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Blue Jasmine @ Everyman Screen on the Green

ロンドン三部作であるMatch Pointマッチポイント)、Scoop (タロットカード殺人事件)、Cassandra’s Dreamウディ・アレンの夢と犯罪)、そしてVicky Cristina Barcelonaそれでも恋するバルセロナ)、Midnight in Parisミッドナイト・イン・パリ)、To Rome with Loveローマでアモーレ)と、近年ヨーロッパで映画を多く撮っていたウディ・アレンの最新作「Blue Jasmine」を見に行った。私はずっと、ウディ・アレンはアメリカ、特にニューヨークを舞台にした人間関係のしがらみを扱ったら天下一品だと思っていたが、Blue Jasmineはドンピシャ。久しぶりに彼の真骨頂を見た気がする。日本ではまだ未公開らしいが、あらすじは以下の通り。

リッチなビジネスマンの夫・Hal(アレック・ボールドウィン)とニューヨークで優雅な生活を送っていたJasmine(ケイト・ブランシェット)は、ある日何もかも失い、サンフランシスコの狭いアパート住むシングルマザーの妹・Ginger(サリー・ホーキンス)の元に転がり込んだ。ジャスミンは精神的に不安定で望まぬ暮らしぶりにうまく適応できず、精神安定剤とウォッカの助けで何とかこの苦境に耐えている。「負け犬(losers)」のような妹の元夫やボーイフレンドの下品さにも我慢できない。自分の洗練されたスタイルとテイストを活かしてインテリアデザイナーとして成功するという苦し紛れに思いいた夢をかなえるため、仕方なく歯科医の受付として働くが、そこでは医者のセクハラに遭う。そこに現れたのが、ジャスミンの美しさとエレガントさに一目惚れした外交官のDwight(ピーター・サースガード)。過去の栄光を取り戻す希望の星となるかと思えたが、彼女が自身の過去についてついた嘘が悲劇的な結末をもたらす。

この映画はコメディだ。可笑しいんだけれど、優しくて金持ちの夫と豪邸に住み、ニューヨークの社交界で華やかな生活を送っていた女性が家族も財産も全て失い、プライドだけが残った彼女にとって堪え難い「普通」の生活の中で精神を病んでいく姿が痛々しい。最初は鼻持ちならないと思ったけれど、それでも一縷の望みを頼りに必死に生きていこうとするジャスミンに最後は深い同情を覚える。そんなジャスミン役のケイト・ブランシェットの演技も素晴らしい。男性のウッディ・アレンが、自分の人生を守るために夫の違法行為に目をつぶったり小さな嘘をついたりする、女性の心の機微を見事に表現したのにも感心した。笑って泣ける、私的に5つ星のオススメ作品。

久しぶりに行ったエンジェルの映画館・Screen on the Green過去ブログ参照)は、今はEverymanというアートハウス系映画館の傘下となっていた。それに伴ってか、後ろ2列が居心地のいいソファー席になっていて、料金に2ポンド追加で家のリビングのように寛げる。後ろにはカフェ/バーもあり、コーヒーやワインを飲みながら映画を見ることも出来る。この映画館もお薦め。

Many of Woody Allen‘s recent films were shot in Europe, some of them in London such as Match Point, Scoop, and Cassandra’s Dream and others in Barcelona (Vicky Cristina Barcelona), Paris (Midnight in Paris)  and Rome (To Rome with Love). But I always think that he is a master when he portrays relationship issues among intellectuals and high society in New York, and his latest work, Blue Jasmine, is the one and the very best in recent years for me. Here is the synopsis.

After everything in her life falls to pieces, including her marriage to wealthy businessman Hal (Alec Baldwin), elegant New York socialite Jasmine (Cate Blanchett) moves into her sister Ginger’s (Sally Hawkins) modest apartment in San Francisco. Jasmine is in a fragile mental state and depends on anti-depressants and vodka. She doesn’t cope well with her undesired new life and still behaves like an aristocrat, and calls her sister’s boyfriend and ex-husband ‘losers’. She reluctantly works as the receptionist in a dentist’s office, with a improvised goal to study to be a successful interior designer with her sophisticated taste. One day, Jasmine meets Dwight (Peter Sarsgaard), a diplomat who is quickly smitten with her beauty, sophistication and style, and finds a hope to get back to high life. However, her lies about her past lead to another catastrophic blow to Jasmine.

