Tag Archives: テート・ブリテン

Routemaster Letter Rack by Susan Bradley

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テート・ブリテンのショップで、ロンドンの旧式ルートマスターをかたどったレターラック・Routemaster Letter Rack(£20)を買った。イギリス人デザイナーのSusan Bradleyがデザイン。彼女の製品は全て、イングランド内で作られているそう。コーティングを施した鉄製で、そのまま置いても使えるし、壁にかけられるようにもなっている。可愛くて私たちのお気に入り。

We bought this London’s iconic Routemaster Letter Rack (£20), designed by British designer Susan Bradley, at the Tate Britain shop. All her products are proudly made in England, which are rarity nowadays. The letter rack is made of coated steel, and can be free standing or wall mounted. Very cute, and we love it!

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Patrick Caulfield Exhibition @ Tate Britain

6月5日から9月1日まで、テート・ブリテンでは、Patrick Caulfield展とGary Hume展を同時開催中。各展は小規模だけれど、1枚のチケット(大人で£14.50/寄付なし£13.10)で、時代が異なるイギリス人コンテンポラリー・アーティスト2人の作品を観ることが出来る。

Patrick Caulfield(パトリック・コーフィールド)は、大胆でシンプルな筆致とカラフルな色使いで知られたアーティストで、静物画など伝統的な絵画ジャンルを独自の作風で表現。また家庭やカフェ、レストランなどのインテリアを主題として、好んで描いた。この展覧会では30以上の作品を展示、コーフィールドの絵画スタイルの変化を追っている。1960年代の初期の作品は、Still Life with Dagger (1963)に見られるように、対象物の線画に平坦な色使いが特徴。70年代になると、After Lunch (1975)のように、トロンプ・ルイユなど異なった手法を組み合わせた、より複雑な絵画に移行する。ちなみにAfter Lunchは、Looking at the View展の私の好きな作品の一つでもある。

主な見所は、Portrait of Juan Gris (1963)、Pottery (1969)、 Interior with a Picture (1985–6)など。また、余り知られていないBend in the Road (1967)やTandoori Restaurant (1971)、後期作品のBishops (2004. photo galleryの6番目の作品) や、遺作となったBraque Curtain (2005)も展示されている。

このブログでも何回か書いたが、私はシンプルでカラフルなアート作品が好きだ。なので、コーフィールドの作品も嫌う理由が全くない。彼のより抽象的な作品(特に後期に多い)は彼の持ち味があまり感じられず好きではないが、Dining Recess (1972. 写真下) や Window at Night (1969. 最下写真にあるバナーにも使われている) は、すごくいいと思う。

Patrick Caulfield exhibition, in parallel with Gary Hume exhibition (I will write about it tomorrow), has currently been running at Tate Britain from June 5 to September 1. With one ticket (Adult £14.50/without donation £13.10), you can see the exhibitions of two British contemporary artists in different generations, though each one is not in large scale.

Since 1960s, Patrick Caulfield has been known for his bold and vibrant paintings of modern life that reinvigorated traditional artistic genres such as the still life and interiors, both domestic and social scenes such as café and restaurant. This exhibition, showcasing over 30 works, traces the development of his artistic style. His early paintings in 60s are characterised by flat areas of colour with objects defined by simple outlines, such as such as Still Life with Dagger (1963). In the 1970s he began to combine different artistic styles including trompe l’oeil to create more complex paintings like After Lunch (1975), which is one of my favorite work at Looking at the View exhibition.

Highlights include Portrait of Juan Gris (1963), Pottery (1969), and Interior with a Picture (1985–6), alongside with lesser known Bend in the Road (1967) and Tandoori Restaurant (1971). Also you can see his later paintings such as Bishops (2004. 6th in the photo gallery) and his final work, Braque Curtain (2005). 

As I have written several times in my blog, I like paintings with simple brushstrokes and vivid colours. So there is no reason to hate Caulfield’s work, though I am not very passionate about his paintings which are more abstract, especially as seen in his later time.  Some of my favorites are Dining Recess (1972. photo below) and Window at Night (1969. Used in a banner as seen in the last photo).

