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London Design Festival 2012 @ V&A

100% Designの後は、同じくLondon Design Festival(LDF)に参加しているヴィクトリア&アルバート博物館へ。期間中(9月14日〜23日)、常設展・特別展の展示品に混じって、LDFのために特別に制作されたインスタレーションやディスプレイの数々が、館内あちこちに設置された(詳細:V&Aウェブサイト / 2011年ディスプレイ)。

LDF専用館内マップは、博物館スタッフさえ認める難解さで、悪戦苦闘しながら各ディスプレイを探し当てる。これらの作品は、テーマもなく統一感はないが、一番印象に残ったのは、日本のデザインオフィス「nendo」が手がけた、「Mimicry Chairs」という計11点の空間インスタレーション作品(写真下7点)。周囲の展示に呼応するように擬態化された透明感のある椅子が、エントランス空間や展示室、階段室、回廊など、館内11カ所に配置された。残念ながら展示品なので座れないが、それぞれ個性を持ったこれらの白い椅子たちは、違和感なく絶妙なハーモニーでその空間に収まっていた。

After 100% Design, I moved on to Victoria & Albert Museum which also participated in London Design Festival (LDF). During the LDF, V&A had housed an array of specially commissioned installations and displays throughout the Museum (details: V&A website / blog entry for the 2011 displays).

The special V&A map for LDF was hard to figure out, even to museum staffs, and it cost me a lot of effort to find an each work. There was no theme or direction for those displays, but what I liked the most was “Mimicry Chairs“, total of eleven installations using white transparent metal chairs, created by Japanese design firm “nendo“. The chairs were placed in the main entrance as well as ten other locations in the museum including galleries, staircases and corridors. Unfortunately, sitting on the chairs was not allowed, but those installations perfectly fit in an each space and created good harmony with surrounding artworks and objects.

持続可能なデザインの進化を描いた、Green Car Design制作の”Evolutionary Wall”

“Evolutionary Wall” by Green Car Design, showing us an evolution of sustainable design

Bench Years」シリーズとして、各々違った材料を使ったベンチが、博物館の中庭・John Madjski Gardenに設置された。上の写真は、アメリカ製硬材を使った、Martino Gamperによるベンチ。

Bench Years” Bench by Martino Gamper using American hardwood. A series of one-off benches, each made from a different material, was displayed at the John Madjski Garden.

キングスクロス駅周辺の再開発計画のディスプレイ / King’s Cross: Regenerating a London landmark

ロリータやゴスなど、イギリスの影響を受けた日本初のファッションを展示した、”Kitty and the Bulldog: Lolita fashion and the influence of Britain

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“Treasures of Heaven” Exhibition @ British Museum

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中世キリスト教の重要美術品を集めた大英博物館の新しい展覧会「Treasures of Heaven: saints, relics and devotion in medieval Europe」(6月23日〜10月9日)が先週始まった。大英博物館のコレクションに加え、バチカン、ヨーロッパの教会の宝庫、アメリカやヨーロッパの美術館など40以上の団体から集められた、キリストや聖人、殉教者の遺物を納めた聖骨箱など、150以上もの貴重な美術品が展示されている(展示品写真)。大英博物館によると、イギリスでまとまった数の宗教美術品が一堂に見られるのは、イコンの破壊が広く行われた16世紀の宗教改革の時以来だそう。

展示されている主な遺品は、Crown of Thorns(キリストのかぶせられた荊冠)の一部だとされる3本の刺、十字架の一部、聖ブラシウスの足(写真)、聖母マリアの母乳、聖ヨハネの髪の毛、最も古いものの一つであるキリストの自印聖像など。それらが納められている、銀や金細工の施された聖骨箱の素晴らしいこと。後期ローマ帝国時代に始まり約1000年に渡る中世に作られたこれらの美術品は、それ以降の時代の精巧さに比べて少し荒削りだったりするけれど、深い信仰心と職人たちの情熱が伝わってくる。ドーム(クーポラ)を模した少し薄暗い展示室も雰囲気満点。静謐な心持ちになれる。

British Museum‘s new exhibition, just started last week, is “Treasures of Heaven: saints, relics and devotion in medieval Europe” (June 23 to October 9), featuring over 150 sacred treasures of the medieval age. In addition to the British Museum’s own pre-eminent collection, the important relics of Christ and the saints and other artifacts were drawn from more than 40 institutions including the Vatican, European church treasuries, museums from the USA and Europe (photographs of treasures). British Museum website says that religious treasures have not been seen in significant numbers in the UK since the Reformation in the 16th century, when iconoclasm was widely observed throughout England.