This comedy-drama hilariously but painfully portrays fall of a woman who had everything but lost everything except her pride. I was annoyed with Jasmine’s arrogance at the beginning but gradually started to feel sympathy and to pity her. She is forced to live like an ‘ordinary’ people that causes her a nervous breakdown, but she tries to cope with hardship in her own way though a bit clumsy and bit unrealistic. Cate Blanchett did play the role perfectly, and I can’t think about any actress who can do better than her. Also I am impressed Woody Allen as a man, can perfectly describe woman’s nature – closing one eye on her husband’s infidelity and illegal activity or telling a ‘little’ lie to protect her own happiness. I give this film a 5-star.

I didn’t go to Angel’s cinema Screen on the Green (past blog) for a long time, and during the break, the cinema has become a part of Everyman Cinemas. Accordingly, comfy sofa seating called ‘Premier Seat’ is introduced at the last two rows, and there you can enjoy a film like you are in your living room, with extra £2.00. There is a café/bar at the back that serves you a refreshment at your own seat. The cinema is also recommended.

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National Trust: Cliveden @ Taplow, Buckinghamshire

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Cliveden(クリーヴデン)は、バッキンガムシャーTaplowにある、375エーカーの敷地を有するイタリア式大邸宅。1666年に2代目バッキンガム公ジョージ・ヴィリアーズによって建てられ、その後伯爵や公爵、プリンス・オブ・ウェールズなどの住まいとなった。

1893年にアメリカの大富豪・William Waldorf Astor子爵が購入し、その後、息子のWaldorfとその妻でイギリス最初の女性議員となったNancy Astorに邸宅が譲られてから、クリーヴデンの名が飛躍的に高まった。ナンシーは、チャーリー・チャップリン、ウィンストン・チャーチル首相、セオドア・ルーズベルト米大統領、ジョージ・バーナード・ショーなど、著名な俳優やセレブリティ、政治家、アーティストたちをもてなした。クリーヴデンはまた、「Cliveden set」と呼ばれる、1920〜30年代に政治に多大な影響力を持った上流階級の知識人のミーティング場所でもあった。しかし、クリーヴデンの名を世に知らしめたのは、1960年代に起きた「20世紀最大の英政界スキャンダル」、プロヒューモ事件だった。当時陸軍大臣であったジョン・プロヒューモが、モデルで売春婦だった21歳のクリスティーン・キーラーと出会ったのが、クリーヴデンで催されたプールパーティだったのだ。

1970年代はカリフォルニアにあるスタンフォード大学の海外キャンパスとして使われたが、現在はNational Trustの所有になっており、屋敷は5つ星ホテル「Cliveden House」にリースされている。

私たちがクリーヴデンを訪れたのは偶然にも、プロヒューモが下院で真相を追求された1963年3月21日から50周年に当たり、特別に邸宅が一般解放された日。幸運にも、普段は宿泊客しかアクセスが許されていないホテル内を見学する事ができた。宿泊料が1泊£252〜、最も高額なスイートルームになると1泊£1500以上する(部屋詳細)この高級ホテル内は、宿泊客のプライバシー保護のため、内部の写真は厳禁。以下の写真はホテルのウェブサイトから借用した。

Cliveden is an Italianate mansion and 375-acre estate in TaplowBuckinghamshire. Built in 1666 for George Villiers, 2nd Duke of Buckingham, the site has been home to an Earl, three Countesses, two Dukes, a Prince of Wales and the Viscounts Astor (history / Cliveden House Hotel website).

The fame of Cliveden went up since it was purchased by the America’s richest man William Waldorf Astor in 1893 and was given to his son Waldorf Astor, 2nd Viscount Astor and his wife Nancy Astor, who was the first female MP. Here, Nancy hosted actors and celebrities, politicians and artists, including Charlie Chaplin, Winston Churchill, Teddy Roosevelt and George Bernard Shaw. The house was also used as the meeting place of a group of upper class political intellectuals, the Cliveden set of the 1920s and 1930s. However, what made Cliveden famous was the notorious Profumo Affair in 1960s, one of the biggest British political scandal named after John ProfumoSecretary of State for War: in 1961, Profumo met an English former model and showgirl Christine Keeler, at a house party at Cliveden.

During the 1970s, it was occupied by Stanford University of California, who used it as an overseas campus. Today owned by the National Trust, the house is leased as a five-star hotel Cliveden House.