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Dining Recess (1972)

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Looking at the View @ Tate Britain

テート・ブリテンで「Schwitters in Britain」展と「Simon Starling: Phantom Ride」を見た折り、同時開催中の「Looking at the View」展(2月12日〜6月2日)にも立ち寄った。この展覧会のことは見たことも聞いた事もなかったが、これが中々良く、むしろ先の2つより楽しめた。テート・ブリテンの説明によると、これは過去300年の間に50人以上のアーティストによって描かれたテート・コレクション所蔵の風景画約70点を集めたテーマ展で、BP British Art Displaysの一環。ジョゼフ・マロード・ウィリアム・ターナーTracey Emin(トレイシー・エミン)等の有名どころから、あまり知られていないアーティストまで、これら作品を通じて、時代もバックグラウンドも違うアーティストたち、そして私たち自身の見る光景が、驚くほど似通っているかを見せてくれる。まあ同じ目の構造を持つ人間同志、全く違って見える訳はないとは思うのだが、同じ風景画と言えど、色使いや筆遣いなど作風が異なるアーティスト達の作品を比べるのも面白い。

以下は私の好きな展示作品。

Together with “Schwitters in Britain” and “Simon Starling: Phantom Ride“, we also saw “Looking at the View” (February 12 – June 2) at Tate Britain. I’ve never heard or read about this exhibition, but I enjoyed more than other two. According to the museum, this is the thematic exhibition displaying over 70 works by more than 50 artists over the last 300 years, revealing how artists and ourselves look at the landscape in greatly similar ways – whether near or afar, high or low, from inside or out. The show consists entirely of works from the Tate collection, from famous artists such as J.M.W. Turner and Tracey Emin to lesser-known figures, and is part of the BP British Art Displays. We all human being with the same kind of eyes won’t see completely different, but it is interesting to see how different each artist executes in a different way with diverse colours and brush strokes.

Here are my favorite paintings in the show.

Patrick CaulfieldAfter Lunch(1975)」私の好きなアーティスト、Michael Craig-Martinや Julian Opie(下作品)と似たスタイルの作品。シンプルなラインドローイングに鮮やかな青が印象的。

Patrick CaulfieldAfter Lunch” (1975). Similar style to one of my favorite artist Michael Craig-Martin and Julian Opie (below). I like their simple black line drawings with primary colours.

ジュリアン・オピーの「There are hills in the distance (c)(1996)」。イギリスのバンド・Blur(ブラー)の「The Best Of」のアルバムカバーに代表される、コンピュータで描かれた人物画が有名だけれど、彼の描く超シンプルな風景画もいい。→バービカンのオピーのデジタルインスタレーション:過去ブログ

Julian OpieThere are hills in the distance (c)” (1996). He is known for his graphic portraits such as in the album cover for British pop band Blur‘s “The Best Of, but I also like his ultra-minimalistic landscape paintings. →See Opie’s installation at Barbican on my past post.

LS Lowryの「Hillside in Wales (1962)」。6月26日よりテート・ブリテンで、彼の大規模展「Lowry and the Painting of Modern Life」が始まる予定。

LS LowryHillside in Wales” (1962). His major exhibition “Lowry and the Painting of Modern Life” will start on June 26 at Tate Britain.

ヴォルフガング・ティルマンスの「Concorde Grid (1997)」。今はなきコンコルドを違ったアングルで捉えたシリーズは興味深いが、背景色は黄色より白の方がいいと思う。

Wolfgang TillmansConcorde Grid” (1997). It’s impressing to show us Concorde in different angles, but I prefer the background color in white.

ギルバート&ジョージの「The Nature of Our Looking (1970)」。彼らの特徴である、写真を元にした鮮やかな色彩の作品と異なる、言わば地味目の作品。

Gilbert & GeorgeThe Nature of Our Looking” (1970). Very different from their famous brightly coloured graphic-style photo-based artworks.