Relics featured in the exhibition include three thorns thought to be from the Crown of Thorns, fragments of the True Cross, the foot of St Blaise (photo), the breast milk of the Virgin Mary, the hair of St John the Evangelist, and the Mandylion of Edessa (one of the earliest known likenesses of Jesus). How graceful and exquisite the ornate reliquaries containing those relics are! Those religious treasures, produced during Middle Ages which started from the late Roman period and lasted 1000 years, are not necessarily as elaborate or fancy as those of the later periods, but you can feel strong faith and passion of the craftsmen of the age. The dome-shaped dark exhibition room, is solemn and serene, and make everyone feel calm and peaceful.

The Cult of Beauty: The Aesthetic Movement 1860-1900 @ V&A

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4月2日より、V&A(ヴィクトリア&アルバート博物館)で「The Cult of Beauty: The Aesthetic Movement 1860-1900(美の礼賛:耽美主義運動 1860~1900年」展が始まった(〜7月17日)。

展覧会は、イギリスで1860年から1890年頃に花開いた、アートやデザインにおける耽美主義の発展を、「The search for new beauty 1860s(新しい美の模索)」「Art for Art’s Sake 1870s-1880s(芸術のためのアート)」「Beautiful people and Aesthetic houses 1870s-1880s(美しい人々と美的住宅)」「Late-flowering beauty 1880s-1890s(後期に花開いた美)」の4部に分け、時系列で展示。オスカー・ワイルドウィリアム・モリスジェームズ・マクニール・ホイッスラーダンテ・ゲイブリエル・ロセッティエドワード・バーン=ジョーンズフレデリック・レイトンなど、当時一世を風靡した芸術家たちの絵画、印刷物、ドローイングをはじめ、インテリア・デザインや肖像画、写真、衣装、宝石等の装飾美術など、多岐に渡る250点以上もの作品が一堂に会する。孔雀や花のモチーフで彩られた展示室の壁や美しいクラシック書体を使ったタイトルデザインなど、ヴィクトリア&アルバート博物館らしい絢爛豪華な展示デザインも必見。

大英帝国絶頂期で、産業革命による経済発展を享受したヴィクトリア朝時代は、上流階級のものであった芸術が新興の中流階級にも普及。それまでの文化観念や道徳観の変化を反映した、イギリス芸術の黄金期だった。パリにおけるアバンギャルドに刺激されて興ったイギリス耽美主義は、醜いものや物質主義からの解放を目指し、新しい美の形として「Art for Art’s Sake(芸術のための芸術)」を標榜、純粋に美しいものだけを追い求めた。ロセッティやウィスラーなどによる女性画は、ビクトリア時代に理想とされた控えめな美と対照的に、必ずしも美しいとは言えない女性たちをモデルに、自由奔放な新しい美を描いている。古代ギリシャや中国や日本などの影響を受けた、エキゾチシズム漂うインテリアやデザインは、時に過剰とも思えるけれど、人は「美しい生活」を送るべきだと、デザインを日常生活にまで浸透させた功績は大きい。これらの作品は、今の時代においては目新しさは全くないけれど、全く違った芸術感、価値観を提起した耽美主義に、当時の人々が熱狂したのが分かる気がする。

V&A‘s new exhibition, “The Cult of Beauty: The Aesthetic Movement 1860-1900” started from April 2, till July 17.

The exhibition is devided in four chronological sections, charting the development of the Aesthetic Movement in art and design: “The search for new beauty 1860s,” “Art for Art’s Sake 1870s-1880s,” “Beautiful people and Aesthetic houses 1870s-1880s” and “Late-flowering beauty 1880s-1890s.” As well as paintings, prints and drawings, the show includes over 250 examples of all the ‘artistic’ decorative arts, together with designs and photographs, portraits, fashionable dress and jewellery, created by star artists of the movement such as Oscar WildeJames McNeill WhistlerDante Gabriel RossettiEdward Burne-JonesFrederic Leighton, and William Morris. Another thing worth seeing is the V&A’s gorgeous exhibition design with peacock and flower motifs and beautiful classic typefaces on the walls of the exhibition rooms, in perfect harmony with the collection.

