Damien Hirst @ Tate Modern

イギリス現代アート界の風雲児、ダミアン・ハーストの大規模回顧展「Damien Hirst」が、9月9日までテートモダンで開催中だ。90年代に台頭したヤング・ブリティッシュ・アーティスト（YBAs）の第一人者である彼は、大手広告代理店サーチ・アンド・サーチ社長／美術コレクター／サーチ・ギャラリー創設者である Charles Saatchi（チャールズ・サーチ）氏に、その才能を見いだされ、動物のホルマリン漬けや腐乱死体など「死」をテーマにした作品でアート界に衝撃を与えた。これらの作品に対する評価は賛否両論。それでも現代美術の数々の賞を受賞し、世界にその名を轟かせた。1999年以来、盗作疑惑も取りざたされたりもしたが、トップアーティストの地位を確立、現在彼の作品はコレクションのみならず投資のターゲットとして億単位で売買されている。総資産額（2010年調べ）はなんと2億1500万ポンド。イギリスで最も金持ちのアーティストでもある。

展覧会では動物死体のインスタレーションの他、白いキャンバスに様々な色の水玉を規則的に配置した「spot paintings」、回転する円形のキャンバスに描いた「spin paintings」、そして薬局を再現した「Pharmacy」、蝶をモチーフにしたカラフルな絵画、タバコの吸い殻を使ったインスタレーション等々、ハーストの代表作が一挙展示されている。ユニークなのは、たくさんの生きた蝶を展示室内に放したインスタレーション「In and Out of Love (White Paintings and Live Butterflies)」（1991年）。展示室は温室になっており中は蒸し暑く、蝶が飛び交っている。でも、死んでいる蝶もいて、ちょっと可哀想。

ダミアン・ハーストの作品はあちこちで目にするので食傷気味、大きな期待をせず見に行ったけれど、これだけの数の作品が一堂に揃っているとやはり圧巻。大きな作品も多く見応えがある。ただ、動物愛護主義者じゃないけれど、牛や羊、サメのホルマリン漬け（科学博物館じゃないんだから）やハエがたかった動物の死体（かなり生臭いので、鼻の利く人は注意）、煙臭い吸い殻の展示は意味不明でいただけない。残念だったのは、待ち時間が長過ぎて、地上階の小室に置かれた「For the Love of God」を見られなかったこと。しばらく前、この作品に似た、ダイアモンドっぽい石で飾られた頭蓋骨がガラスケースに入れられて、オールドストリート近くの建物から運び出されるのを見た。警備員も付いていなかったので本物じゃないとは思うけど。

The most prominent member of the Young British Artists (YBAs) and best known British modern artist, Damien Hirst‘s major retrospective, ‘Damien Hirst‘ is currently running at Tate Modern until September 9th. His talent was founded by  Charles Saatchi, a co-founder of global advertising agency Saatchi & Saatchi and famous art collector who opened the Saatchi Gallery. He became famous for a ‘death’ theme series of preserved dead animals, which caused the sensation to the world of modern art. Some people love him, and some others hate him – but he won some prestigious art prizes and now he established a status of one of the world’s leading artists whose works are in high demand, both for collections and for investment, and are sold for millions of pounds (though he has been accused of plagiarising several times since 1999). His wealth was valued at £215m in the 2010 Sunday Times Rich List, which made him Britain’s wealthiest artist.

The exhibition gathers Hirst’s major artworks together with above mentioned “dead animals”, such as “spin paintings” created on a spinning circular surface, “spot paintings” with rows of randomly coloured circles, installation of pharmacy recreation, colourful paintings with butterfly motif, and installation of cigarette butts. The unique one is “In and Out of Love (White Paintings and Live Butterflies)” (1991), a temperature-controlled room (hot & humid) with dozens of live butterflies flying all over. It was sad to see some dead butterflies, though.

