In Astratto: Abstraction in Italy 1930-1980 @ Estorick Collection

エンジェルにあるEstorick Collection（エストリック・コレクション）で開催中の「In Astratto: Abstraction in Italy 1930-1980」展（6月27日〜9月9日）は、リグーリア州にある３つの現代美術館のコレクションを元に、1930年代から80年代までの50年に渡るイタリア抽象美術の発展を紹介している。この展覧会では、歴史における抽象アート、 Movimento Arte Concreta（具体芸術運動）、Concrete（コンクリート・アート）、アンフォルメル、コンセプチュアル・アート、オプ・アート、Analytical Painting（分析的画法？）という、6つのテーマ毎に作品が展示されている。

イタリアにおける抽象美術は、ジャコモ・バッラといった未来派アーティストたちの試みから始まった。第一次から第二次世界大戦にかけて、Mario Radice（マリオ・ラディーチェ）、Manlio Rho（マンリオ・ロー）、Osvaldo Licini（オズヴァルド・リチーニ）、Enrico Prampolini（エンリコ・プランポリーニ）といった多くのアーティストたちが抽象美術を発展させ、Forma（フォルマ）などのアート・グループに属したGiulio Turcato（ジュリオ・トゥルカート）、Piero Dorazio（ピエロ・ドラーツィオ）、Achille Perilli（アキーレ・ペリッリ）等、戦後アーティストたちに影響を与えた。1948年には、ブルーノ・ムナーリとAtanasio Soldati（アタナシオ・ソルダーティ）が、厳密な幾何学的アプローチが特徴のMovimento Arte Concreta（具体芸術運動）を設立。これに対し、Renato Birolli（レナート・ビロッリ）、Giuseppe Capogrossi（ジュゼッペ・カポグロッシ）、Emilio Vedova（エミリオ・ヴェドバ）は、より表現的なアンフォルメル的アプローチを取った。

1960年代を通じ、イタリア抽象美術の立役者たちは、コンセプチュアル・アートへの道を開き、ルーチョ・フォンタナの切り裂いたキャンバス、ピエロ・マンゾーニの「Achromes（アクローム：無色）のような新しい絵画的アプローチを生み出した。エンリコ・カステラーニ、Agostino Bonalumi（アゴスティーノ・ボナルミ）、Paolo Scheggi（パオロ・シェッギ）の作品は、絵画の制約を超え、キャンバスを成形、伸張、階層化させ2次元と3次元の境界を曖昧にし、Franco Grignani（フランコ・グリニャーニ）やDadamaino（ダダマイーノ）は、オプ・アートに傾倒。コンセプチュアル・アートやアルテ・ポーヴェラといった実験的アートの隆盛の後は、古臭いと思われていた純粋な形や色彩の審美的クォリティが再評価され、「Analytical Painting（分析的画法？）」が取り入れられた。

世界的に有名なイタリア・ルネッサンスアートなどと違い、イタリア抽象美術は地味であまり知られていないけれど、ロシアやフランス、アメリカと言った抽象アートの有名どころと違う場所で、抽象絵画がどのように発展・表現されてきたかを観るのはなかなか興味深い。私的には、イブニング・スタンダード紙の批評はちょっと厳しすぎる気がする。そんなに悪くないと思うんだけれど。

Latest exhibition at Estorick Collection in Angel,  In Astratto: Abstraction in Italy 1930-1980 (June 27 – September 9) explores 50 years of innovation in Italian abstraction. This exhibition draws on the collections of the Liguria‘s three modern and contemporary art museums. The installation is arranged in six thematic and chronological sections: Historical Abstraction; MAC (Movimento Arte Concreta) and ‘Concrete’ Research; Art Informel; Towards the Conceptual; Optical-perceptual Research and Analytical Painting-New Painting.

Abstraction developed in Italy out of the experiments of Futurist artists such as Giacomo Balla. It evolved during the inter-war years by many artists such as Mario Radice, Manlio Rho, Osvaldo Licini and Enrico Prampolini, and influenced post-war artists belonging to groups such as Forma, including Giulio Turcato, Piero Dorazio and Achille Perilli. A rigorously geometric approach characterised the work of the Movimento Arte Concreta, founded in 1948 by Bruno Munari and Atanasio Soldati. Reacting against this, artists such as Renato Birolli, Giuseppe Capogrossi and Emilio Vedova adopted a more painterly approach during the 1950s in accordance with the more expressive Art Informel.