Victorian era was the period when British people enjoyed prosperity from industrial revolution and the height of British Empire. It was also the golden age of the British art, which became available to emerging middle class, not only for aristocracy. Inspired by Avant-garde in Paris with the desire to escape the ugliness and materialism of the age, Aestheticism pursued the new kind of art , freed from outworn cultural ideas and moral codes. The movement believed in ‘Art for Art’s Sake’ – art had to just look beautiful. Painters like Rossetti and Whistler used models who were not necessarily beautiful or at odds with Victorial ideals of reserved femininity, and created new and unconventional types of female beauty. The exotic design of furniture and decorative arts influenced by ancient Greek, China and Japan are often considered too much, but introducing design into everyday life with the concept that “people should live beautiful life” was the pioneer of modern design, and we owe them for that. All the collection doesn’t make much sense in the 21st century, but I understand why people of that time were so excited by the Aesthetic movement which brought them a completely new values in art and design.

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↓ 東日本巨大地震チャリティ情報 / Japan Earthquake & Tsunami Charity Information

Design for Japan

Fashion Relief by Vogue.com

Carnaby Street 50th Anniversary

2010年は、カーナビー・ストリートCarnaby Street)の50周年記念の年。60年代に、モッズヒッピー・ファッションの中心地であったカーナビー・ストリートに、独立系のブティックやデザイナーたちが店を構え、また周辺の通りには、様々なアングラのミュージック・バーがあった。Wardour Streetの角にあった伝説的なクラブ・Marquee Clubでは、ビートルズザ・フーローリング・ストーンズなどが演奏し、彼らがたむろしたカーナビー・ストリートは、スウィンギング・ロンドンで、もっともクールな場所になった。

今もカーナビー・ストリートは、ロンドンの代表的なショッピング・ストリートの一つで、いつも観光客や若者で賑わっている。メイン・ストリートであるカーナービー・ストリートや周辺の小さな通り、Kingly court(キングリー・コート)、Newburgh Quarter(ニューバーグ・クォーター)など一帯には、ファッションや靴などのショップなどのほか、カフェやバー、パブ、レストランが並ぶ。

50周年を記念し、2010年は1年を通して、ファッションやデザイン、音楽に関連したイベントやフェスティバルが行われる予定。写真は、2月から開催されている展覧会で、カーナビー・ストリートの16世紀から現在までの歴史、特に60年代を中心に解説している。空き店舗を利用したと思われるこの展覧会は、ちょっと薄暗〜い感じで展示品のサイズも小さく、スペースを有効利用できてない感じ。写真もファッションも、もっとたくさん展示してほしかった。でも奥の左にあるブースでやっている、カーナビー・ストリートの歴史のビデオはなかなか面白い。

Year 2010 is Carnaby Street‘s 50th Anniversary. By the 1960s, Carnaby Street became an iconic fashion destination for he Mod and hippie styles. Many independent fashion boutiques and designers were located as well as various underground music bars in the surrounding streets. With bands such as The BeatlesThe Who, and Rolling Stones appeared in the area to work with the legendary Marquee Club located round the corner in Wardour Street, and shopped and socialized, it became one of Swinging London‘s coolest destination.

Today Carnaby Street is still one of the main shopping street in London and attracts many young people and tourists. The area including main Carnaby Street and surrounding streets as well as Kingly court and the Newburgh Quarter, offers fashion stores and boutiques as well as cafés, bars, pubs and restaurants.

Throughout 2010, Carnaby streets will host various events and festivals featuring fashion, design and music. Kicking off in February with an exhibition which includes a detailed history of the area, from the 16th Century to the present day, especially focusing on the sixties. This exhibition, using an empty store space, is a bit dark and the materials exhibited are rather too small. There is a big unused space in the middle and I wish they can show us more its iconic fashions and photos. However, I quite enjoyed the video being played on the back, showing the history of the street, especially during the hype in 60’s.

カーナビー・ストリートの歴史や一体のお店を網羅したガイド「Carnaby Essential Guide」。全36ページの50周年特別版。

Anniversary edition of 36-page “Carnaby Essential Guide,” listing shops in the area as well as history of the street.

