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Ibrahim El-Salahi: A Visionary Modernist @ Tate Modern

Ibrahim El-Salahi: A Visionary Modernist」(9月22日まで)は、アフリカン・モダニズムにスポットを当てた、Tate Modern初の展覧会。ニューヨークにあるMuseum for African Artがテートモダンの協力のもとにオーガナイズした、このスーダン人アーティスト・Ibrahim El-Salahiの大規模回顧展では、アフリカン/アラブモダニズムの重鎮である彼の、50年以上に及ぶ100点の作品を展示している。

イスラム教、アフリカ、アラブ世界、そして西洋アートを融合した、スーダンのモダンアートの先駆けとして知られるEl-Salahiは、50年代にスーダンとロンドンにあるSlade School of Fine Artでアートを学ぶ。1957年にスーダンに帰国、その後カタールを経て、1990年代以降はイングランドに居住しているそう。

El-Salahiの作風は、正直好みではないが、彼の創造力とエネルギーに溢れたエキゾチックでオリジナルな作品は印象に残る。アフリカ人アーティストの大規模展はこれが初めてだけれど、アフリカ大陸が経済成長を果たすにつれ、これからアート界の新しいスターがどんどん出て来るだろう。その異文化からのアートに刺激を受け、既存のアートがどう進化していくのか楽しみだ。

Ibrahim El-Salahi: A Visionary Modernist (until Sep 22)  is the first Tate Modern exhibition, dedicated to African Modernism. Organised by the New York’s Museum for African Art in association with Tate Modern, this major retrospective of Sudanese artist Ibrahim El-Salahi brings together 100 works from over 50 years of his career, and highlights one of the most significant figures in African and Arab Modernism.

El-Salahi studied art in Sudan and at the Slade School of Fine Art in London in the 1950’s. He returned to Sudan in 1957 but lived in Qatar before settled in England in the 1990s. He is considered a pioneer in Sudanese art with his integration of Islamic, African, Arab and Western artistic traditions.
Though El-Salahi’s work is not really my taste to be honest, but I enjoyed seeing his distinctive paintings: exotic and imaginative, and original and impactful. I’ve never seen the major exhibition of an African artist, but it is exciting to see more of the art from different area of the world in the near future, as the African continent has been experiencing rapid economic growth.

偶然、本人が友人や家族?と記念撮影している場面に遭遇

I happened to see the artist, taking a photo with his family or friends

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Picasso and Modern British Art @ Tate Britain

テート・ブリテンの大規模展「Picasso and Modern British Art」(2月15日〜7月15日)は、テート曰く、イギリスにおける、論争の的であり同時にセレブリティとしてのパブロ・ピカソの出現と、モダンアート確立への貢献、そしてイギリスのアートへの影響を追った、最初の展覧会。Weeping Woman泣く女:1937年)やThe Three Dancers(3人のダンサー:1925年)を含むピカソの作品60点以上と並び、彼の影響を受けたイギリス人アーティスト7人(ダンカン・グラントパーシー・ウインダム・ルイスベン・ニコルソンヘンリー・ムーアフランシス・ベーコングラハム・サザーランドデイヴィッド・ホックニー)の作品が、合計150点以上展示されている。

しかし、この展覧会を見た後でも、ピカソとイギリスのアートは自分の中でいまいち結びつかない。ピカソのダイナミックで自由、そして情熱的な絵は、どちらかというと抑え気味で繊細、影のあるイギリスのアーティストたちの作品と隔たりを感じる。テートもパンフレットの中で、「どのアーティストもピカソを盲目的に模倣しているわけではなく、ピカソの一要素を取り入れて、独自のアートを形成している」と書いているが、それでも私には、タイトルのように大々的に二つを結びつけるには少し無理があるように思う。

そもそも、ピカソは母国スペインとフランスとの関連は強いが、イギリスとは、1919年にセルゲイ・ディアギレフのバレエ「The Three Cornered Hat三角帽子)」の背景・衣装を手がけたのと、大成功をおさめた1960年のテート・ブリテンでの回顧展以外、これといったつながりは見当たらない。

