Bruno Munari: My Futurist Past @ Estorick Collection of Modern Italian Art

イズリントンにあるEstorick Collection of Modern Italian Artで12月23日まで開催中の「Bruno Munari: My Futurist Past」は、多彩な才能を発揮したイタリア人アーティスト＆デザイナー、ブルーノ・ムナーリの、初期から戦後にかけての作品を集めた展覧会。

ムナーリは、「Futurist past」と呼び自身のルーツとする、未来派ムーブメントの中でキャリアをスタート。未来派は、絵画に留まらず、モンタージュ写真、彫刻、グラフィックス、映像、アート理論など、手法や分野を超えたムナーリの作品作りにインスピレーションを与えた。彼の作品は、未来派に留まらず、構成主義、ダダイスム、シュルレアリスムなど様々なアートムーブメントの影響も見て取れる。またムナーリは、イタリア抽象芸術の発展を促し、アートとテクノロジー、創造性、機能性を融合させる「synthesis of arts（アートの統合）」を希求するため、1948年にミラノで興ったイタリアの具体芸術ムーブメント・Movimento Arte Concreta（MAC）の創立メンバーの一人でもある。

この展覧会では、工業的なモビールやオブジェ、おもちゃの猿「Zizi（ジジ）」、戦闘機や産業をテーマにしたモノクロのモンタージュ写真、ボールペンやローマ・オリンピックのポスター、カラフルな壁紙やテキスタイル・デザイン、コラージュ、絵画等々、ムナーリの大いなるクリエイティビティを反映した多種多様な作品を見る事が出来る。それらの作品は、今見てもモダンで遊び心があり、全然時代遅れになっていない。小規模だけれど、お薦めの展覧会。

“Bruno Munari: My Futurist Past” (until December 23, 2012) at Estorick Collection of Modern Italian Art in Islington, is the exhibition that traces multi-talented Italian artist and designer, Bruno Munari‘s career from its early years up to the post-war period.

Munari began his career within the Futurist movement, and the roots of his work lay in what he termed his ‘Futurist past’. The movement inspired him to work across a range of media and disciplines from painting to photomontage, sculpture, graphics, film and art theory. Yet his influences were varied, also reflecting the aesthetics and sensibilities of movements such as Constructivism, Dada and Surrealism. He was also a founding member of the Movimento Arte Concreta (MAC), the Italian movement for concrete art established in Milan in 1948. This acted as a catalyst for new developments in Italian abstraction, and aspired to bring about a ‘synthesis of arts’, demonstrating the possibility of a convergence of art and technology, creativity and functionality.

The exhibition shows us that Munari’s multi-faceted creativity in diverse works from industrial-looking mobiles and sculptures to “Zizi the Monkey” child toys, from photomontages of war planes to biro or Rome olympic posters, as well as wallpapers, textile designs, and playful collages, and colourful paintings. And his works are modern, inspiring, fun and not obsolete still now. Recommended.

猿の人形Zizi（ジジ / 1952）。ポリウレタンのボディに針金が入っていて、手足を自由に曲げられてポーズを変えられる。

Zizi the Monkey (1952). It is made of polyurethane foam with a twisted wire core, and uou can change a posture as you like.

Concave-convex（「凹凸」/ 1946）。金属製メッシュを使用し注意深く形成した、ムナーリの最初の空間環境作品で、イギリス初公開。

Concave-convex (1946). Munari’s first spatial environment based around a hanging object made of carefully moulded metallic mesh, which is presented for the first time in the UK.

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British Design 1948–2012: Innovation in the Modern Age @ V&A

「Austerity Games（緊縮オリンピック）」と呼ばれた第二次世界大戦後直後の1948年ロンドンオリンピックから再びロンドンでオリンピックが開催される2012年まで、約60年間のイギリスのデザイン300点以上を集めた、ヴィクトリア・アンド・アルバート博物館の目玉展「British Design 1948–2012: Innovation in the Modern Age」が、3月31日から始まった（オリンピック最終日と同じ、8月12日に終了予定）。

展覧会は、「tension between tradition and modernity（伝統と近代性の葛藤）」「subversion in British culture（イギリス文化における破壊）」 「design innovation and creativity（デザインの革新と創造）」の、3つのテーマに分かれている。戦後のイギリス・デザインは、戦争の痛手からの再生に始まる。急進的な未来のビジョンを提示した1951年のFestival of Britainや、イギリスの伝統的価値を世界に見せた1953年のエリザベス女王の戴冠式が同じ時期に行われという、伝統と現代性が共存した時代を経て、1960〜70年代にデザインにおける「革命」が始まる。スウィンギング・ロンドンやパンクが興り、ファッション、音楽、インテリア、映画など様々な分野で新しく台頭したデザイナーたちが、イギリス文化を根底から変え、その流れが1990年のCool Britannia（クール・ブリタニア）で結実した。また、産業デザインやテクノロジーのパイオニアであったイギリスのデザインが、過去半世紀の間に、伝統的製造業から、金融、小売、クリエーティブ産業など革新的な分野に舵を切ったことも見て取れる。