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Billy Childish: Unknowable but Certain @ ICA

アーティスト、ミュージシャン、作家、そして詩人とマルチタレントな、Billy Childish(ビリー・チャイルディッシュ)の個展が、4月18日までICAで開催されている。メインギャラリーであるlower galleryでは彼の近年の絵画作品を、そしてupper galleries(通路と2階にあるギャラリー)では、彼の音楽活動と作家としての作品が展示されている。1つの部屋は音楽作品、そしてもう1つの部屋では、自伝的でパーソナルな詩や散文詩、議論や思想関係などの本やパンフレットの著作物(多くは彼自身がデザインし、自身の木版画を添えて出版したもの)が見られる。

彼の強烈なパーソナリティとエゴに溢れた作品は、パワフルでインパクトがある(あのトレイシー・エミンの元彼と聞いて妙に納得)。Stuckism(スタッキズム。コンセプチュアル・アートに反対し、フィギュラティヴ・アートを押し進める芸術運動。彼自身は2001年に運動を離れた)の共同発起人である彼の絵画は、印象派的で、ゴッホを彷彿させる鮮やかな色使いと力強い筆遣いが、心に残る。通路に並んだ、シンプルな茶色を背景に、絞首刑を彷彿させるシンボルと言葉をのせたポスター・シリーズ(写真下)も、なかなか強烈で圧倒される。彼の音楽は聞いたことないが、Thee Headcoatsヘッドコーツ)等、様々なバンド活動でカルト的人気を誇るらしい(写真下:アルバムのジャケット)。彼の作品は、全体的に怒りに満ちあふれているんだけれど、内にこもった暗いものじゃなく、俺は怒ってるんだー!という、正直でまっすぐな怒り。その怒りを芸術に昇華させているという感じで、むしろ清々しい。

ICA presents a major solo exhibition of an artist, musician, writer and poet, multitalented Billy Childish until April 18. The lower gallery features Childish’s recent paintings, and upper galleries show his output as a musician and writer: one room concentrates on his music, and the second room features books and pamphlets containing his writings, often designed and published by him and illustrated by his own woodcuts, including polemical and campaigning literature, and his more personal poetry and prose.

Childish’s works are full of his strong personality and ego, and quite powerful (he is an ex-boyfriend of Tracey Emin – understandable). He is a co-founder of Stuckism (he left in 2001), promoting figurative painting in opposition to conceptual art, and his Van Gogh-like expressionistic paintings are vivid and colorful with strong brush strokes. The poster series hung on the corridor, with words and symbol of hanging on brown background, is strong and shocking.  I’ve never heard his music, but his music in various Garage punk bands has a cult popularity (photo on the bottom: album covers). I can feel his anger all over his works, but it is not gloomy or depressing, but honest and full of life, like screaming “I AM ANGRY!” with a speaker. In some way, he sublimate his inner rage into his creative works.

ICAと言えば、不況のせいもあって、財政状況が思わしくなく、最近Arts Council(政府の直属機関である芸術奨励評議会)から120万ポンドの緊急援助を得たそうだ。また、ディレクターの不信任騒動などスタッフ間の不協和も報道され、このまま財政状況が好転しなければ、5月末には閉鎖になるという最悪事態も予想されている。

The ICA is reported to have deep financial trouble in this recession, and recently received a special £1.2m grant from the Arts Council. There are also staff turmoil observed by the Guardian, and if the overall situation wouldn’t improve, the ICA could close by May, in the worst case scenario…

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Dieter Rams Exhibition @ Design Museum

デザイン・ミュージアムで、3月9日まで開催中の「Dieter Rams」展を見てきた。ドイツ人プロダクトデザイナーであるDieter Rams(ディーター・ラムス)は、20世紀後半で最も影響力のあるインダストリアルデザイナーの一人に数えられる。ラムスは1955年に独・家電メーカーのブラウン社に入社。1961年にデザインのチーフ・デザイナーに就任し、1998年の定年まで40年以上に渡って500以上の製品をデザイン・監修した。シンプルだけれどもエレガントで、機能的な彼のデザインは、インダストリアルデザインにおける「機能主義」派に分類される。

この展覧会では、ラムスの手がけたブラウン社と家具メーカーのVitsœ社の製品とともに、アップル社や無印良品、深澤直人等、彼の影響を受けた、現代のデザインも展示されている。簡潔で無駄がなく、気をてらわないラムスのデザインは、時が経っても飽きがこないから、壊れるまで安心して使える。自己主張しすぎず、他の製品ともしっくりくる。これぞプロダクトデザインの鑑。展示スペースもすっきりとモダンにデザインされており、なかなか見応えのあるデザイン展だ。

I saw the Dieter Rams exhibition (until March 09) at the Design Museum. The German product designer Dieter Rams is one of the most influential industrial designers of the late 20th century. Rams joined the German consumer electronics manufacturer Braun in 1955, where he became chief of design in 1961. He had designed and supervised more than 500 products in over 40 years, until his retirement in 1998. His design, simple but elegant and functional, is categorized as the Functionalist school of industrial design. The exhibition presents Rams’ landmark designs for Braun and furniture manufacturer Vitsœ, as well as his influence on today’s design such as products by Apple and Muji.