良質な展覧会を常に提供するテートの他の展覧会同様、見る価値はあったと思うけれど、テーマである「ピカソとイギリスのモダンアート」の繋がりは、少し弱い気がする。

Tate Britain‘s major exhibition, Picasso and Modern British Art (Feb 15  –  Jul 15)  is the first exhibition to trace Pablo Picasso‘s rise in Britain as a figure of both controversy and celebrity and his role in the acceptance of modern art in Britain, and explores his influence on British art. The exhibition brings together over 150 artworks; over 60 Picasso’s including Weeping Woman (1937) and The Three Dancers (1925) are on display, alongside with works by seven leading British artists who gained an inspiration by Picasso: Duncan Grant, Wyndham Lewis, Ben Nicholson, Henry Moore, Francis Bacon, Graham Sutherland and David Hockney.

To be honest, even after seeing the exhibition, I can’t really relate Picasso to British art. There is a substantial difference for me, stereotypical or not, between Picasso’s vibrant, passionate and free-spirited works with those British artists’ rather subtle, restrained, and sometimes gloomy works, though I can see some influence. Tate’s information states that “none followed Picasso slavishly and all took something from Picasso as part of the distinctive development of their own art”, but still the connection is too week to be spotlighted, for me. 

Also Picasso was more associated with native Spain as well as France, and it seems that he had little connection to Britain, other than his London visit in 1919, working on the scenery and costumes for Diaghilev’s ballet The Three Cornered Hat, as well as successful 1960 retrospective at Tate

It was worth to see the exhibition as others at Tate as always (they always do a good job), but I was not really convinced of the theme.

Double Portrait: Ida Barbarigo and Zoran Music @ Estorick Collection

The Estorick Collection of Modern Italian Art(エストリック・コレクション)は、イズンリントンの閑静な住宅街にあるCanonbury Squareに面した、イタリアのモダンアートを扱う小さな美術館。Estorick Collectionは、アメリカ人社会学者で作家のEric Estorickによって設立、彼が死の直前に設立したEric and Salome Estorick Foundationに自分のイタリア・アートのコレクションを寄付した。1998年に現在地に美術館がオープン。コレクションの柱は、ジャコモ・バッラウンベルト・ボッチョーニカルロ・カッラジーノ・セヴェリーニルイージ・ルッソロといった未来派の作品だが、ジョルジョ・デ・キリコアメデオ・モディリアーニジョルジョ・モランディマリオ・シローニマリノ・マリーニなどイタリア人アーティストのフィギュラティヴ・アートや彫刻作品も保有する。

現在は、「Double Portrait: Ida Barbarigo and Zoran Music」展(写真上から2、3番目)を開催中。コレクションの創始者であるエストリック夫妻とも交友のあった、オーストリア=ハンガリー帝国スロヴェニア生まれでベニスを拠点にした画家・Zoran Mušičゾラン・ムジチ)とその妻でベニス生まれの画家・
Ida Barbarigo(イダ・バルバリゴ)の回顧展で、絵画、写真、手紙などが展示されている(参照:artdaily)。

また、1階にあるイタリアン・カフェで、日替わりランチやイタリアン・コーヒー、ケーキを注文し、建物の外の庭にあるテーブルで頂くのもお薦め。カフェだけなら入場料不要です。

The Estorick Collection of Modern Italian Art is a small museum devoted to modern Italian art, facing Canonbury Square in Islington‘s quiet residential area. The Estorick Collection was founded by American sociologist and writer Eric Estorick. He set up the Eric and Salome Estorick Foundation
 prior to his death, to which he donated all his Italian works. The museum opened in 1998 in the current location, and the core of the collection is its Futurist works by Futurism’s main protagonists such as Giacomo BallaUmberto BoccioniCarlo CarràGino SeveriniLuigi Russolo and Ardengo Soffici, as well as figurative art and sculpture by Giorgio de ChiricoAmedeo ModiglianiGiorgio MorandiMario Sironi and Marino Marini, dating from 1890 to the 1950s.