シンプルだけれど印象に残る交通標識、キッチュな家具や壁紙、パンクミュージックのレコードカバー、奇天烈なファッション、ミニクーパー、コンコルド、モダン建築の模型、果ては90年代以降のイギリス・アート界の寵児、ダミアン・ハーストの作品まで、有名なイギリスのモダンデザインがここに勢揃いしている。何でもありでまとまりがなく、各デザインの説明が簡単すぎるのが短所だけれど、デザインを通じて過去約60年間のイギリス社会の急激な変化と変遷が一目で分かる。イギリス人のみならず外国人でも楽しめる展覧会だと思う。

写真参照サイト：Financial Times / Mirror

“British Design 1948–2012: Innovation in the Modern Age” is a new exhibition of Victoria & Albert Museum, showing over 300 British post-war designs over 60 years, from 1948 ‘Austerity Games’ to 2012 London Olympics (Mar 31 – Aug 12: the same day of the last day the Olympics).

The show explores three themes: the tension between tradition and modernity; the subversion in British culture; and design innovation and creativity. Post-war British designs started as reconstruction from the devastated war, embracing both progressive view of the future, presented at the Festival of Britain in 1951, and the traditional values shown at the Coronation of Queen Elizabeth II in 1953. Then revolution in design occurred in 1960s–70s; new talents in fashion, music, interiors and film, manifested in such as ‘Swinging London’ and Punk, transformed the cultural landscape in UK, which has led to ‘Cool Britannia’ in the 90s. The show also explains the change in British design culture which was a pioneer of industrial design and technology, from traditional manufacturing to innovative financial, retail and creative services over the last half century.

Simple but well-designed traffic signs, kitsch furniture and wallpapers, Punk record jackets, eccentric clothing, Mini, Concorde, architectural models, and even works by Damien Hirst of YBA – popular post-war British designs are all there. Although the exhibition looks a bit chaotic and doesn’t show us each design in depth, it is still exciting, not only for British but also for foreigners as well. Through designs in different areas, “British Design 1948–2012” gives us a glimpse of rapid transition and transformation of British society since the WWII.

See more photos：Financial Times / Mirror

“Design” Auction @ Phillips de Pury & Company

9月28日に、現代アートやフォトグラフィー、20〜21世紀のデザイン、アート、ジュエリー類を手がけるオークションハウス、Phillips de Pury & Companyで行われた「Design」オークションに行ってきた。オークションは初参加。ドレスアップした紳士・淑女ばかりで、浮いてしまうんじゃないかとドキドキして行ったけれど、フィリップ・スタルクのルイ・ゴーストの椅子が並べられた、スタイリッシュなオークション・スペースには、意外と若い人も多く、ちょっと安心。

オークションが始まる前に、競売にかけられる品物が展示されている、ギャラリースペースを見て回る（写真下2点）。このオークションは、ル・コルビュジェやジャン・プルーヴェ、アルヴァ・アールト、エットレ・ソットサス等モダン・デザインの巨匠から、マーク・ニューソンやロン・アラッドなど現代で活躍するデザイナーまで、家具やインテリア作品100点以上が競売にかけられた。倉俣史朗の硝子の椅子（£39,650で落札）や柳宗理のバタフライ・スツール2点（£5,000で落札）といった日本人の作品数点も。また、ヴィクトリア&アルバート博物館で開催された「1:1 – Architects Build Small Spaces」展の展示品3点（藤森照信作「Beetle’s House」£9,375、RURAL STUDIO「Woodshed」、HELEN & HARD ARCHITECTS「Ratatosk」）も出品された。

フランス語訛りの競売人が、後ろのスクリーンに映し出された商品を紹介すると、買い手が値段を提示、イギリス・ポンドをはじめ、アメリカ・ドル、ユーロ、スイス・フラン、円、ロシア・ルーブル、中国元で表示された、刻々と変わる現在価格がスクリーン上に表示される。買い手は主に、横の電話付きカウンターに陣取った業界の人たちだけれど、会場（事前登録が必要）やインターネット、電話からも入札が入る。最安落札価格は陶器の器£1,000、最高価格がFRANCOIS-XAVIER LALANNE作の蛇の形をしたカーペット「Unique ‘Le Serpent’ carpet」で£94,850。ちょっと頑張れば手に入れられるような値段のものもあったけれど、１時間半以上続いたオークションの間ずっと数字を見ていると、値段の感覚がなくなって、何でも買えるような気分になってくるから、私みたいなずぶ素人は、こんなオークションには気軽に手を出さない方がいいんだろうな。