Before going the exhibition, I didn’t expect much as I saw his works everywhere and thought it was too much. However, seeing a large amount of his works in one place was quite impressive and actually I enjoyed the show – though I hate the smell of cow head full of flies (really nauseating!) and believe that installations of stinky cigarette butts as well as dead animals like shark, sheep and cow in immersed in formaldehyde (it’s not a science museum!) are bad taste and pointless. One regret is that I missed to see “For the Love of God“ exhibited in a small hut located on the ground floor, because of a long queue. A while ago (few years ago?), I saw someone carrying similar looking diamond-decorated human scull in a glass case, out of one building near Old Street. I am not sure if that was ‘it’, but I doubt as there was no security guard around…

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Alighiero Boetti: Game Plan @ Tate Modern

イタリア人コンセプチュアル・アーティスト、アリギエロ・ボエッティの回顧展「Alighiero Boetti: Game Plan」が、テート・モダンで5月27日まで開催されている。ボエッティは、1960年代後半に既成の芸術に反抗し、工業素材や石や木など単純素材を用いた、イタリアの前衛的美術運動・アルテ・ポーヴェラ（「貧しい芸術」）の一員として活躍。この展覧会が、テート・モダンで開催される、アルテ・ポーヴェラ系アーティストの初の個展となる。

トリノ出身のボエッティは、フィアットを中心とする自動車産業の中心であるトリノと関連する工業用素材を使用、後に切手やボールペン、雑誌の表紙などを使って作品を創っている。この展覧会では、建築素材を使用した建造物、ボールペンを使ったドローイング、飛行機を描いた水彩画、世界の河川のリスト、アフガン人の手で作られた、数値システムをベースにしたパターンが織り込まれたキリム、そして彼の代表作である、各国の上に国旗の織りを入れた世界地図シリーズ「Mappa」等、様々な作品を展示している。ボエッティは遠方の地に興味を持ち、エチオピア、グアテマラ、アフガニスタンといった国を旅した。1971年にカブールを訪れた後、71〜79年の間、アートプロジェクトとしてカブールでホテルを設立、そこで「Mappa」等カラフルで大きな刺繍作品を創っていた。また秘儀や神秘的なものへの関心や、60年代〜70年代のイタリアの日常や政治に呼応した作品など、その作風はバラエティに富んでいる。

ボエッティのことは全く知らずに観に行ったのだが、派手派手しさはないものの、彼の几帳面さ、細部へのこだわりが伺える展覧会で、中々面白かった。

Italian conceptual artist, Alighiero E Boetti‘s retrospective, “Alighiero Boetti: Game Plan” is currently running at Tate Modern until May 27th. Boetti is a key member of Arte Povera group of young Italian artists in the late 1960s, which was working in radically new ways using simple materials. This is the first solo show by an Arte Povera artist at Tate Modern.

Turin-born Boetti used industrial materials associated with Turin, Italy’s automotive manufacturer centre, and later made works using postage stamps, ballpoint pens, and magazine covers. His work in the exhibition includes constructions made with building materials, biro drawings, watercolour paintings of aeroplanes, lists of rivers,and woven kilims made by Afghans with patterns based on numeric systems, as well as a series of embroidered world maps in which each country features the design of its national flag, Mappa, which is his most renown work. Boetti was interested in faraway places and made a trip to places such as Ethiopia, Guatemala and Afghanistan. After travelled to Kabul in 1971, he set up a hotel in Kabul between 1971 – 79 as an art project and created large colourful embroideries such as Mappa. He was also fascinated by esoteric and mystical thought, and was responsive to everyday conditions in Italy and to its politics in the 60s-70s. 

I’ve never heard of Boetti before I saw this exhibition. Though  Boetti’s work is not attention-grabbing or glitzy, but I quite enjoyed the show and his work with his attention to details and methodical approach.

