London Design Festival 2012 @ V&A

100% Designの後は、同じくLondon Design Festival（LDF）に参加しているヴィクトリア＆アルバート博物館へ。期間中（9月14日〜23日）、常設展・特別展の展示品に混じって、LDFのために特別に制作されたインスタレーションやディスプレイの数々が、館内あちこちに設置された（詳細：V&Aウェブサイト / 2011年ディスプレイ）。

LDF専用館内マップは、博物館スタッフさえ認める難解さで、悪戦苦闘しながら各ディスプレイを探し当てる。これらの作品は、テーマもなく統一感はないが、一番印象に残ったのは、日本のデザインオフィス「nendo」が手がけた、「Mimicry Chairs」という計11点の空間インスタレーション作品（写真下7点）。周囲の展示に呼応するように擬態化された透明感のある椅子が、エントランス空間や展示室、階段室、回廊など、館内11カ所に配置された。残念ながら展示品なので座れないが、それぞれ個性を持ったこれらの白い椅子たちは、違和感なく絶妙なハーモニーでその空間に収まっていた。

After 100% Design, I moved on to Victoria & Albert Museum which also participated in London Design Festival (LDF). During the LDF, V&A had housed an array of specially commissioned installations and displays throughout the Museum (details: V&A website / blog entry for the 2011 displays).

The special V&A map for LDF was hard to figure out, even to museum staffs, and it cost me a lot of effort to find an each work. There was no theme or direction for those displays, but what I liked the most was “Mimicry Chairs“, total of eleven installations using white transparent metal chairs, created by Japanese design firm “nendo“. The chairs were placed in the main entrance as well as ten other locations in the museum including galleries, staircases and corridors. Unfortunately, sitting on the chairs was not allowed, but those installations perfectly fit in an each space and created good harmony with surrounding artworks and objects.

持続可能なデザインの進化を描いた、Green Car Design制作の”Evolutionary Wall”

“Evolutionary Wall” by Green Car Design, showing us an evolution of sustainable design

「Bench Years」シリーズとして、各々違った材料を使ったベンチが、博物館の中庭・John Madjski Gardenに設置された。上の写真は、アメリカ製硬材を使った、Martino Gamperによるベンチ。

“Bench Years” Bench by Martino Gamper using American hardwood. A series of one-off benches, each made from a different material, was displayed at the John Madjski Garden.

キングスクロス駅周辺の再開発計画のディスプレイ / King’s Cross: Regenerating a London landmark

ロリータやゴスなど、イギリスの影響を受けた日本初のファッションを展示した、”Kitty and the Bulldog: Lolita fashion and the influence of Britain“

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The Cult of Beauty: The Aesthetic Movement 1860-1900 @ V&A

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4月2日より、V&A（ヴィクトリア＆アルバート博物館）で「The Cult of Beauty: The Aesthetic Movement 1860-1900（美の礼賛：耽美主義運動 1860～1900年」展が始まった（〜7月17日）。

展覧会は、イギリスで1860年から1890年頃に花開いた、アートやデザインにおける耽美主義の発展を、「The search for new beauty 1860s（新しい美の模索）」「Art for Art’s Sake 1870s-1880s（芸術のためのアート）」「Beautiful people and Aesthetic houses 1870s-1880s（美しい人々と美的住宅）」「Late-flowering beauty 1880s-1890s（後期に花開いた美）」の4部に分け、時系列で展示。オスカー・ワイルド、ウィリアム・モリス、ジェームズ・マクニール・ホイッスラー、ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ、エドワード・バーン＝ジョーンズ、フレデリック・レイトンなど、当時一世を風靡した芸術家たちの絵画、印刷物、ドローイングをはじめ、インテリア・デザインや肖像画、写真、衣装、宝石等の装飾美術など、多岐に渡る250点以上もの作品が一堂に会する。孔雀や花のモチーフで彩られた展示室の壁や美しいクラシック書体を使ったタイトルデザインなど、ヴィクトリア＆アルバート博物館らしい絢爛豪華な展示デザインも必見。

大英帝国絶頂期で、産業革命による経済発展を享受したヴィクトリア朝時代は、上流階級のものであった芸術が新興の中流階級にも普及。それまでの文化観念や道徳観の変化を反映した、イギリス芸術の黄金期だった。パリにおけるアバンギャルドに刺激されて興ったイギリス耽美主義は、醜いものや物質主義からの解放を目指し、新しい美の形として「Art for Art’s Sake（芸術のための芸術）」を標榜、純粋に美しいものだけを追い求めた。ロセッティやウィスラーなどによる女性画は、ビクトリア時代に理想とされた控えめな美と対照的に、必ずしも美しいとは言えない女性たちをモデルに、自由奔放な新しい美を描いている。古代ギリシャや中国や日本などの影響を受けた、エキゾチシズム漂うインテリアやデザインは、時に過剰とも思えるけれど、人は「美しい生活」を送るべきだと、デザインを日常生活にまで浸透させた功績は大きい。これらの作品は、今の時代においては目新しさは全くないけれど、全く違った芸術感、価値観を提起した耽美主義に、当時の人々が熱狂したのが分かる気がする。

V&A‘s new exhibition, “The Cult of Beauty: The Aesthetic Movement 1860-1900” started from April 2, till July 17.

The exhibition is devided in four chronological sections, charting the development of the Aesthetic Movement in art and design: “The search for new beauty 1860s,” “Art for Art’s Sake 1870s-1880s,” “Beautiful people and Aesthetic houses 1870s-1880s” and “Late-flowering beauty 1880s-1890s.” As well as paintings, prints and drawings, the show includes over 250 examples of all the ‘artistic’ decorative arts, together with designs and photographs, portraits, fashionable dress and jewellery, created by star artists of the movement such as Oscar Wilde, James McNeill Whistler, Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, Frederic Leighton, and William Morris. Another thing worth seeing is the V&A’s gorgeous exhibition design with peacock and flower motifs and beautiful classic typefaces on the walls of the exhibition rooms, in perfect harmony with the collection.

Victorian era was the period when British people enjoyed prosperity from industrial revolution and the height of British Empire. It was also the golden age of the British art, which became available to emerging middle class, not only for aristocracy. Inspired by Avant-garde in Paris with the desire to escape the ugliness and materialism of the age, Aestheticism pursued the new kind of art , freed from outworn cultural ideas and moral codes. The movement believed in ‘Art for Art’s Sake’ – art had to just look beautiful. Painters like Rossetti and Whistler used models who were not necessarily beautiful or at odds with Victorial ideals of reserved femininity, and created new and unconventional types of female beauty. The exotic design of furniture and decorative arts influenced by ancient Greek, China and Japan are often considered too much, but introducing design into everyday life with the concept that “people should live beautiful life” was the pioneer of modern design, and we owe them for that. All the collection doesn’t make much sense in the 21st century, but I understand why people of that time were so excited by the Aesthetic movement which brought them a completely new values in art and design.

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