Rams design is clean, straightforward, and enduring, so we can use it until it gets broken, without getting tired of it. It doesn’t scream out for an attention, and fits to anything, anywhere. This is a model product design. The exhibition space is well organized and nicely designed – it is worth a visit if you like modernism.

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New Medieval & Renaissance Galleries opens @ Victoria & Albert Museum

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7年もの年月と3170万ポンドをかけてようやく完成した、ヴィクトリア&アルバート博物館(V&A)の新しいMedieval & Renaissance Galleries中世ヨーロッパルネサンス・ギャラリー)が今日12月2日にオープンした。私は、華やかでいて素朴なタッチの、この時代のアートが好きなので、このギャラリーのオープニングを楽しみにしていた。計10室のギャラリーには、ローマ帝国の没落からルネッサンス時代の終わりまで、紀元300年から1600年頃までの美術品約1800点を展示。繊細な彫刻や本等の小さなものから、教会の内部、ステンドグラスや階段等、イングランドで作られた美術品からスペイン、フランス、ドイツ、イタリア等の芸術品まで、幅広いコレクションからは、当時のヨーロッパの芸術と文化を垣間見ることができる。ゆっくり観ていると一日がつぶれそうな、見応えたっぷりのギャラリーだ。ルネサンス時代の芸術はよく知られているけれど、文化が停滞した「暗黒時代(the dark ages)」と呼ばれる中世にも、宗教美術等を中心に、素晴らしい芸術が存在していたのだなと感心。

The Victoria & Albert museum (V&A) opens its new Medieval & Renaissance Galleries today, after spending 7 years and £31.7m of cost. I was looking for its opening, as I like lavish but realistic and simple medieval art.  The 10 galleries occupying 2 floors are filled with more than 1,800 objects from AD300 to 1600; the fall of the Roman Empire to the end of the Renaissance period. From small objects like sculptures and books to large artifacts such as church interiors, stained glasses and staircases, a wide variety of the collection range from the objects from Spain, France, Germany and Italy, to abundant works of art made in England, and it tells the story of European art and culture of the periods. You can spend many hours just looking at these beautiful masterpieces in the gallery. Renaissance art is widely known but I was impressed that magnificent artworks and crafts, especially religious art, also existed during the middles ages, often called “the Dark Ages,” – a period of cultural decline.

9月頃、まだ工事中だったギャラリーを見学する機会があった。既にいくらか展示品が置いてあったものの、まだ足場や木枠がそこら中に置いてあって、こんなに素晴らしいギャラリーに仕上がるとは全然予想できなかった。さすがV&A、イギリスを代表する美術館の一つだけあって、素晴らしいギャラリーに仕上がっている。1,800もの美術品が置かれているのに、すっきりレイアウトされていて広々としており、心が落ち着く。他の多くのイギリスの美術館・博物館のように、このギャラリーも入場料無料。Heritage Lottery Fund(歴史的建造物等の国民的遺産を保護するための、宝くじ収益金)から£975万ポンドの援助があった他は、全て寄付金でまかなわれたそうだ。さすが、芸術や歴史的遺産の保護に熱心な国民性だけある。本当に素晴らしいギャラリーなので、中世やルネッサンス美術に興味がなくても、機会があればぜひ行ってみてください!

We had a chance to observe the galleries under construction in September. There were some works already there but there are wooden frames and construction materials all over, and I never thought it would be transformed to such a magnificent and elegant galleries. That’s V&A – everything they do is always impressive! It is amazingly spacious, though the galleries contain almost 2,000 artifacts, and truly tranquil. And the admission is absolutely free (though some amount of donation is suggested), as many other British museums and galleries! Other than £9.75m grant from the Heritage Lottery Fund, the cost of making the galleries was covered by donations. It is highly recommended to visit the gallery, no matter if you are interested in Medieval & Renaissance art or not – it is spectacular, and I liked it a lot!

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