Current exhibition at the museum is “Double Portrait: Ida Barbarigo and Zoran Music” (2nd and 3rd photos), a retrospective of husband and wife artists based in Venice and close friends of Eric and Salome Estorick, Slovenian-born survivor of a Nazi concentration camp Zoran Mušič and Venetian Ida Barbarigo, including paintings, photographs and ephemera (reference: artdaily).

Having lunch and Italian coffee with cake from an Italian café on the ground floor
at outdoor tables in their cozy garden  is another way to enjoy the museum – and it is free entrance for the café only!

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Agon / Sphinx / Limen @ Royal Opera House

先日、生まれて初めて、ロイヤル・オペラ・ハウスにバレエを観に行った。私は、ダンス自体はは好きで、モダンダンス、フラメンコ、ベリーダンス、インド舞踏等は見に行ったことがあるのだが、これまでバレエにはあんまり食指が動かなかった。どちらかというと、ああいう優雅な踊りよりも、情熱的で躍動的なものの方が好きなのだ。それに男性のあのピチピチのタイツは、贅肉のない美しい肉体のダンサーが身にまとっていたとしても、どうしても好きになれない、ていうか目障りでさえある。それなのにどうしてバレエを見に行ったか?それは、私たちが好きな、デジタルカウンターを使ったインスタレーションで世界的に知られる現代美術家・宮島達男氏が、3演目のうちの1つの舞台美術を担当したからだ。

今回観に行った、ロイヤル・バレエによる「Agon / Sphinx / Limen」は、いずれも30分弱のモダンバレエ演目の3本立て。何しろバレエに関してはド素人。おこがましいのでバレエの批評は控え、簡単な解説を。Agonアゴン)は、イーゴリ・ストラヴィンスキーが、名振付師ジョージ・バランシン率いるニューヨーク・シティ・バレエ団のために作曲、1957年に初演された。Sphinx(スフィンクス)は、オイディプース神話を元にジャン・コクトーによって書かれた「地獄の機械(The Infernal Machine)」にインスピレーションを得た作品。アメリカ人振付師Glen Tetley(グレン・テトリー)が、1977年にアメリカン・バレエ・シアターのために振り付けを担当した。スピンクス(Sphinx)とオイディプース(Oedipus)、そしてエジプトの黄泉の国に死者を導くというジャッカルの頭の持つ神・アヌビス(Anubis)の3者によって繰り広げられる。

そしてお待ちかねの、宮島氏がステージデザインを担当したLimen(ライメン)。Limenは心理学用語で「閾(いき)」、「ある刺激の出現・消失、または二つの同種刺激間の違いが感じられるか感じられないかの境目。また、その境目の刺激の強さ」を意味する。フィンランド人作曲家Kaija Saariaho(カイヤ・サーリアホ)氏が作曲、振り付けは、映画「Harry Potter and the Goblet of Fire(ハリー・ポッターと炎のゴブレット)」も担当したロイヤル・バレエ団の振付師Wayne McGregor(ウェイン・マクレガー)が手がけた。幕開けは、LEDデジタルカウンターを投影した半透明のスクリーンの後ろでダンサーたちが踊るシーン。刻々と変わる数字が動きを変えながらスクリーンに浮き上がる中、ダンサーたちの姿がぼんやりと浮かぶ様は、とても幻想的。そしてスクリーンが上がり、明るくなった舞台の上で、カラフルな衣装に身を包んだダンサーたちが舞い踊る。再び明かりが落とされると、次に違った色の光の帯が暗い舞台に投影される。踊りよりも、ダンサー達の影が光の帯の上に落ちる様に、つい目がいってしまう。最後は、暗闇の中、バックの壁に、青いLEDライトが、違う間隔でついたり消えたりする。だんだん点灯するLEDライトが増えていき、壁が徐々に舞台前に迫って来たところで、フィナーレを迎える。

バレエ自体は、引き締まった体でしなやかに踊る様は優雅だと思ったけれど、はっきり言って印象に残っていない。バレエではなくLimenのステージデザインを目当てに行ったので、最上階の一部が見えない安い席を買ってしまったからかもしれない。そしてやっぱり、遠くからでもピチピチタイツの苦手意識は克服できなかった。宮島氏は舞台デザインは初めてだと言うが、アーティストだけあって、彼の色をうまく生かしたミニマリスト的なアプローチは夢幻的で、光と闇を上手く表現していて、バレエというよりアート・インスタレーションのよう。観に行って良かった!