“Mappa (Maps)” room

Aerei, 1978

Tutto,  Afghan embroidery on fabric

Newspeak: British Art Now @ The Saatchi Gallery

Duke of York Squareに行った時に、隣接するDuke of York’s HQにあるSaatchi Gallery（サーチ・ギャラリー）で、「Newspeak: British Art Now Part II」展（〜4月30日）を観た。このギャラリーは、広告代理店「サーチ・アンド・サーチ」（Saatchi & Saatchi）の共同創業者で、アート・コレクターのチャールズ・サーチ氏が、自らのコンテンポラリー・アート・コレクションを公開するために、1985年に北ロンドンのSt John’s Wood（セント・ジョンズ・ウッド）に設立したもの。その後、2003年にサウスバンクの旧ロンドン市庁舎（カウンティ・ホール）に移転、そして2008年にはDuke of York’s HQに再移転。そのオープニングには、「The Revolution Continues: New Chinese Art（革命は続く：新しい中国アート）」と題した中国の現代アーティスト展を開催し、話題を呼んだ。サーチ・ギャラリーはその25年間の歴史の中で、ダミアン・ハーストやトレイシー・エミンを代表とするYBA（ヤング・ブリティッシュ・アーティスト）をはじめ、無名の新進アーティストを発掘・作品の発表の場を提供、数々の論議を巻き起こしながらも、イギリスのアート界に大きな影響を与え続けてきた。昨年7月、サーチ氏は200以上のコレクションとギャラリーを政府に寄贈することを発表、「Museum of Contemporary Art for London」となるのだそう（BBCニュース）。なんて太っ腹な。

オープンから約1年半経つのというのに、この新しいギャラリーに来たのは、実は今回が初めて。今回観た、イギリスの現代アートを紹介する「Newspeak: British Art Now Part II」は、強烈な印象を持つ作品や心に残る作品が見当たらない、少し小粒な展覧会だったけれど、4フロア計13室の新しいギャラリーは以前の少し薄暗い建物に比べ、明るく広々としていて、気持ちがいい。入場料も無料なので、気軽に足を運べるのも嬉しい。ただ、ギャラリー前の公園は立ち入り禁止なのが残念。アート鑑賞後、リラックスするのに最適の場所なのに。

When we went to Duke of York Square, we also saw  “Newspeak: British Art Now Part II” exhibition (– April 30) at the Saatchi Gallery at nearby Duke of York’s HQ. Charles Saatchi, an art collector and the co-founder of global advertising agency Saatchi & Saatchi, opened the gallery in 1985 in order to exhibit his contemporary art collection to the public in St John’s Wood, North London. The gallery moved to County Hall on the Southbank in 2003, then to Duke of York’s HQ in 2008 with inaugural exhibition of “the Revolution Continues: New Chinese Art,” showcasing emerging contemporary Chinese art. The gallery has discovered many unknown artists including Damien Hirst and Tracey Emin as well as other YBAs and brought them to stardom, but also often caused media controversy, but it has been giving a big impact on British art throughout 25 years of its history. Last year, it was announced that more than 200 works and the gallery would be given to the British public, becoming the Museum of Contemporary Art for London (BBC news) – how generous of Mr. Saatchi!

It was the first time for us to visit the gallery in this new location, though it reopened a year and half ago. “The Newspeak: British Art Now Part II“, exhibiting emergent British contemporary art, didn’t offer us much without any strong impression nor eye-opening experience, but new gallery space with total of 13 rooms on four floors is bright and airy, and pleasant place to enjoy art, with a big incentive of free admission. It is a shame that we couldn’t relax in the park in front, which was off limit, after stroll around this large gallery.

Ximena Garrido-Leccaの作品「The Followers」。花や写真、さまざまなオブジェで飾られた、母国のペルーの「nichos（ニチョス）」と呼ばれる壁墓（イタリアもそうだけれど、近年は場所の節約のため、壁にお墓が埋め込まれている）を再現した、キッチュな作品。

“The Followers” by Ximena Garrido-Lecca is a reproduction of a burial wall “nichos” from her native Peru, where it is customary to adorn graves with flowers, photographs and objects. Very kitsch.

私のお気に入りの作品、イギリス人アーティスト・Richard Wilsonの「20:50」。サーチ・ギャラリーで唯一のパーマネント・インスタレーションで、1991年からずっと展示されている。展示室13の床は、タイトルである「20:50」と呼ばれる、厚くて真っ黒なリサイクルされたエンジンオイルで覆われ、部屋の構造を映し出す。最初は床が黒い鏡でできているのかと思った。

My favorite work in the gallery, “20:50“, created by British artist Richard Wilson. This is the only permanent installation at the Saatchi Gallery and has been continuously shown in each of the gallery’s venues since 1991. The room 13 is entirely flooded in thick and pitch black oil, which the title “20:50” takes its name from the type of recycled engine oil used – it reflects the architecture of the room. Thought the floor was made of black mirror – great idea.