The day we went to Cliveden was coincidentally the 50th anniversary when Profumo made the statement to the House of Commons (Wikipedia), and the visitors were specially allowed to tour around this gorgeous mansion, where normally only guests have an access. The price of the room starts £252 and the most expensive suite room is over £1,5oo per night (rooms) – what a lucky day for us! Unfortunately taking a photo was not permitted to protect guets’ privacy, so I took those photos below from the hotel website.

1989年の英映画「スキャンダル(Scandal)」の「プールパーティ」のシーンが撮影されたプール。

The swimming pool was featured in the scene of “pool party” in the British film Scandal (1989).

屋敷の南側にある、4エーカー(16,000m2)もの広大なパルテールは、ヨーロッパ最大規模。

The parterre to the south of the house is one of the largest in Europe at 4 acres (16,000 m2)

Long Garden (two photos above)

給水塔 / Water tower

Pier Paolo Pasolini: Mamma Roma @ BFI Southbank

 BFI Southbankでは3月1日〜4月30日まで、Mのお気に入りの映画監督の一人、ピエル・パオロ・パゾリーニの2部構成回顧シリーズが開催中。最近修復されたバージョンの作品が多く上映されている(作品紹介とスケジュール)。

映画監督で作家、詩人、言語学者、画家と多才な才能を持ち、政治思想を歯に衣着せぬ物言いで表現したパゾリーニは、同時代の中でも最も挑発的で物議を醸す監督の中の一人。ローマ近郊の砂浜で非業の死を遂げたことでも有名だ(Wikipedia)。彼の一匹狼的な左翼思想と挑戦的な同性愛は、ヨーロッパ人のアイデンティティの元であるキリスト教と多神教への皮肉と批判とともに、多くの作品中に見てとれる。ネオレアリズモをルーツとする彼は、伝統的映画製作のルールに従わなかったことでも知られるが、同時に映画を詩的なものへと作り替え、ルネッサンス期の絵画に影響を得た絵画的構成を映像に用いた。その作品は、ライナー・ヴェルナー・ファスビンダーデレク・ジャーマンガス・ヴァン・サントマーティン・スコセッシなどにも影響を与えている。

ジャン=リュック・ゴダールもそうだけれど、必要以上に挑発的で不合理、隠喩を用いた難解なパゾリーニのスタイルは正直好みではないのだが、ファシズムと第二次世界大戦後のイタリア社会の底辺を生きる人々の現実を描いた、Mamma Romaマンマ・ローマ / 1962年)は面白そうなので見に行った。アンナ・マニャーニ扮する主人公のマンマ・ローマは、ローマに住む元娼婦で、愛する一人息子が幸せになるためなら、人を罠にかけたり恐喝まがいのことまでする、典型的な「息子LOVE」のイタリア人ママ。でも、そうやって自分を犠牲にしてまで息子に尽くした母の物語は悲劇に終わる。彼女のすることはちょっと行き過ぎとしても、子を思う母の気持ちは万国共通、共感を覚えると同時に、残酷な運命が心が痛む。希望の象徴であるローマ郊外の新築の住宅地とローマ時代の廃墟のコントラストを背景にした映像は美しいが、でもそこはパゾリーニ。そこに生きる人たちの振る舞いや顔つきはお世辞にも美しいと言えず、その言葉遣いは野卑で下劣でもある。ローマで少年時代を過ごしたMは、その時代の貧困層の人たちはあんな感じだっただろう、と言うから、それこそネオレアリズモ、現実を忠実に描き出した作品なのだろう。いい意味でも悪い意味でも心に残る作品。

From March 1 to April 30, BFI Southbank has been hosting the comprehensive two-part retrospective season of the Italian director Pier Paolo Pasolini, one of M’s favorite film directors of all time. Many of the films shown are recently restored versions (film details & schedule).

A director, novelist, poet, linguist, painter and journalist with an outspoken political agenda, Pasolini was one of the most controversial and provocative directors of his day, who tragically ended his life on the beach near Rome (Wikipedia). His non-aligned leftism and defiant homosexuality can be seen in many of his films, as well as his cynical and critical view of religions, both Christian and pagan, as a foundation of European identity. With his roots in the neorealism he ignored the rules’ of conventional film, and reinvented the language of cinema as a kind of poetry and used tableau compositions inspired by Renaissance painting. Pasolini’s works have inspired some renown filmmakers, including Rainer Werner Fassbinder, Derek Jarman, Gus Van Sant and Martin Scorsese.

