Paul Klee: Making Visible @ Tate Modern

テートモダンで開催中のPaul Klee: Making Visible展（10月16日〜2014年3月9日）は、スイス生まれの20世紀ヨーロッパ・モダニズムの巨匠・パウル・クレーの回顧展で、ロンドンの今年秋・冬の目玉展の一つ。世界中のコレクションから、絵画、ドローイング、水彩画が集められ、クレー自身が決めた過去の展覧会での作品の展示の順序を、この展覧会で再現している。

全17室からなる展覧会では、クレーの作品を時系列に展示。ワシリー・カンディンスキーやフランツ・マルクとともにのミュンヘンで結成した表現主義画家たちの集まり・青騎士グループのメンバーとして、多彩な四角形を組み合わせた抽象的な独自の画風の確立した1910年代に始まり、教鞭をとったバウハウスでの10年間の作品、そしてナチス政権により「退廃芸術」のレッテルを貼られて新しい教職を剥奪されスイスのベルンに亡命した後、難病と闘いつつ多くの作品を生み出した晩年の作品へと続く。

クレーの作品の多くは小さいサイズだが、大きさに反比例し、その小さなカンバスは、豊かな色彩と自由な想像力に満ちている。見応えのある展覧会。

→Art Fundによる解説ビデオ

Paul Klee: Making Visible (Oct 16 – Mar 9, 2014) at Tate Modern is a major retrospective of the early 20-centry master of European modernism, Paul Klee, and one of the London’s must-see exhibitions this fall&winter. Paintings, drawings and watercolours from collections around the world are displayed alongside each other as Klee originally intended, often for the first time since Klee exhibited them himself.

This 17-room exhibition traces Klee’s career chronologically, beginning in Munich during the World War I, when he joined Der Blaue Reiter founded by Franz Marc and Wassily Kandinsky and established of his unique style of abstract patchworks of colour. It follows the decade of teaching and working at the Bauhaus, and his prolific final years in the 1930s in Bern, after he was dismissed from his teaching position by the Nazis and took refuge in Switzerland, as his works were labelled ‘degenerate art’ in Germany.

Most of his works are small in size, but on the opposite to its size, those are filled with rich colors and lots of imagination. Intriguing.

→The Art Fund’s introduction video to the exhibition

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Summer Exhibition 2013 @ Royal Academy of Arts

年間パスを持っている友人と一緒に、ロイヤル・アカデミー・オブ・アーツ（RA）で現在開催中のSummer Exhibition 2013展（6月10日〜8月18日）を見に行った。

1764年にスタートし、245年もの歴史を持つRAのSummer Exhibitionは、世界最大の公募展。有名無名のアーティストたちの、絵画、プリント、写真、彫刻、建築模型、映像など様々なカテゴリーの作品1270点が展示されている。応募要件（2013年時点）は、生存するアーティストなら誰でも、1作品につき£25払って2点まで応募出来る（RA ウェブサイト）。約5000人のアーティストの作品約1万点の中から委員会によって選ばれた約1000点の他に、80人のAcademiciansと呼ばれるRA会員の作品（一人6点まで）が加わる。大多数の作品は販売されており、アカデミーが販売価格の30％を受け取る仕組みで、その利益はアカデミーに通う学生たちのために使われるそう。値段はリーズナブルなものから高価なものまで様々で、数多く製作されたプリント作品などは、安価で手に入る物も。

→ Summer Showの詳細: makingamark.blogspot.co.uk

→ 写真: Guardian

Grayson Perry（グレイソン・ペリー。1部屋まるまる、彼のタペストリー作品シリーズ「The Vanity of Small Differences」6点のために使用されている)、Tracy Emin（トレイシー・エミン）、Frank Auerbach（フランク・アウエルバッハ）、Michael Craig-Martin（マイケル・クレイグ＝マーティン）、アニッシュ・カプーア、Ron Arad（ロン・アラッド）、アンゼルム・キーファー、 アレックス・カッツなど、有名アーティストの作品も、公募作品に混じって展示されている。展示作品の横には通し番号のみ、アーティスト名やタイトル、値段など一切書かれていないので、興味があれば、その番号を頼りにガイドブックを参照。

展覧会は玉石混淆、気に入った作品も？？と思うような作品も。でもアートの価値は見る人によって決まるから当然のこと。価格やアーティスト名が書かれていないから、先入観を持たずに鑑賞できるのも面白い。無名アーティストの中から将来大物になりそうな人を予想したり、「ウォーリーをさがせ!」じゃないけれど、有名アーティストの作品を探したりするのも一興。

I went to see the Royal Academy of Arts (RA) annual Summer Exhibition 2013 (Jun 10 – Aug 18) with my friend who has the annual membership.