Simon Starling: Phantom Ride / Tate Britain Commission 2013

毎年、テートの所蔵品やテート・ブリテンの歴史に呼応した作品の制作をアーティストに委託しているTate Britain Commission2012年作品)。今年の作品は、2005年ターナー賞受賞者であるイギリス人アーティスト、Simon Starling(サイモン・スターリング)が制作した映像作品「Phantom Ride」(3月2日〜10月20日)で、Duveen galleriesに展示されている。

巨大スクリーンに映し出されるこの作品は、本物の作品とコンピュータで制作された映像を組み合わせ、過去の展示作品とギャラリーの歴史が時代を超えて幻影のように交錯する。Fionna BannerのJaguar戦闘機やウォーホルのエルヴィス・プレスリー等アート作品の横をすり抜けたと思うと、ドイツ軍のBlitzザ・ブリッツ)により、1940年に破壊されたギャラリーの瓦礫が現れる。面白いコンセプトだし、映像も音響も幻想的な雰囲気を醸し出しているけれど、すごく心打たれるほどではない。ギャラリーの歴史と栄光を表現するには、少し短かく、取り上げているアート作品も不十分な気がするのだ。

The Tate Britain Commission invites an artist to develop a new work in response to the Tate collection and the history of Tate Britain (see 2012 work). This year, British artist and 2005 Turner Prize winner, Simon Starling has created the film “Phantom Ride” (March 2 – October 20) that haunts the Duveen galleries with ‘ghosts’ of past exhibitions and history of the galleries.

The film, combining real objects and computer-generated works, projected on a huge screens, makes you feel like flying through time and through the past artworks such as Fionna Banner’s Jaguar jet fighter and Warhol’s Elvis Presley, and over the rubble of bomb-blast caused by the Blitz in 1940. Interesting concept, atmospheric, but not mind-blowing. Maybe a bit too short and incomplete to show a legacy of the galleries.

Schwitters in Britain @ Tate Britain

Tate Britainで開催中のSchwitters in Britain (1月30日〜5月12日)は、ダダイスム構成主義シュルレアリスムなど近代芸術運動で活躍し、詩、サウンド、絵画、彫刻、グラフィック・デザイン、タイポグラフィ、そして後にインスタレーションと呼ばれる様々な手法を用いたヨーロッパ・モダニズムの巨匠でドイツ人アーティスト、Kurt Schwittersクルト・シュヴィッタース)の展覧会。Schwitters in Britain展では、戦争避難民として1940年にイギリスに到着してから1948年の彼の死まで、イギリスで活動していた期間の作品を主に、商品パッケージや新聞の切れ端などありふれた素材を使った150以上のコラージュや、彫刻作品、絵画などが展示されている。シュヴィッタースは、芸術目的のため、想像しうる全ての物を組み合わせる「メルツ」という概念を生み出し、found object(偶然見つけたもの)や日常生活の中にあるものを抽象的コラージュ、インスタレーション、詩、パフォーマンスに用いるスタイルを確立。彼の作品は、リチャード・ハミルトンエドゥアルド・パオロッツィダミアン・ハーストなど、後のイギリス人アーティスト達にも大きな影響を与えた。

シュヴィッタースは、自身の作品がナチス政府に「退廃芸術」との烙印を押されたことにより、1937年にドイツを離れ、最初の3年は息子が居たノルウェーに滞在。ナチスのノルウェー占領を機に、1940年にイギリスに渡ったが、敵国国民として1941年に解放されるまで各地の収容所で過ごした。その後、ロンドンのアート界で活躍、イギリス人アーティストや美術批評家と交流を深めた。1945年に湖水地方に移住、自然の素材を作品に使い始めた。また、出身地・ハノーファーで作り上げた建築的大規模構成作品・Merzbau(メルツ建築/メルツバウ)と呼ばれる作品の一環として、ここでもMerz Barn(メルツ小屋、物置)を制作した。展覧会は、シュヴィッタースの遺志を受け継いで、アーティスト・Adam ChodzkoとLaure Prouvostが制作した委託作品で締めくくられている。