Certain key figures of Italian abstraction paved the way for the innovations of conceptualism and pioneered novel approaches that developed throughout the 1960s. Like Lucio Fontana’s slashed canvases and Piero Manzoni’s Achromes, the work of artists such as Enrico Castellani, Agostino Bonalumi and Paolo Scheggi transcended the restrictions of painting, blurring the boundaries between two and three dimensions by shaping, stretching and layering of their canvases. On the other hand, Franco Grignani and Dadamaino attempted the perceptual experiments of Op Art. During the following decade, the ‘Analytical Painting’ was brought to Italian abstraction, rediscovering the aesthetic qualities of pure form and colour, following the conceptual art and Arte Povera.

In compare to famous Italian Renaissance art, Italian abstraction is rather modest and may not be considered a masterpiece, but it is interesting enough for me to see how abstract art is developed and manifested in different culture other than more known French, Russian and American counterparts. I think Evening Standard review is a bit too harsh on them… I don’t think it is bad.

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Damien Hirst @ Tate Modern

イギリス現代アート界の風雲児、ダミアン・ハーストの大規模回顧展「Damien Hirst」が、9月9日までテートモダンで開催中だ。90年代に台頭したヤング・ブリティッシュ・アーティスト（YBAs）の第一人者である彼は、大手広告代理店サーチ・アンド・サーチ社長／美術コレクター／サーチ・ギャラリー創設者である Charles Saatchi（チャールズ・サーチ）氏に、その才能を見いだされ、動物のホルマリン漬けや腐乱死体など「死」をテーマにした作品でアート界に衝撃を与えた。これらの作品に対する評価は賛否両論。それでも現代美術の数々の賞を受賞し、世界にその名を轟かせた。1999年以来、盗作疑惑も取りざたされたりもしたが、トップアーティストの地位を確立、現在彼の作品はコレクションのみならず投資のターゲットとして億単位で売買されている。総資産額（2010年調べ）はなんと2億1500万ポンド。イギリスで最も金持ちのアーティストでもある。

展覧会では動物死体のインスタレーションの他、白いキャンバスに様々な色の水玉を規則的に配置した「spot paintings」、回転する円形のキャンバスに描いた「spin paintings」、そして薬局を再現した「Pharmacy」、蝶をモチーフにしたカラフルな絵画、タバコの吸い殻を使ったインスタレーション等々、ハーストの代表作が一挙展示されている。ユニークなのは、たくさんの生きた蝶を展示室内に放したインスタレーション「In and Out of Love (White Paintings and Live Butterflies)」（1991年）。展示室は温室になっており中は蒸し暑く、蝶が飛び交っている。でも、死んでいる蝶もいて、ちょっと可哀想。

ダミアン・ハーストの作品はあちこちで目にするので食傷気味、大きな期待をせず見に行ったけれど、これだけの数の作品が一堂に揃っているとやはり圧巻。大きな作品も多く見応えがある。ただ、動物愛護主義者じゃないけれど、牛や羊、サメのホルマリン漬け（科学博物館じゃないんだから）やハエがたかった動物の死体（かなり生臭いので、鼻の利く人は注意）、煙臭い吸い殻の展示は意味不明でいただけない。残念だったのは、待ち時間が長過ぎて、地上階の小室に置かれた「For the Love of God」を見られなかったこと。しばらく前、この作品に似た、ダイアモンドっぽい石で飾られた頭蓋骨がガラスケースに入れられて、オールドストリート近くの建物から運び出されるのを見た。警備員も付いていなかったので本物じゃないとは思うけど。

The most prominent member of the Young British Artists (YBAs) and best known British modern artist, Damien Hirst‘s major retrospective, ‘Damien Hirst‘ is currently running at Tate Modern until September 9th. His talent was founded by  Charles Saatchi, a co-founder of global advertising agency Saatchi & Saatchi and famous art collector who opened the Saatchi Gallery. He became famous for a ‘death’ theme series of preserved dead animals, which caused the sensation to the world of modern art. Some people love him, and some others hate him – but he won some prestigious art prizes and now he established a status of one of the world’s leading artists whose works are in high demand, both for collections and for investment, and are sold for millions of pounds (though he has been accused of plagiarising several times since 1999). His wealth was valued at £215m in the 2010 Sunday Times Rich List, which made him Britain’s wealthiest artist.