地下にあるショップ。

The museum shop on the lower ground floor.

どうやら、オーナーであるサーチ氏を偶然撮影してしまったらしい。カメラを構えている時は気づかなかったけれど、後からMに「あれは絶対彼だよ」と言われた。サーチ氏に似ているけれど、本当かな？

It seems that I happened to take a photo of Mr. Saatchi. I didn’t notice when I held my camera up, but M told me he believed it was him. Isn’t it him for real?!

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↓ 東日本巨大地震チャリティ情報 / Japan Earthquake & Tsunami Charity Information

• Central Saint Martins undergraduate degree shows: 生徒の皆さんにより、募金箱が設置されます（4月12日〜16日）/ there will be a donation box at the premise (April 12 – 16)
• RELAXATION AND HEALING: イギリス赤十字の「JAPAN TSUNAMI APPEAL」のためのチャリティ・イベント（4月23日） / Fundraising event in support of the British Red Cross “JAPAN TSUNAMI APPEAL” (April 23)
• Harrogate ‘Ohanami’ Cherry Blossom Picnic (May 2)：チャリティお花見ピクニック（5月2日）

Frieze Art Fair 2010 @ Regent’s Park

アート雑誌・Friezeの発行者が主催する、Frieze Art Fair（フリーズ・アート・フェア。10月14〜17日）は、毎年10月にリージェンツ・パークで開かれる国際現代アート見本市。世界各国から約150の現代アート・ギャラリーが参加し、期間中約68,000人が訪れる。見本市と言っても、来場者全員がアート関係者やバイヤーではなく、その80％はアートを鑑賞しにくる人たちで、フェアはロンドンの文化的エンターテインメント、または社交の場ともなっている。

ギャラリーのブースの他、Frieze Projectsが委託したアート作品が展示され、Auditoriam（写真下）ではアーティストなどのトークやイベントが行われる。また会場はかなり広く、歩き疲れた来場者が一休みできるよう、美味しいパンで有名なGail’sや、寿司カフェのMoshi Moshi、レストラン＆シャンパン・バーのHixも会場内に設置されている。

Frieze Art Fair is an international contemporary art fair that takes place every October in Regent’s Park, organized by the publishers of frieze magazine. Frieze Art Fair features more than 150 contemporary art galleries in the world, and attracts around 68,000 visitors. The purpose of the fair is selling work, but 80% of its visitors attend just to appreciate art and it has become also a London’s cultural entertainment and social event.

As well as gallery exhibitions, the fair also includes selected artists’ work commissioned by Frieze Projects, a talks program and an artist-led education schedule held at the Auditorium (photo below). The space is quite big and easy to get exhausted, but don’t worry. There are Gail’s serving beautiful pastries, Moshi Moshi sushi café, and restaurant & Champaign bar (of course, Champaign!) Hix are there to welcome you.

Frieze Projects作品の一つ、カルティエ・アワード2010受賞者で、日英ハーフのSimon Fujiwara（サイモン・フジワラ）の作品「Frozen」。会場の地下から架空の古代都市が発見されたというコンセプトのインスタレーションで、メディアでも取り上げられた（FT記事）。

One of the Frieze Projects commissioned work “Frozen” by 2010 Cartier Award winner and British/Japanese artist, Simon Fujiwara. He created an instllation based on the fictive premise that an ancient lost city has been discovered beniath the site of the fair. His unique concept attracts media attention (FT article).

Turner Prize 2010 Exhibition @ Tate Britan

ターナー賞の候補者4人の作品を展示する展覧会「Turner Prize 10」（10月5日〜1月3日）が、テート・ブリテンで始まった。今年で26年目となるターナー賞は、テート・ギャラリーが主催、テート・ブリテンで候補者の作品展示が行われる、イギリスで権威ある賞で、受賞者は12月に発表される。4月28日より過去12ヶ月に発表または展示された作品から候補が選ばれ、イギリス人またはイギリス在住で、50歳以下のアーティストに贈られる。過去の受賞者には、ギルバート&ジョージ、アニッシュ・カプーア、アントニー・ゴームリー、ダミアン・ハーストなど、イギリス現代アートを代表するアーティストたちが名を連ねる。ダミアン・ハーストのホルマリン漬けのサメや、トレーシー・エミンのコンドームやタバコ、日用品が散乱した自分のベッドを再現した作品など、これがアートか？という代物がノミネートされるなど、批判や論争がつきものの賞だ。