戦時のムードや彼の避難民としての経験を反映してか、シュヴィッタースの抑えた色調の作品は、控えめで少し陰鬱な印象で、先日書いたリキテンスタイン展とは正反対。多くの人は、偉大なアーティストでモダンアートのパイオニアであるシュヴィッタースの作品に感銘を受けているのであろうが、私は何故か彼の有名なコラージュ作品群を見ても何とも感じないのだ。彼の正統派作品のポートレートや風景画(参照:FT / Guardian)は悪くないのだが、ただ単に私の好みじゃないのですよ。。。

→展覧会の写真:Guardian

Schwitters in Britain (January 30 – May 12) at Tate Britain is the major exhibition to examine the late work of German artist Kurt Schwitters, one of the major artists of European Modernism, who worked in several genres and media including DadaConstructivismSurrealism, poetry, sound, painting, sculpture, graphic designtypography and installation art. Focusing on his British period from his arrival in Britain as a refugee in 1940 until his death in 1948, the exhibition showcases over 150 collages, often incorporated fragments from packaging and newspapers, as well as sculptures and paintings. Schwitters invented the concept of Merz, ‘the combination, for artistic purposes of all conceivable materials’, and pioneered use of found objects and everyday materials in abstract collage, installation, poetry and performance. His work has influenced later British artists such as Richard HamiltonEduardo Paolozzi and Damien Hirst

Schwitters was forced to flee Germany in 1937, when his work was condemned as ‘degenerate’ by Nazi government and first settled in Norway for  three years. He escaped to Britain in 1940 after the Nazi occupation of Norway but had been detained as an enemy alien until his release in 1941. Then he became involved with the London art scene, engaging with British artists and critics such as Ben Nicholson and Herbert Read. In 1945 Schwitters relocated to the Lake District, and began to incorporate natural objects into his work. The move also culminated in the creation of his sculpture and installation, the Merz Barn, a continuation of his Hanover architectural construction MerzbauThe exhibition ends with commissions by artists Adam Chodzko and Laure Prouvost made in collaboration with Grizedale Arts to explore the Schwitters’ legacy.

Schwitters work using muted colours is rather understated and somehow gloomy, probably reflected the atmosphere of the war time and his life experience as a refugee. Completely oposite to the ambience of the Lichtenstein exhibition. He must be a great artist and a pioneer of modern art, and probably many people love the exhibition, but I don’t feel anything by looking at his famous collages, though I like his conventional portraits and landscape paintings (such as in FT and Guardian). His work is just not my cup of tea…

→See more photos: Guardian

Another London: International Photographers Capture City Life 1930-1980 @ Tate Britain

7月27日〜9月16日まで、テート・ブリテンで開催されていた「Another London: International Photographers Capture City Life 1930-1980」展。随分前に観に行ってブログに書こうと思っていたら、いつの間にか終わっていた。よって、今日のブログは自分用の覚え書きです。

Another London展は、ビル・ブラントアンリ・カルティエ=ブレッソンロバート・フランクドラ・マールアーヴィング・ペン等、各国からイギリスに来た著名写真家たちの目を通じてロンドンをとらえた写真180点を展示。対象は、真珠層で飾られた服を着込んだpearly kingsパーリーキング&クイーン)や赤いバスといったイギリス名物や、乞食から上流階級まで、リアルな人々の暮らしを撮影したものまで様々。これらのモノクロの写真は、第二次世界大戦前から1980年までの間の、多様で活気に満ちたロンドンの姿を垣間見せてくれる。人々の顔、ファッション、建築、ライフスタイルなど、私が知らない時代のロンドンと今の街の姿を比べるのも面白い。見逃してしまった方、ウェブサイトの写真で我慢してください! →Tate Britain / the Guardian

I saw the Tate Britain‘s “Another London: International Photographers Capture City Life 1930-1980” (July 27 – September 16) a while ago, but I forgot to write in this blog and it’s over now – sorry… Therefore this is just a record for myself.