I went to see a ballet at l Opera House for the first time in my life. I like dance, and have been to modern dance, Flamenco, Belly Dance, Indian dance etc, but I’ve never been really keen to see a ballet – one reason was that I prefer more energetic and exciting movement than elegant ballet, and another reason was that I just can’t stand the tights of male ballet dancers, even on their beautiful toned bodies. The reason why I went to see the ballet is because Japanese visual artist Tatsuo Miyajima designed the stage of one of the program.

What I saw is the Royal Ballet triple bill “Agon / Sphinx / Limen” – all short contemporary ballet programs less than 30 minutes each. I am completely novice in ballet, so I won’t make any comment on the ballet dance itself, but a little explanation of the programs.

One of the 20th century’s leading choreographers, George Balanchine’s Agon is his final collaboration with Igor Stravinsky and the first stage performance was given by the New York City Ballet in 1957. Sphinx was inspired by the French playwright Jean Cocteau‘s 1934 play ‘The Infernal Machine’, a variation of the Oedipus legend, and it was originally choreographed for American Ballet Theatre in 1977 by the American choreographer Glen Tetley. It is a trio for the Sphinx, Oedipus and Anubis, the jackal-headed god who shepherds the dead into the Egyptian underworld.

Then Limen, which was designed by Miyajima and what I was looking for. Limen, a word that relates to ideas of limits and thresholds, is the work by Wayne McGregor , the Company’s Resident Choreographer who also choreographed the film Harry Potter and the Goblet of Fire, with music by Finnish composer Kaija Saariaho. The first scene is the dancers moving behind a half-transparent screen on which tumbling and spinning digital numbers are projected – it was very mysterious and dreamlike. Then the screen rises dancers in electric color costumes come on the stage with slowing changing colors. In the third scene, the light is turned down, and five different color stripes appear on the dark stage. My eyes were caught more by the shadows of the dancers casted on the stripes, rather than dancers themselves. Final act is performed in front of a giant wall of blue LED lights flashing on and off at different intervals, and the wall slowly approaches to the front of the stage as the number of LED increases little by little – and over.

To be honest I don’t have a strong impression about the ballet performance the night, though I admit that the dance was graceful and elegant. Maybe because I bought cheap seats on the upper balcony with restricted views – as my intention was to see the stage design of Limen by Miyajima. I also failed to change my negative view against male tight costumes! It is said that this is the first experience for Miyajima to design a theater stage, but his minimalist approach with superb use of different colors and light and darkness was pretty effective and it was like a beautiful art installation. I am glad that I went!


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2009 Serpentine Gallery Pavillion by SANAA

SANAA Serpentine Pavillion 2009SANAA Serpentine Pavillion

2000年から始まったThe Serpentine Galleryの2009年夏季限定パビリオンが7月12日から始まった。モダンアート/現代美術の展示を行うハイドパークの小さな美術館、サーペンタイン・ギャラリーに隣接した場所に設置されたこのパビリオンは、毎年、ザハ・ハディッドダニエル・リベスキンド伊東豊雄オスカー・ニーマイヤーレム・コールハースフランク・ゲーリー等、世界に名だたる建築家にデザインを依頼。夏の間の3ヶ月のみ設置され、期間が過ぎると撤収されるという、何とももったいない企画だ。期間中、カフェを併設し公園やギャラリーを訪れる人々の憩いの場となる他、特別プログラムやトーク、BBC proms(毎夏開催されるクラシック音楽コンサートシリーズ)等の会場としても使われる。