The exhibition gathers Hirst’s major artworks together with above mentioned “dead animals”, such as “spin paintings” created on a spinning circular surface, “spot paintings” with rows of randomly coloured circles, installation of pharmacy recreation, colourful paintings with butterfly motif, and installation of cigarette butts. The unique one is “In and Out of Love (White Paintings and Live Butterflies)” (1991), a temperature-controlled room (hot & humid) with dozens of live butterflies flying all over. It was sad to see some dead butterflies, though.

Before going the exhibition, I didn’t expect much as I saw his works everywhere and thought it was too much. However, seeing a large amount of his works in one place was quite impressive and actually I enjoyed the show – though I hate the smell of cow head full of flies (really nauseating!) and believe that installations of stinky cigarette butts as well as dead animals like shark, sheep and cow in immersed in formaldehyde (it’s not a science museum!) are bad taste and pointless. One regret is that I missed to see “For the Love of God“ exhibited in a small hut located on the ground floor, because of a long queue. A while ago (few years ago?), I saw someone carrying similar looking diamond-decorated human scull in a glass case, out of one building near Old Street. I am not sure if that was ‘it’, but I doubt as there was no security guard around…

Julian Opie Installation @ Barbican Centre

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バービカン・センターの屋外テラス・Lakesideに置かれている、イギリス人ビジュアル・アーティストJulian Opie（ジュリアン・オピー）のLEDインスタレーション作品。イギリスを代表する現代美術家のジュリアン・オピーは、フラットでポップな色使いに、太線と点で描かれた、ディテールを省いたシンプルな人物ポートレートが作風の、Michael Craig-Martin（マイケル・クレイグ・マーティン）と並んで、私のお気に入りのアーティストの１人。

この作品は、今年夏にバービカン・センターで開催されていた、「Watch Me Move: The Animation Show」の一環らしい。オレンジ色のLEDディスプレイ2台に、女性（左/写真）と男性（右/写真）が歩く姿が写し出されている。催眠術のように、ずーっと見ていても飽きない。

This is a LED installation by British visual artist Julian Opie, placed on the Lakeside outdoor terrace at the Barbican Centre. His signature portraits are characterised by minimal details composed of black outlines and circle and flat colours. He is one of my favorite artists, together with Michael Craig-Martin.

I believe that this work is a part of this year’s summer show “Watch Me Move: The Animation Show” at Barbican. Two orange LED displays, woman on the left (photo) and man on the right (photo), are showing them walking. It is hypnotic and I can watch them all day!

Ed Ruscha: Fifty Years of Painting @ Hayward Gallery

アメリカ人現代美術アーティスト、エド・ルシェの50年間の作品78点を集めた回顧展「Ed Ruscha: Fifty Years of Painting」が、サウスバンク・センターにあるHayward Gallery（ヘイワード・ギャラリー）で1月10日まで開催されている。ルシェは、18歳で故郷のオクラホマシティを離れ、ロスの学校でグラフィックデザインとファインアートを学んだ後、ロサンゼルスをベースに活動を続けている。アメリカの日常生活から題材を取ったイメージと言葉（タイポグラフィー）を結合させたカラフルな作品は、時にポップアートムーブメントと結びつけられるが、概念芸術、現実主義、超現実主義等とジャンルを超えた作品を作り続ける彼自身は、安易に特定のカテゴリーに入れられるのを嫌う。

政治的メッセージの強い作品や抽象的すぎる作品等、あんまり好きじゃないものもあるけれど、印刷物、グラフィックデザイン、映画、写真への造詣を反映した、シンプルで平坦なタッチの彼の作品を集めたこの回顧展は、私の中では、今年見た展覧会の中でもトップの部類に入る。ルシェは、ありきたりの退屈な日常風景を、概念やドラマを与えることによって、生き生きと描き出す。展覧会のポスターにも使われている「Standard Station」や、「The Old Tech-Chem Building」などの産業施設を描いた作品は、ダイナミックさを与える斜線の多用、題材のまわりのゆったりとしたスペース、そしてミニマリスト的なアプローチが、印象に残る。また、映画の影響の大きい「Exit」「The End」等、80年代〜90年代初期の白黒の作品は物寂しげで心つかまれるし、これらの作品とは対照的に、「The Mountain」を代表とする近年の山をテーマに描かれた作品は、明るい空を背景に丁寧に描き込まれている山々と、山とは何の関係もない、シンプルなタイポグラフィーの組み合わせが，何故か清々しい気分にさせてくれ、心洗われる。

なお、ヘイワード・ギャラリーは、金曜日は夜10時まで開館、金曜6〜10時の間に入場すると「2 for 1（1人分の値段で2人入場できる）」割引を実施中。バウチャーは、「2 for 1 voucher」をクリック。詳細は、southbankcentre.co.uk/ruschaで。

Hayward Gallery‘s “Ed Ruscha: Fifty Years of Painting” is the first major UK retrospective of American artist Ed Ruscha featuring 78 of his paintings, running until January 10, 2010.