I am not a big fan of Pasolini’s style which was often unnecessarily provocative, scandalous, absurd, and too metaphoric to understand, the similar reasons why I don’t love Jean Luc-Godard either. But I went to see Mamma Roma (1962), because this film shows real people who struggled to live after the Italian Fascist era and World War II. Mamma Roma is a mother who does everything, even trapping and blackmailing others, to make her dearest and only son to live a decent life, not like hers, but the movie ends badly despite of her sacrifice and effort (detailed plot). Overall, I enjoyed this film a lot. Ex-prostitute, Mamma Roma (Anna Magnani) is a stereotypical Italian mother who loves and protects her beloved only son with all the cost though sometime too much, but also an universal mother figure who only hopes her child’s happiness, so everyone can understand and sympathize with her way of living, though it may not be the right way. The cinematography is beautiful and atmospheric, showing the contrast between the newly built housing complex and Roman ruins in suburb of Rome. Some languages are rather immoral and vulgar. According to M who spent his teenage years in Rome, some Romans who live in impoverished area at that time could be like that, so I guess the movie is ultra-realistic in a way. 

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Here is a little information from Venice, sent by the artist Stefano Devoti who made an art work for the London’s restaurant In Parma By Food. He is in venice now at the Fiorenzo Fallani studio that host “Nice to Print You” program, where you can have an unique opportunity to work with a print master. You can also visit the studio full of contemporary art history, to bring home an unique object done by their hands – if you have a plan to visit this beautiful city of Venice and do something unique.

 

Hitchcock Sculpture @ Gainsborough Studios

Cortadoの入居しているGainsborough Studiosは、ゴーモン=ブリティッシュ・ピクチャーの姉妹会社で、かのアルフレッド・ヒッチコックも作品を撮影したという映画会社・Gainsborough Pictures(ゲインズボロ映画)の撮影スタジオがあった場所。建物自体は、Great Northern & City Railwayというムーアゲート駅フィンズベリー・パーク駅を結ぶ鉄道のための発電所として1900年頃に建てられ、後に改装され、1924〜1951年の間、映画撮影スタジオとして使われていた。スタジオは2002年に取り壊され、2004年に居住用アパートに生まれ変わった。

往年の映画スタジオを記念して、アパートの中庭には、巨大なヒッチコックの頭像がでーんと置かれているのだが(BBC)、私の目には、どう見ても仏様にしか見えない。。。

Gainsborough Studios where Cortado is housed, is used be a film studio of Gainsborough Pictures, which was a sister company to the Gaumont British and where Alfred Hitchcock made his first films. Built as a power station for the Great Northern & City Railway in about 1900, it was later converted to movie studios which had been active between 1924 and 1951. Then the studios were demolished in 2002, and residential flats were built on the site in 2004.

Commemorating this former film studios, the gigantic head of Hitchcock is placed in the courtyard of the complex (BBC). But to my eyes, this looks more like grumpy Buddha, rather than Hitchcock…

William Klein + Daido Moriyama @ Tate Modern

テートモダンの「William Klein + Daido Moriyama」(10月10日〜2013年1月20日)展は、アメリカ人フォトグラファーで映像作家のウィリアム・クラインと、1960年代の「プロヴォーク」ムーブメントで名を上げた森山大道という二人の写真家の、1950年代〜現代までの作品を展示。スナップショット、ブレやボケの意図的使用、粒子の粗いモノクロ写真といったヴィジュアル的に似た作風、そして、都市の貧困やグローバリゼーション、反戦デモやゲイ・パレードといった、人々の日常生活や政治的抗議行動を作品対象とするなど、共通点の多い二人の作品が同時に鑑賞できる。また、写真のみならず、グラフィックデザインを取り入れた、パイオニア的作品も展示されている。

最初の7部屋はクラインの作品室で、彼のホームタウン・ニューヨークや東京、ローマなどのストリート写真、ファッション写真、タイポグラフィーをモチーフとした初期の絵画、フォトグラム、「ポリー・マグーお前は誰だ?」や「ミスターフリーダム」等の風刺映画、コンタクトシート(ベタ焼き)にペイントを施した作品など、彼の抽象画家、映像作家、ドキュメンタリー作家、グラフィックデザイナーとしての多彩な作品群が見られる。対照的に、後半の森山大道の6室は、良く知られた東京の都市風景を撮影した作品や、様々な道路や高速の車窓からの光景、北海道の街角を捉えたスライドショー等、写真が主で、彼や他の写真家が自身の作品の発表の場とした雑誌「プロヴォーク」も展示されている。