今年は、日本のSANAA(建築家の妹島和世西沢立衛による建築ユニット)がデザインした。SANAAいわく、このパビリオンのコンセプトは「floating aluminium, drifting freely between the trees like smoke.(煙のように木々の間を自由に漂う、空に浮かぶアルミニウム)」。ピカピカした表面が鏡のように、下にいる人やオブジェクトを反射させる。上空から見ると公園内にある池に見えるが、地上からはパビリオンの全容がよく見えないので、インパクトが薄い。アルミニウムやプレキシグラス(アクリル樹脂)という人工素材が、緑多いハイドパークに溶け込んでいないかな、と思った。

The annual Serpentine Gallery pavilion opened on July 12 this year. The Serpentine Gallery is an small modern/contemporary art gallery in Hyde Park. Since 2000 each summer, the gallery has commissioned a temporary pavilion on its lawn by world leading architects including Zaha Hadid, Daniel Libeskind, Toyo Ito, Oscar Niemeyer, Rem Koolhaas, and Frank Gehry. The pavilion stays on 3 months in the summer – what a waste of talent! During the period, the pavilion hosts a special programme of film screenings, talks, the BBC proms and café.

Japanese architect unit SANAA (Kazuyo Sejima+Ryue Nishizawa) designed this year’s pavilion. The concept of design is “floating aluminium, drifting freely between the trees like smoke”. Shiny surface reflects people or objects underneath. It looks a water pond from above, but I couldn’t see a concept and whole view on the ground, unless you fly. Also the materials like aluminium and Plexiglas don’t really fit in with the green Hyde park.

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Roni Horn aka Roni Horn @ Tate Modern

Opposite of WhiteYou are the Weather

アメリカ人ビジュアルアーティスト・Roni Horn(ロニ・ホーン)の、イギリスの美術館での初のメジャーな展覧会となる「Roni Horn aka Roni Horn」が、テート・モダンで2月25日から始まる。70年代の初期の作品から現代まで、ドローイング、本、フォト・インスタレーション、彫刻と多彩な作品群が展示されたエキシビションは、ロニ・ホーンの可変性(mutability)と場所への興味を探究したものだ。

特に目を引いた作品は、彼女の「水」とその可変性に対する興味を体現したガラス彫刻4点(「Pink Tons」「Opposite of White, v.1」(無色ガラス)「Opposite of White, v.2」(黒ガラス)「Untitled (Aretha)」(赤ガラス)。また、アイスランドで撮影された写真の、フォト・インスタレーション、「Pi」 と「You are the Weather」も、アイスランドの雄大な自然と少しうら寂しい雰囲気が感じられる、よい作品だ。「Pi」は、45枚のポートレート、動物、ランドスケープを組み合わせた作品。1人のモデルを使って、雨、霧、風、晴れの違った天気の中、アイスランドの様々なプールで撮られた100枚の写真を使った「You are the Weather」は、天気によって表情がかすかに変わるのが面白い。ホーンの姪・ジョージアの、子供時代からティーンエイジャーへの転換期に撮影された写真、1枚目と数秒後に撮られた2枚目の計48枚ずつを、向かい合うふたつの壁にグリッド状に並べた「This is Me, This is You」(展覧会の外に飾られている)も、生き生きした少女の表情が可愛い。

American visual artist Roni Horn‘s first major museum show in the UK, ‘Roni Horn aka Roni Horn ‘,  starts from  February 25th at Tate Modern. The exhibition including drawings, books, photographic installations and sculptures from 70’s to present, explores her interest about mutability and place.

The works which specifically attracted my attention were four cast glass sculptures which appear as ‘pools of water’; ‘Pink Tons‘, ‘Opposite of White, v.1‘ (colourless glass), ‘Opposite of White, v.2’ (black glass), and ‘Untitled (Aretha)‘(intense red glass). Her works often deals with ‘water’ which represent the mutability – many of her photographs analyse the nature of water. In her work ‘Still Water’, the images of  the river  Thames show its swirling surface, opacity, and changing colour,  with a sequence of footnotes about the history of the river, its presence in the city , and our relationships with water, below the images. The installations of photos taken in Iceland, ‘Pi‘ and ‘You are the Weather‘, is intriguing and you can feel the nature and atmosphere of  desolated Iceland. ‘Pi’ compromises 45 photos of portraits, animals and landscapes of Iceland. ‘You are the Weather‘ is an installation of 100 photos of the models in different pools across Iceland in rain, fog, wind, and sun – you can see her expression changes in response to the weather. ‘This is Me, This is You‘ (can be seen outside the exhibition) is comprised of two separate grids each with 48 photos of her niece, paired with a corresponding image which was taken few seconds after, in the other grid, is cheerful and cute.

