Ed Ruscha: Fifty Years of Painting @ Hayward Gallery

アメリカ人現代美術アーティスト、エド・ルシェの50年間の作品78点を集めた回顧展「Ed Ruscha: Fifty Years of Painting」が、サウスバンク・センターにあるHayward Gallery（ヘイワード・ギャラリー）で1月10日まで開催されている。ルシェは、18歳で故郷のオクラホマシティを離れ、ロスの学校でグラフィックデザインとファインアートを学んだ後、ロサンゼルスをベースに活動を続けている。アメリカの日常生活から題材を取ったイメージと言葉（タイポグラフィー）を結合させたカラフルな作品は、時にポップアートムーブメントと結びつけられるが、概念芸術、現実主義、超現実主義等とジャンルを超えた作品を作り続ける彼自身は、安易に特定のカテゴリーに入れられるのを嫌う。

政治的メッセージの強い作品や抽象的すぎる作品等、あんまり好きじゃないものもあるけれど、印刷物、グラフィックデザイン、映画、写真への造詣を反映した、シンプルで平坦なタッチの彼の作品を集めたこの回顧展は、私の中では、今年見た展覧会の中でもトップの部類に入る。ルシェは、ありきたりの退屈な日常風景を、概念やドラマを与えることによって、生き生きと描き出す。展覧会のポスターにも使われている「Standard Station」や、「The Old Tech-Chem Building」などの産業施設を描いた作品は、ダイナミックさを与える斜線の多用、題材のまわりのゆったりとしたスペース、そしてミニマリスト的なアプローチが、印象に残る。また、映画の影響の大きい「Exit」「The End」等、80年代〜90年代初期の白黒の作品は物寂しげで心つかまれるし、これらの作品とは対照的に、「The Mountain」を代表とする近年の山をテーマに描かれた作品は、明るい空を背景に丁寧に描き込まれている山々と、山とは何の関係もない、シンプルなタイポグラフィーの組み合わせが，何故か清々しい気分にさせてくれ、心洗われる。

なお、ヘイワード・ギャラリーは、金曜日は夜10時まで開館、金曜6〜10時の間に入場すると「2 for 1（1人分の値段で2人入場できる）」割引を実施中。バウチャーは、「2 for 1 voucher」をクリック。詳細は、southbankcentre.co.uk/ruschaで。

Hayward Gallery‘s “Ed Ruscha: Fifty Years of Painting” is the first major UK retrospective of American artist Ed Ruscha featuring 78 of his paintings, running until January 10, 2010.

Since Ruscha left Oklahoma City where he grew up at the age of 18 to study fine art and graphic design in Los Angeles, he has been based in Los Angeles. His flat but colorful paintings of common objects and use of text on his works have often linked with the Pop Art movement, but Ruscha is also considered as a conceptualist, a realist and a surrealist, though he defies such easy categorisation.

Though some of his works are not my cup of tea, such as pieces which are too political or too abstract, but this is one of my favorite exhibition of this year. Embracing his interest in printed matter, graphic design, cinema and photography, Ruscha enliven mundane everyday life objects and cityscape of Los Angeles by adding theme and drama to them. I like “Standard Station” which is one of his most known work and used for the exhibition poster, and a series of paintings of industrial facilities such as “The Old Tech-Chem Building“, with his minimalist approach to the subjects; use of diagonal lines which gives dynamic effect, and generous space around the subject. His 80’s ~ early 90’s black & white film-like somber works such as “Exit” and “The End” are moving and touching. On the contrary to these melancholic works, his recent pieces with ‘mountain’ theme including “The Mountain“, elaborately drawn mountain with beautiful blue sky and superimposed type which doesn’t have any connection to the mountain, are strangely refreshing and inspiring.

Hayward Gallery opens until 10 pm on Fridays, and  they have 2 for 1 offer on entry from 6pm to 10pm until the show is over. To get this offer, click 2 for 1 voucher. For details, check http://www.southbankcentre.co.uk/ruscha.

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John Baldessari: Pure Beauty @ Tate Modern

アメリカ人コンセプチュアル・アーティスト（概念芸術家）、ジョン・バルデッサリ（John Baldessari）の回顧展「Pure Beauty」が、テート・モダンで開催中だ（2009年10月13日〜2010年1月10日）。

カリフォルニア生まれのバルデッサリは、60年代に、文章と絵画を組み合わせた作品で、概念芸術家のパイオニアとして名をなしたが、1953年から66年までの初期の絵画作品を「火葬」していると新聞に発表した時は、芸術界を驚かせた。その後、関心を絵画から写真作品に向け、時には映画のスチル写真や捨てられたゴミ等を使い、作品を製作。彼は文章として、または視覚的映像としての「言葉」に関心を持ち、画像とテキストを並列した作品も多い。78歳になった今もなお現役で作品を作り続けており、今年のヴェネツィア・ビエンナーレでは、オノ・ヨーコ氏とともに生涯業績部門の金獅子賞を受賞した。彼の作品は、シンディ・シャーマンやデビッド・サーレ、バーバラ・クルーガー等のアーティストたちにも大きな影響を与えている。

バルデッサリの作品は、私の好きなスイス・スタイルのデザイナーの作品、特にヨゼフ・ミューラー＝ブロックマンやマックス・ビルのグラフィック・デザインを思い起こさせる。この展覧会を見るまで、バルデッサリの存在も作品も知らなかったのだけれど、彼のシンプルで大胆、カラフル、そしてウィットとユーモアに富んだ作品のファンになってしまった。

An American conceptual artist John Baldessari‘s retrospective “Pure Beauty” is currently open at Tate Modern (13 Oct. 2009  –  10 Jan. 2010).