The Summer Exhibition has 245 years history since 1764, and is the world’s largest open-submission exhibition. This year, it displays 1,270 works by emerging and established artists in different categories, including painting, printmaking, photography, sculpture, architectural models and film. As of year 2013, any artist (living, known or unknown) can submit up to two works with £25.00 fee per work (RA website). Around 1,000 works are selected by the committee from more than 10,000 entries from some 5,000 artists, and in addition to those work, all 80 Academicians are entitled to exhibit up to six works. The majority of works are for sale (prices are diverse, from affordable to ridiculous), and the Academy receives 30% of the price to help their students.

→ more details & facts of the Summer Show: makingamark.blogspot.co.uk

→ photos: Guardian

There is no artist’s name and title but only reference numbers on the exhibition walls, so you have to look up the yellow guidebook with the number for the artist, the title, and the price. Works by unknown artists are displayed side by side of the leading artists, such as Grayson Perry (one room is dedicated to his series of six tapestries The Vanity of Small Differences), Tracy Emin, Frank Auerbach, Michael Craig-Martin, Anish Kapoor, Ron Arad, Anselm Kiefer, and Alex Katz.

There are works I like and dislike – value of the art is up to the eyes of the beholder. But it is fun to see a variety of works in one place, and guess who will be the next big things among emerging artists, and which works are of the famous ones and whose.

Summer Exhibitionの期間中、RAの建物・Burlington House全面にかけられた、El Anatsuiの作品「TSIATSIA – searching for connection」。縦横15m x 23mという巨大なこの作品は、アルミのボトルキャップ、印刷版、屋根板などを使用して製作された。

El Anatsui’s “TSIATSIA – searching for connection“, decorating the the façade of Burlington House  for the duration of the Summer Exhibition.  This 15m x 23m wall-hanging sculpture is created from aluminium bottle-tops, printing plates and roofing sheets, and other materials.

Gary Hume Exhibition @ Tate Britain

昨日の続き。Gary Hume（ギャリー・ヒューム）は、ダミアン・ハーストなど同じGoldsmiths collageの卒業生とともに、ヤング・ブリティッシュ・アーティストを代表する一人で、1990年代初め頃、グロスペイントを施したhospital doorsシリーズで有名になった。テート・ブリテンのGary Hume展では、独特の色使いや筆致、構図で描かれた、過去約20年の絵画や立体作品約25点を展示している。

ヒュームは、鮮やかな色を好み、時に不調和と思える色の組み合わせを用いる。作品のモチーフは、母親や赤ん坊、友人、有名人などの人物、花や鳥などの自然や、雪だるまなど子供時代の思い出など。原形をわずかにとどめているものの、抽象画に近いほどゆがめたり細部を省略して、その主題を表現する。主な作品は初期の代表作・ Tony Blackburn (1993. photo galleryの4作目) や Blackbird (1998. 写真上)、そして最近の作品 Red Barn Door (2008) 等。

ヒュームの、キャンディーやアイスクリームを思わせる色使いは、とても美味しそうで、味見してみたくなる。彼の花や鳥の絵は、ユルいけれど力強くて好きなんだけれど、アンゲラ・メルケル（写真下）などの人物画は、ちょっとブラックで、落ち着かない気持ちにさせるものも。

Continue from yesterday’s topic. Gary Hume is one of the YBA (Young British Artists) artists, together with fellow Goldsmiths graduates such as Damien Hirst, and came to prominence in the early 1990s with his hospital doors in high gloss paint. Tate Britain’s Gary Hume exhibition, showcasing around 25 works, highlights his innovative use of colour, line and composition over the last 20 years. 

Hume uses strong and sometimes dissonant colour combinations, with recognisable images often fragmented to near abstraction. His favoured subjects are figures such as mothers and babies, friends and celebrities, as well as images drawn from nature or childhood including flowers, birds and snowmen. Highlights include iconic early works such as Tony Blackburn (1993. 4th on photo gallery), and Blackbird (1998. photo above), as well as recent paintings such as Red Barn Door (2008).

I like his use of candy or gelato colours (look yummy), and his paintings on flowers and animals such as Tulips (2009) and Blackbird (1998) are very impressive. However, some of his portraits and faces, such as Michael Jackson and Angela Merkel (below), are rather dark and make me feel uncomfortable. 

Angela Merkel (2011)

Schwitters in Britain @ Tate Britain

Tate Britainで開催中のSchwitters in Britain (1月30日〜5月12日）は、ダダイスム、構成主義、シュルレアリスムなど近代芸術運動で活躍し、詩、サウンド、絵画、彫刻、グラフィック・デザイン、タイポグラフィ、そして後にインスタレーションと呼ばれる様々な手法を用いたヨーロッパ・モダニズムの巨匠でドイツ人アーティスト、Kurt Schwitters（クルト・シュヴィッタース）の展覧会。Schwitters in Britain展では、戦争避難民として1940年にイギリスに到着してから1948年の彼の死まで、イギリスで活動していた期間の作品を主に、商品パッケージや新聞の切れ端などありふれた素材を使った150以上のコラージュや、彫刻作品、絵画などが展示されている。シュヴィッタースは、芸術目的のため、想像しうる全ての物を組み合わせる「メルツ」という概念を生み出し、found object（偶然見つけたもの）や日常生活の中にあるものを抽象的コラージュ、インスタレーション、詩、パフォーマンスに用いるスタイルを確立。彼の作品は、リチャード・ハミルトン、エドゥアルド・パオロッツィ、ダミアン・ハーストなど、後のイギリス人アーティスト達にも大きな影響を与えた。