I went to see the “Design” auction on Sept 28 at Phillips de Pury & Company, an auction house specializing in contemporary art, photography, 20-21st century design, art and jewelry. It was my first auction house experience, and I was nervous before I stepped in the auction room, thinking that this kind of auction was filled with well-dressed ladies and gentlemen and I might not fit in. But surprisingly there were many young people sitting on Phillip Stark‘s Louis Ghost Chairs in the auction space and this made me feel more relaxed.

Before the auction started, I walked around the gallery space exhibiting lots that were going to be sold in the auction (two photos below). The list of the lots included the works from modernist design maestros such as Le Corbusier, Jean Prouvé, Alvar Aalto, Ettore Sottsass and Gio Ponti to present-day designers such as Marc Newson and Ron Arad, as well as several Japanese designers works (ex. Glass Chair by Shiro Kuramata, sold at £39,650, and Two ‘Butterfly’ stools by Sori Yanagi, sold at £5,000). There were also three museum works from “1:1 – Architects Build Small Spaces” at Victoria and Albert Museum; “Beetle’s House” by Terunobu Fujimori, sold at £9,375, “Woodshed” by Rural Studio, and “Ratatosk” by Helen & Hard Architects.

When an auctioneer with French accent introduced a lot projected on a screen, prices in GBP, USD, Euro, CHF, JPY, RUB, and CNY appeared as buyers bids came in and the numbers changed constantly until the price was finalized. Bidders were mainly the professionals occupied a side counter equipped with phone lines, but also people sitting in the auction room who registered in advance and others on the internet and over the phone. The cheapest sale price at the auction was ceramic bowl by John Ward at £1,000, and most expensive piece was snake-shaped “Unique ‘Le Serpent’ carpet” by Francois-Xavier Lalanne at £94,850. There were some pieces that I could afford if I saved up for it, but I lost the sense of money after watching those ever-changing numbers for over 1 hour and half, and it would be dangerous for an amateur like me to involve in the ‘magic’ world of auction.

HEL YES! Design and Food from Helsinki: London Design Festival 2010

家の近所に、何度も描いては上描きされてきた、グラフィティのメッカ？がある。元はRentokilの倉庫だったこの建物、David Choeの作品が描かれていた時にブログに書いたが（過去エントリー）、その後、銃のアウトラインの中に地図を画いた、PURE EVILの「MURDER MILE」が取って代わり、少し前に、新しい作品を描いている場面に遭遇したので、写真を撮った。いつものグラフィティかと思ったら、普段は閉まっている建物に人が出入りしている。新しいギャラリーかお店がオープンするのかと疑問に思っていたが、9月14日、Daily Candyのニュースレターで、その謎がついに解けた。

There is a Mecca for Graffiti artists near our home, where several graffitis overpainted by the new one on the former Rentokil depot. Since I talked about David Choe‘s work last year (past entry), PURE EVIL’s MURDER MILE took over the space, and recently I photographed someone working on the new project. I thought it was just another graffiti, but since then there had been people coming in and out from this normally empty building, and we were expecting an opening of a new gallery or shop. Then on September 14, the mystery was solved, by Daily Candy’s daily newsletter.

London Design Festivalの一環として、フィンランド最高の食とデザインを紹介するレストラン＆展示スペース「HEL YES!」が、9月15日から10月3日までの水曜から日曜日の14日間という期間限定でオープンしたのだ。ヘルシンキで人気のレストラン「Ateljé Finne」や「Kuurna」を手がけるAntto MelasniemiとFinnish Instituteがロンドン・デザイン・フェスティバルのために企画、イギリスで活躍するイラストレーターのKlaus Haapaniemi（クラウス・ハーパニエミ）とアート・ディレクター＆コンセプトデザイナーのMia Walleniusなどが加わって作り上げた。Iittala（イッタラ）とArtek（アルテック）が特製の家具や照明、食器などを用意。またその他の照明デザインや、家具、制服なども、フィンランドのデザイナーが特別に製作した。

家も近いし、フィンランド料理なんてあんまりお目にかかることがないので、行ってみたいなと思ったけれど、既に期間中の予約は一杯、写真を撮るだけで終わった。食事しなくても、中の見学や、コーヒーやドリンクの注文は出来るそう。昨日書いたWenlock Armsの目と鼻の先、またVictoria Miro Galleryも近いので、期間中近くに来ることがあれば、３つセットでお試しあれ。

As a part of the London Design Festival, “HEL YES!“, a temporary restaurant and exhibition showcasing the best Finnish food and design, opens just 14 days, Wednesday to Sunday from September 15 to October 3. The Finnish Institute and Antto Melasniemi who manages Helsinki’s popular restaurants “Ateljé Finne” and “Kuurna“, planned and created together with UK-based fashion illustrator Klaus Haapaniemi, an art director & concept designer Mia Wallenius and others. Iittala and Artek supplied exclusive customized furniture, lighting and tableware, and the lighting design, furniture and staff uniforms were designed exclusively for HEL YES! by leading Finnish contemporary designers.

