、金曜日は夜10時まで開館、金曜6〜10時の間に入場すると「2 for 1(1人分の値段で2人入場できる)」割引を実施中。バウチャーは、「2 for 1 voucher」をクリック。詳細は、southbankcentre.co.uk/ruschaで。

Hayward Gallery‘s “Ed Ruscha: Fifty Years of Painting” is the first major UK retrospective of American artist Ed Ruscha featuring 78 of his paintings, running until January 10, 2010.

Since Ruscha left Oklahoma City where he grew up at the age of 18 to study fine art and graphic design in Los Angeles, he has been based in Los Angeles. His flat but colorful paintings of common objects and use of text on his works have often linked with the Pop Art movement, but Ruscha is also considered as a conceptualist, a realist and a surrealist, though he defies such easy categorisation.

Though some of his works are not my cup of tea, such as pieces which are too political or too abstract, but this is one of my favorite exhibition of this year. Embracing his interest in printed matter, graphic design, cinema and photography, Ruscha enliven mundane everyday life objects and cityscape of Los Angeles by adding theme and drama to them. I like “Standard Station” which is one of his most known work and used for the exhibition poster, and a series of paintings of industrial facilities such as “The Old Tech-Chem Building“, with his minimalist approach to the subjects; use of diagonal lines which gives dynamic effect, and generous space around the subject. His 80’s ~ early 90’s black & white film-like somber works such as “Exit” and “The End” are moving and touching. On the contrary to these melancholic works, his recent pieces with ‘mountain’ theme including “The Mountain“, elaborately drawn mountain with beautiful blue sky and superimposed type which doesn’t have any connection to the mountain, are strangely refreshing and inspiring.

Hayward Gallery opens until 10 pm on Fridays, and  they have 2 for 1 offer on entry from 6pm to 10pm until the show is over. To get this offer, click 2 for 1 voucher. For details, check http://www.southbankcentre.co.uk/ruscha.

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