Since Ruscha left Oklahoma City where he grew up at the age of 18 to study fine art and graphic design in Los Angeles, he has been based in Los Angeles. His flat but colorful paintings of common objects and use of text on his works have often linked with the Pop Art movement, but Ruscha is also considered as a conceptualist, a realist and a surrealist, though he defies such easy categorisation.

Though some of his works are not my cup of tea, such as pieces which are too political or too abstract, but this is one of my favorite exhibition of this year. Embracing his interest in printed matter, graphic design, cinema and photography, Ruscha enliven mundane everyday life objects and cityscape of Los Angeles by adding theme and drama to them. I like “Standard Station” which is one of his most known work and used for the exhibition poster, and a series of paintings of industrial facilities such as “The Old Tech-Chem Building“, with his minimalist approach to the subjects; use of diagonal lines which gives dynamic effect, and generous space around the subject. His 80’s ~ early 90’s black & white film-like somber works such as “Exit” and “The End” are moving and touching. On the contrary to these melancholic works, his recent pieces with ‘mountain’ theme including “The Mountain“, elaborately drawn mountain with beautiful blue sky and superimposed type which doesn’t have any connection to the mountain, are strangely refreshing and inspiring.

Hayward Gallery opens until 10 pm on Fridays, and  they have 2 for 1 offer on entry from 6pm to 10pm until the show is over. To get this offer, click 2 for 1 voucher. For details, check http://www.southbankcentre.co.uk/ruscha.

Mask II by Ron Mueck @ British Museum

今日、近くまで行く用事があったので、大英博物館にお茶をしに行った。ノーマン・フォスターという建築家が設計し、2000年12月に完成した、屋根付きの中庭「グレート・コート」にあるカフェは、広々としていて気持ちがいい。木、金曜日は、午後8時半まで開館しているので、お茶の後、少々館内を見学。あまりに広いので数部屋だけ見ただけだが、大英帝国時代に世界中から集めたコレクションに圧倒される。エジプトコレクション等は有名だが、タダ同然か戦利品として持ってきたものも多いだろう。パルテノン神殿の彫刻を巡って、ギリシャとの確執は有名だが、博物館側はギリシャに返還すれば、他の国からの返還要求も殺到すると恐れて、首を縦に振らないらしい。私自身は、その国の遺跡や美術品はその国にあるべきだと思う。でも、世界中の偉大なコレクションが一同に見れる大英博物館の存在意義もわかなくはないので、難しいところですね。

大英博物館は古いものだけでなく、現代美術も展示されている。現在、5人の現代彫刻家の作品を紹介するStatuephiliaを開催中。写真は、オーストラリア人彫刻家ロン・ミュエクによる、毛穴まで再現した超リアルな作品「MaskII」。

Today, we went to a cafe in the British Museum. The cafe in the Great Court, designed by architect Norman Foster and completed in December 2000, is very airy and relaxing. The museum opens till 8:30pm on Thursday and Friday, so we strolled around the museum after having an apple cake and cappuccino. We just saw few rooms, since it’s huge, and were overwhelmed by the vast collection from all over the world. Many of the artifacts might be brought back to UK as a trophy from their former colonies (?). The dispute with Greece about sculptures from the Pantheon is widely known, but one of the reason why the British Museum don’t agree to return is probably they are scared of the similar request from other countries. I believe that the artifacts should belong to where it came from, but at the same time I understand the meaning of the museum where we can see the great artifacts from all over the world in one place – it is a very difficult issue and need to be debated.

The British Museum exhibits not only old things but also modern arts as well. Currently  they host the exhibition Statuephilia, introducing the work of 5 contemporary sculptors. The picture above is ‘Mask II’ by Australian artist Ron Mueck – ultra realistic work that you can even see pores and tiny wrinkles.