Making his name as a pioneer of conceptual art in the 1960s with his text and image paintings, California-born Baldessari shocked the art world when he announced in a newspaper that he was ‘cremating’ all his artworks of 1953 – 66. Then he turned his attention to photographic works, often incorporating found film stills and dumped material from which he created photo-compositions. Baldessari often juxtaposes text with images, deriving from his interest in ‘language,’ both written and visual. As an age of 78,Baldessari still produces new works, and he received the Golden Lion for Lifetime Achievement at the Venice Biennale this year together with Yoko Ono. His works has big influence on other artists such as Cindy Sherman, David Salle, and Barbara Kruger.

Baldessari’s works remind me of some graphic works by “Swiss Style” designers, including Josef Müller-Brockmann and Max Bill – two of my favorite graphic designers. I’ve never heard of him before this exhibition, embarrassed to say, but I became a a fan of his simple and bold, often colorful and witty works!

Annette Messager: The Messengers @ the Hayward Gallery

ヘイワード・ギャラリーで、フランス人アーティスト、アネット・メサジェの回顧展「The Messenger」が、３月４日から５月２５日まで開催されている。アネット・メサジェは、ヨーロッパのコンテンポラリー・アート界の第一人者。ロンドンに来る前に、東京・森美術館（「アネット・メサジェ：聖と俗の使者たち」展）でも催されていたようなので、ご覧になった方もいるかもしれない。この展覧会は、1970年代から現在までのメサジェの作品を展示。ぬいぐるみ、布、毛糸、写真やスケッチ等の様々な素材を用いた彼女の作品は、「聖と俗、ユーモアと恐怖、愛と悲しみ、女性と男性、動物と人間、子供と大人、生と死、表と裏など、人間の相反する複雑さを日常の視点から浮き彫り」にする（森美術館展覧会概要より）。

メサジェは、2005年ヴェネチア・ビエンナーレでフランスを代表した最初の女性アーティストで、ピノッキオの童話のクジラに飲み込まれるエピソードに基づいた作品「カジノ」で、金の獅子賞を受賞した。糸で吊るされた奇妙な形の動物や人形が上下し、床にはロープで引きずられる「牛の死体」がおかれた「 Articulated-disarticulated」（2001−2年制作。上の写真）は、イギリスはもとよりフランスも震撼させた狂牛病事件に触発された作品。下の写真は、展覧会で最も最近の作品「Inflated-Deflated」（2006年）。巨大な人間の体や内臓の部位に似せて作られた物体が、交互に膨らんだり縮んだりする。

時にグロテスクで残酷だが、なぜかリラックスするこの展覧会だが、こちらの新聞・The Timesのアート批評家の評価は、残念ながら良くないし、私もこの記事に同感だ。アーティスト本人にとっては深い意味があるのだろうが、見るものにとっては意味不明の、典型的なconceptual art（概念芸術）か。

From March 4 to May 25, the retrospective ‘Annette Messager: The Messengers’ is held at the Hayward Gallery. French artist Annette Messager is one of a leading contemporary artist in Europe. The retrospective Annette Messager: The Messengers, which already been seen in Paris, Finland, Korea and Japan, presents an overview of the artist’s career since 70’s. Her works, using of a repertoire of forms and materials (among them soft toys, stuffed animals, fabrics, wool, photographs and drawings), explores

‘the various dichotomies and contradictions inherent in the human condition: religion and secularity, humor and fear, love and pain, woman and man, animal and human, childhood and adulthood, life and death, surface and substance’ (quotes from the exhibition description by Mori Art Museum in Tokyo)

Messager is the first woman to represent France at the Venice Biennale, and won a Golden Lion for her installation ‘Casino‘, based loosely on the story of Pinocchio (episode of being swallowed by a whale), which is a large size installation in a dark room. ‘Articulated-disarticulated‘ (2001-2) , in a picture above, with strange shaped stuffed animals/dolls ow whatever on strings moving up and down while ‘dead cow’ being dragged on a rope, is supposedly inspired by the incident of mad cow disease. Picture below is her most recent work in the show ‘Inflated-Deflated‘ (2006), a room size installation with giant shapes of human body parts alternatively being inflated and deflated.

These grotesque but strangely relaxing works, unfortunately, didn’t get a good critique by The times newspaper, and I have to agree in many ways. Probably the works have a deep meaning to Messager, but viewers just can’t understand. Another ‘crappy’ conceptual art??