Another London brought together the 180 London’s cityscapes between 1930 and 1980, through the eyes of some of the world-renown international photographers,  including Bill Brandt, Henri Cartier-BressonRobert Frank, Dora Maar, and Irving Penn. Their subjects were varied from British icons such as red buses and pearly kings to urban life of real people from beggars to riches. These black & white photographs showed us diverse and vibrant London life during the period, and it was very interesting to see London’s past before we came to live here, and to compare how it was and how it is now in lifestyle, faces, fashion, architecture and more. Fore people who missed the exhibition, more photos → Tate Britainthe Guardian

Picasso and Modern British Art @ Tate Britain

テート・ブリテンの大規模展「Picasso and Modern British Art」(2月15日〜7月15日)は、テート曰く、イギリスにおける、論争の的であり同時にセレブリティとしてのパブロ・ピカソの出現と、モダンアート確立への貢献、そしてイギリスのアートへの影響を追った、最初の展覧会。Weeping Woman泣く女:1937年)やThe Three Dancers(3人のダンサー:1925年)を含むピカソの作品60点以上と並び、彼の影響を受けたイギリス人アーティスト7人(ダンカン・グラントパーシー・ウインダム・ルイスベン・ニコルソンヘンリー・ムーアフランシス・ベーコングラハム・サザーランドデイヴィッド・ホックニー)の作品が、合計150点以上展示されている。

しかし、この展覧会を見た後でも、ピカソとイギリスのアートは自分の中でいまいち結びつかない。ピカソのダイナミックで自由、そして情熱的な絵は、どちらかというと抑え気味で繊細、影のあるイギリスのアーティストたちの作品と隔たりを感じる。テートもパンフレットの中で、「どのアーティストもピカソを盲目的に模倣しているわけではなく、ピカソの一要素を取り入れて、独自のアートを形成している」と書いているが、それでも私には、タイトルのように大々的に二つを結びつけるには少し無理があるように思う。

そもそも、ピカソは母国スペインとフランスとの関連は強いが、イギリスとは、1919年にセルゲイ・ディアギレフのバレエ「The Three Cornered Hat三角帽子)」の背景・衣装を手がけたのと、大成功をおさめた1960年のテート・ブリテンでの回顧展以外、これといったつながりは見当たらない。

良質な展覧会を常に提供するテートの他の展覧会同様、見る価値はあったと思うけれど、テーマである「ピカソとイギリスのモダンアート」の繋がりは、少し弱い気がする。

Tate Britain‘s major exhibition, Picasso and Modern British Art (Feb 15  –  Jul 15)  is the first exhibition to trace Pablo Picasso‘s rise in Britain as a figure of both controversy and celebrity and his role in the acceptance of modern art in Britain, and explores his influence on British art. The exhibition brings together over 150 artworks; over 60 Picasso’s including Weeping Woman (1937) and The Three Dancers (1925) are on display, alongside with works by seven leading British artists who gained an inspiration by Picasso: Duncan Grant, Wyndham Lewis, Ben Nicholson, Henry Moore, Francis Bacon, Graham Sutherland and David Hockney.

To be honest, even after seeing the exhibition, I can’t really relate Picasso to British art. There is a substantial difference for me, stereotypical or not, between Picasso’s vibrant, passionate and free-spirited works with those British artists’ rather subtle, restrained, and sometimes gloomy works, though I can see some influence. Tate’s information states that “none followed Picasso slavishly and all took something from Picasso as part of the distinctive development of their own art”, but still the connection is too week to be spotlighted, for me. 

Also Picasso was more associated with native Spain as well as France, and it seems that he had little connection to Britain, other than his London visit in 1919, working on the scenery and costumes for Diaghilev’s ballet The Three Cornered Hat, as well as successful 1960 retrospective at Tate

It was worth to see the exhibition as others at Tate as always (they always do a good job), but I was not really convinced of the theme.