Altermodern: Tate Triennial @ Tate Britain

Altermodern<Gateway>>-Getabay

Altermodern」は、フランス人キュレーター・美術評論家のニコラ・ブリオー氏が監督した、テート・ブリテンの第四回トリエンナーレ展で、2月3日から4月26日まで開催されている。「Altermodern」は、ブリオー氏が定義した造語で、「標準化されたものや商業主義に対するリアクションとして、今日のグローバル化を背景に作られたアートを、ブランドとして確立する試み」を意味する。展覧会のマニフェストに「ポストモダニズムは死んだ」とあるように、ブリオー氏は、近年のグローバル化時代において、新しいモダニティ(現代性)が出現しているという。私の解釈が正しければ(少々不安だが)、Altermodernity (Alternative Modern:代替モダン) は、時間や場所、国境、文化、方法を超えた、新時代のアートらしい。

何となく分かったような分からなような。能書きはさておき、展覧会は、28人のイギリス人・外国人のアーティストの、写真、映画、ビデオ、インスタレーション、彫刻等、様々なメディアの、最近の作品が展示されている。先の説明と作品群とうまく結びつかないのだが、モダンアートにありがちな、玉石混淆の展覧会だった。このような展覧会のために、突飛もない作品がモダンアートで、自分には理解不能なものと思っている人が多いのも、仕方ないと思う。でも、面白いのも多かった。写真は、Subodh Gupta(インド)の作品「Line of Control」。ステンレス製用品(鍋や食器等)でできた、床から天井までという巨大なオブジェ。Tacita Deanタシタ・ディーン)の「The Russian Ending」は、白黒の自然災害・人的災害のイメージに、手書きのメモを施した、映画のストーリーボードのような作品。Franz Ackermannの、「<<Gateway>>-Getabay」は、部屋中に置かれた、カラフルなグラィフィティアート。一番面白かったのは、Nathaniel Mellorsの「Giantbum」の中の、機械仕掛けの食人族のゾンビの頭。気持ちが悪いほどリアルだが、笑える(ここをクリックすると動画が見れます)。

Altermodern‘ is the Tate Britain‘s fourth Triennial exhibition curated by French curator and art critic, Nicolas Bourriaud, opening from Febrrary 3 to April 26. Altermodern, a compound word defined by Bourriaud, is “an attempt at branding art made in today’s global context as a reaction against standardization and commercialism”. As in a exhibition manifesto,”postmodernism is dead”,  Bourriaud suggests that new modernity is emerging. If I understand correctly, Altermodernity (Alternative Modern)  is a new form of art, transcending the time, space, culture, border, and forms. Whatever.

Anways, the exhibition presents new and recent works by 28 British and international artists’ works in all media, from photography, film, video and installations, and as in many ‘modern art’ exhibition, it is a mixture of good and bad ones – that often gives a wrong impression that  modern art as ‘weird’ and only artists and art critiques would understand. However, some works are amusing and interesting. The work in the photo is a huge objects made of stainless steel utensils, ‘Line of Control’ by Indian artist Subodh Gupta. ‘The Russian Ending‘ by Tacita Dean is a photogravure on paper, with the black&white images depicting both natural and man-made disasters. Superimposed on each image are handwritten notes alluding to a working story board of a film. Franz Ackermann‘s ‘<<Gateway>>-Getabay’ is a graffiti-like colorful works. The funniest one is three heads of cannibal-zombies in ‘Giantbum’ by Nathaniel Mellors – it is surreal and creepy, but their facial expression is pretty comical (to see a video, click this).

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