今年の候補者は、画家のDexter Dalwood（デクスター・ダルウッド）、スペイン人アーティストのAngela de la Cruz（アンジェラ・デラクルス）、インスタレーション・アーティストのSusan Philipsz（スーザン・フィリップス）、そしてビデオ、サウンド、テキストをミックスさせたマルチメディア作品がノミネートされたOtolith Group（オトリス・グループ）の４名。最初の部屋に飾られたダルウッドの作品は、カンバス上には描かれていない有名人の名前をタイトルにつけているのが特徴。彼のしっかりした色使いの大胆な画風は結構好き。オトリス・グループの「Otolith III」は、ビジュアルの形をとらなくても、アートは記憶と想像の中に存在すると言う理念を探求した作品、だそうだが、基本的にビデオ、しかもメッセージがストレートに伝わらない抽象的な作品があまり好きじゃない私は、忍耐が続かずスルーしてしまった。デラクルスの代表作は、木のストレッチャーにつけられたカンバスに、色を塗り、折ったり破いたりして、立体的な作品に仕立て上げたもの。奇をてらいすぎない正統派アート作品は、見ていて落ち着く。フィリップスの作品は、スコットランド民謡を歌いそれを録音、ギャラリーに設置された装置からその歌声を流すというものだが、これも即スルー。こんな音楽なら、ユーチューブで聞ける。

批評家の展覧会への評価は今イチ（BBCサイト）、作品も小粒ぞろいで、インパクトが薄い。衝撃的だというだけで受賞候補に選ばれることには同意しかねるけれど、イギリスアート界の旬の作品を発見すると言う本来の趣旨を考えると、ちょっと物足りない気がした。

The Tate Britain’s annual exhibition showcasing works of this year’s Turner Prize nominees, “Turner Prize 10” (October 5 – January 3, 2011) recently started at the Tate Britain. In its 26th year, the Turner Prize, organised by the Tate gallery and staged at Tate Britain, is an annual prize presented to an artist under fifty, born, living or working in Britain, for an outstanding exhibition or other presentation in the twelve months before 28 April 2010. The winner will be announced in December. A list of its past winners and nominees includes leading artists in British contemporary art world such as Gilbert & George, Anish Kapoor, Antony Gormley, and Damian Hirst. The Turner prize is known that it often causes controversies. For example, a shark in formaldehyde by Damien Hirst and a recreation of Tracey Emin‘s untidy bed surrounded by condoms and cigarettes and other stuffs created a big debate of “what is art?” in the past.

This year’s nominees are painter Dexter Dalwood, Spanish artist Angela de la Cruz, sound installation artist Susan Philipsz and the Otolith Group with its work explores the moving image, sound and text. Dalwood’s works in the first room of the exhibition are characterized by its titles that evokes the presence of an absent celebrity without actually depicting him or her. The paintings themselves are just ordinary paintings, but I kind of like the bold colors and compositions. The next is the Otolith Group’s “Otolith III”, which explores the idea that a work of art exists in memory and the imagination even if it doesn’t exist in visual form. I left the room soon as I don’t fancy abstract video works in general and my patience ran out quite fast. De la Cruz typically works on a piece of canvas attached to a wooden stretcher and then paints, fold, tear, tuck it to make an abstract object. Her rather traditional and conventional artworks that don’t provoke or ‘shock’ us make me feel comfortable to look at. I walked through fast Philipsz’s work in a empty room playing her singing a Scottish folk song, simply because I just didn’t get it – I can listen to that kind of music on YouTube at home on my computer.

Art critiques’ reviews about this year’s exhibition are generally not good (BBC article), and I was not strongly impressed as well. I don’t agree with some “contemporary art” which gets an attention just because it is shocking or appalling, but it seems to me that this year’s choice does not meet the expectation of the public to “discover what’s new in British art now”.