確かに普通の人々や日常生活をテーマにした粒子の粗いモノクロの写真という作風は似ているが、作品から受ける印象は全く違う。対象に自身の存在を知らしめ、対象と交流して得た反応を撮る事を好んだクラインの作品は、エネルギーに満ち、対象が生き生きしている。逆に、森山の作品は、対象とは感情的に距離を保ち、時に挑戦的かつセンセーショナルに都会の暗部を見せつける。田舎の風景は、牧歌的で情緒があるというより、うら悲しくてどこか陰鬱だ。この展覧会を見る限りでは、私はクラインの写真の方が好きだな。

→写真上はクライン、下は森山作品。森山氏のインタビュー記事。参照写真:BBC / Telegraph

Tate Modern’s “William Klein + Daido Moriyama (Oct 10 – Jan 20, 2013)” is double retrospective of the influential American photographer and filmmaker William Klein and Japanese photographer Daido Moriyama who merged from Japanese Provoke movement of the 1960s. With work from the 1950s to the present day, the exhibition demonstrates the visual affinity between their urgent, blurred and grainy style of photography and also their desire to convey street life and political protest, from anti-war demonstrations and gay pride marches to the effects of globalisation and urban deprivation. The exhibition explores not only photography itself but also pioneering use of graphic design to their works.

First seven rooms showcase Klein’s street shots in his native New York as well as Tokyo and Rome, fashion shoots, early paintings incorporating typography, photograms, satirical films of Mister Freedom and Who Are You Polly Maggoo?, and painted contact sheets, to prove his diverse talent as abstract painter, filmmaker, documentarian and graphic designer. Unlike Klein’s wide-ranging works, Moriyama’s 6 rooms after Klein’s focus more on photography, especially his well-known cityscapes of Tokyo, as well as scenes from the various routes and highways throughout Japan, close-ups of everyday objects, slideshow of northern island of Hokkaido, and the issues of Provoke magazine in which Moriyama and his contemporaries showcased their works.

Both photographers captured the ordinary people and lives in grainy black & white photos. But impressions from their works are quite different. Klein wanted the viewer to be aware of his own presence at the scene and interacted with his subjects to provoke a response. His photos are vibrant and powerful. On the other hand, Moriyama emotionally detaches from his subjects, and his photos of urban life often provocative and sensational, disclosing darker side of the city that you don’t want to see. The scenes of the isolated countryside are sad and depressing, instead of peaceful or picturesque. Overall, I have to say that I prefer Klein to my fellow Japanese, Moriyama in this exhibition.

→above photos: Klein’s / below: Moriyama’s. More photos: BBC / Telegraph

Red Market: Pop-Up Street Food Market @ Old Street

Old StreetとGreat Eastern Streetが枝分かれする角の空き地で、夏限定のフードマーケット・Red Marketが現在開催中。昨年は夜のみのナイト・マーケットだったこのマーケット、今年は7月6日に始まり最初の2週間は週末のみだったけれど、7月21日〜9月2日の平日は昼12時から夜11時まで終日オープンしている(土曜は午後5〜10時、日曜は休み)。

グラフィティ・アートで覆われたビルに囲まれた2万平方フィート(約1858平方メートル)の広場には、ハンバーガーやイタリア、オーストリア、ハンガリー、地中海風メゼ、ジャパニーズなど、世界のストリート・フードを売る屋台がぐるり並び、昼はランチを求める人たち、夜はフード&ドリンクを楽しむ人々で賑わう。→写真:Time Out / Red Gallery / Zagat

クローズまで間もないけれど、折りにつけ、パラリンピックのパブリックビューイング、映画上映、ライブ・ミュージック等のイベントも開催されるので、興味がある人はマーケットのサイトを要チェック。

Pop-up street food market Red Market is currently running on an empty space where Old Street and Great Eastern Street meet. This market opened only at night last summer, but this summer it opens from 12 noon to 11pm daily on weekdays from July 21 to September 2 (Saturdays: 5-10pm, close on Sundays), though first two weeks from July 6th opened only on weekend.