We wanted to make a reservation since it is nearby, and it is a rare occasion to try Finnish food, but this temporary restaurant is fully booked during the period – so we just took some photos. But HEL YES! is open without booking for viewing, coffee and drinks. It is just few steps away from the Wenlock Arms I wrote yesterday, and the Victoria Miro Gallery is around the corner – why don’t you try these three as a set, if you are around during the event?

クラウス・ハーパニエミがデザインしたテキスタイルを使った席。建物の外のうさぎのイラストも彼のもの。ポートレート写真と髪型が違ったけれど、実際に描いた人は別人か？

A seating area using textiles designed by Klaus Haapaniemi. The painting outside the building is his work as well – but maybe done by someone else as his hairstyle was different from Haapaniemi’s portrait photo?

London Fashion Week Spring/Summer 2011

2011年春秋コレクションを披露するロンドン・ファッション・ウィーク（年2回開催）が、9月17日から21日まで開催中。British Fashion Council (BFC／ブリティッシュ・ファッション・カウンシル)が企画、2月と9月の年2回行われるロンドン・ファッション・ウィークは、1984年に始まり、現在ニューヨーク、パリ、ミラノと並んで「Big Four」ファッション・ウィークに数えられる。ポール・スミスやヴィヴィアン・ウェストウッドをはじめとするイギリスのトップ・デザイナーの作品発表の場である他、1993年よりNEWGEN（New Generation）と銘打った若手デザイナーのサポートにも力を入れている。メインの会場はサマセット・ハウスだけれど、ロンドンの他の場所でもショーが行われている。ファッション・ウィークは、ファッション関係者のためのものだけれど、その直後にあるLondon Fashion Weekend（ロンドン・ファッション・ウィークエンド）は、一般にも開放される。

ファッション情報にはあんまり通じていないんだけれど、今日偶然、ショーが終わった後の場面に出くわした。「Grazia」「Vogue」等のファッション誌や、大手モデル事務所の「elite」等のロゴが側面に画かれたベンツ（ファッション・ウィークのスポンサー）が近辺に溢れ、ショーがあった建物の裏口で、モデルらしき人たちがポーズをとり、カメラマンたちが群がっている。黒いフェザーのついたジャケットを着ているモデルさん、見たことある気がするけれど、名前が分からない。それに、モデルさんって、洋服を引き立てないといけないからか、皆、綺麗だけれど特徴のない同じような顔だし。

でも年に二回もこんな大掛かりショーをこなすだなんて、新しいデザインを常に考えないといけないデザイナーはもちろん、体型を維持しないといけないモデル、世界中のファッション・ウィークを飛び回るファッション関係者たちもご苦労様だなあと思う。本当に好きじゃないと無理だな。

2011 Spring/Summer London Fashion Week is taking place from September 17 to 21. Organised by the British Fashion Council (BFC), London Fashion Week which is held twice a year in February and September, first took place in 1984, and now is one of the ‘Big Four’ fashion weeks together with New York, Paris and Milan. The main venue for events is Somerset House, but many shows take place at other venues in London. A list of participating designers includes leading British designers such as Paul Smith and Vivienne Westwood, but London Fashion Week also supports young emerging designers with NEWGEN (New Generation) scheme since 1993. London Fashion Week is a trade show, but a retail-focused event London Fashion Weekend which takes place immediately afterwards is open to the public.

I am not a big fashionista, but today we just happened to pass through the after-show scene nearby. We saw many Mercedez (show sponsor) with logos of fashion magazines such as ‘Vogue’ and ‘Grazia‘ as well as large model agency ‘elite‘ stuck in a small street, then some models striking a pose in front of  photographers. The model in black feather jacket looked familiar but I don’t know her name. Fashion models are all beautiful but more or less all look similar  – dresses they wear should be the object of attention and probably they shouldn’t stand out on a catwalk.

I really think fashion is a very tough job: designers always dare to come up with a new idea twice a year; models have to eat tiny apple a day to keep their skin & bones figures; and fashion journalists fly all over the world chasing the fashion trend. Only fanatics about fashion can work in the fashion industry, I guess.