There are world street food vendors such as hamburger, Austrian sandwiches, Hungarian, Mediterranean meze, and Japanese in this 20,000 ft² (=1858 m²) space, surrounded by buildings colorized with various graffiti art. The market attracts hungry stomachs looking for lunch and snacks during the day, and hip creators enjoy food & drinks at night. →photos: Time Out / Red Gallery / Zagat

Not much time left until its closing, but if you are interested, check their website for special events such as public viewing for Paralympics, film screening, and live music etc.

子供が遊べる小屋と大きなクッション、おもちゃが置かれた砂場 / children’s playground with kid’s house and sand area equipped with toys and big cushions

ベルギー人アーティスト・Roaのグラフィティ(過去エントリー参照)の前の置かれたピンポン台で遊ぶ人たち / People playing ping-pong in front of graffiti by Belgian artist Roa (see past entry)

Edvard Munch: The Modern Eye @ Tate Modern

テート・モダンで新しく始まった「Edvard Munch: The Modern Eye」展(6月28日〜10月14日)は、エドヴァルド・ムンクの20世紀の作品を集めた展覧会で、主にオスロのムンク美術館から貸し出された、60点の絵画と映像・写真作品を展示している。ノルウェー出身のムンクは19世紀象徴主義の画家で、20世紀初頭のドイツ表現主義にも影響を与えたことで知られる。残念ながら彼の代表作である「叫び」の展示はないけれど、ムンクの作品の特徴である同じテーマの繰り返し、セルフ・ポートレートへの執着、そして映画や写真といった当時としては画期的なメディアや技術の作品への影響にスポットを当て、違った角度から彼の作品に光を当てている。

ムンクは、「The Sick Child(病める子、1885–1927)」や「Girls on the Bridge (橋の上の少女たち、1902–27。写真上)」など、長年に渡って、同じモチーフを使用して違うバージョンの作品を多く制作した。写真を用いて描いた、「Self-portrait: Between the Clock and the Bed (自画像:時計とベッドの間、1941)」などのセルフ・ポートレートも、繰り返し描かれたテーマの一つ。また彼の作品には、顕著な前景や強調された対角線など、20世紀に発展した映画や写真技術の影響も多く見られ、「Workers on their Way Home (帰途につく労働者たち、1913–14)」に見られるような、人物像がこちらに向かってくるかのような視覚トリックや、「The Artist and his Model(画家とモデル、1919–21)」における、劇場の舞台の照明効果なども、作品に取り入れた。1930年代に入り、病気によって視力が衰えると、その視力の衰えの影響を反映した作品を描いている。

この展覧会には、「叫び」のように衝撃的な作品はないが、ダイナミックな構図や深みのある色彩を用いたムンクの作品の数々からは、彼の心の闇や痛みがひしひしと伝わってくる。叫びがあまりにも強烈なだけに、少し地味に感じるかもしれないけれど、心に残る展覧会で、私は好きだ。→写真:BBC

Tate Modern’s new exhibition “Edvard Munch: The Modern Eye” (Jun 28 – Oct 14) examines the work of Norwegian painter Edvard Munch (1863–1944) from the 20th century, including 60 paintings as well as his work in film and photography, many from the Munch Museum in Oslo – though his best known work of “The Scream (1893) is missing. Munch has traditionally been portrayed as a 19th-century symbolist or pre-expressionist who influenced German Expressionism in the early 20th century. This exhibition shows us his works from a different angle and highlights his use of single motifs, his preoccupation with self-portraiture, and the influence of contemporary media on his work.

Munch often repeated a single motif over years in order to re-work it and created several different versions, such as The Sick Child (1885–1927) and Girls on the Bridge (1902–27: in the photo above). He adopted photography in the early 20th century and focused on self-portraits, which he obsessively repeated, such as in Self-portrait: Between the Clock and the Bed (1941). Influence by technological developments in cinema and photography can be seen on much of his works, such as use of prominent foregrounds and strong diagonals, and the visual trick of figures moving towards the spectator as in Workers on their Way Home (1913–14). He also created striking effect in some of his works such as The Artist and his Model (1919–21), using electric lighting on theatre stages. In the 1930s he developed an eye disease and made works which charted the effects of his degenerating sight. 

Many of his works on display are not as shocking and dreadful as The Scream, but his paintings with dynamic composition and use of deep colours scream out the same pain and anguish Munch had suffered through his life. Understated yet powerful exhibition, and I like it. → more photos: BBC