シュヴィッタースは、自身の作品がナチス政府に「退廃芸術」との烙印を押されたことにより、1937年にドイツを離れ、最初の3年は息子が居たノルウェーに滞在。ナチスのノルウェー占領を機に、1940年にイギリスに渡ったが、敵国国民として1941年に解放されるまで各地の収容所で過ごした。その後、ロンドンのアート界で活躍、イギリス人アーティストや美術批評家と交流を深めた。1945年に湖水地方に移住、自然の素材を作品に使い始めた。また、出身地・ハノーファーで作り上げた建築的大規模構成作品・Merzbau（メルツ建築／メルツバウ）と呼ばれる作品の一環として、ここでもMerz Barn（メルツ小屋、物置）を制作した。展覧会は、シュヴィッタースの遺志を受け継いで、アーティスト・Adam ChodzkoとLaure Prouvostが制作した委託作品で締めくくられている。

戦時のムードや彼の避難民としての経験を反映してか、シュヴィッタースの抑えた色調の作品は、控えめで少し陰鬱な印象で、先日書いたリキテンスタイン展とは正反対。多くの人は、偉大なアーティストでモダンアートのパイオニアであるシュヴィッタースの作品に感銘を受けているのであろうが、私は何故か彼の有名なコラージュ作品群を見ても何とも感じないのだ。彼の正統派作品のポートレートや風景画（参照：FT / Guardian）は悪くないのだが、ただ単に私の好みじゃないのですよ。。。

→展覧会の写真：Guardian紙

Schwitters in Britain (January 30 – May 12) at Tate Britain is the major exhibition to examine the late work of German artist Kurt Schwitters, one of the major artists of European Modernism, who worked in several genres and media including Dada, Constructivism, Surrealism, poetry, sound, painting, sculpture, graphic design, typography and installation art. Focusing on his British period from his arrival in Britain as a refugee in 1940 until his death in 1948, the exhibition showcases over 150 collages, often incorporated fragments from packaging and newspapers, as well as sculptures and paintings. Schwitters invented the concept of Merz, ‘the combination, for artistic purposes of all conceivable materials’, and pioneered use of found objects and everyday materials in abstract collage, installation, poetry and performance. His work has influenced later British artists such as Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi and Damien Hirst. 

Schwitters was forced to flee Germany in 1937, when his work was condemned as ‘degenerate’ by Nazi government and first settled in Norway for  three years. He escaped to Britain in 1940 after the Nazi occupation of Norway but had been detained as an enemy alien until his release in 1941. Then he became involved with the London art scene, engaging with British artists and critics such as Ben Nicholson and Herbert Read. In 1945 Schwitters relocated to the Lake District, and began to incorporate natural objects into his work. The move also culminated in the creation of his sculpture and installation, the Merz Barn, a continuation of his Hanover architectural construction Merzbau. The exhibition ends with commissions by artists Adam Chodzko and Laure Prouvost made in collaboration with Grizedale Arts to explore the Schwitters’ legacy.

Schwitters work using muted colours is rather understated and somehow gloomy, probably reflected the atmosphere of the war time and his life experience as a refugee. Completely oposite to the ambience of the Lichtenstein exhibition. He must be a great artist and a pioneer of modern art, and probably many people love the exhibition, but I don’t feel anything by looking at his famous collages, though I like his conventional portraits and landscape paintings (such as in FT and Guardian). His work is just not my cup of tea…

→See more photos: Guardian

William Klein + Daido Moriyama @ Tate Modern

テートモダンの「William Klein + Daido Moriyama」（10月10日〜2013年1月20日）展は、アメリカ人フォトグラファーで映像作家のウィリアム・クラインと、1960年代の「プロヴォーク」ムーブメントで名を上げた森山大道という二人の写真家の、1950年代〜現代までの作品を展示。スナップショット、ブレやボケの意図的使用、粒子の粗いモノクロ写真といったヴィジュアル的に似た作風、そして、都市の貧困やグローバリゼーション、反戦デモやゲイ・パレードといった、人々の日常生活や政治的抗議行動を作品対象とするなど、共通点の多い二人の作品が同時に鑑賞できる。また、写真のみならず、グラフィックデザインを取り入れた、パイオニア的作品も展示されている。

最初の7部屋はクラインの作品室で、彼のホームタウン・ニューヨークや東京、ローマなどのストリート写真、ファッション写真、タイポグラフィーをモチーフとした初期の絵画、フォトグラム、「ポリー・マグーお前は誰だ?」や「ミスターフリーダム」等の風刺映画、コンタクトシート（ベタ焼き）にペイントを施した作品など、彼の抽象画家、映像作家、ドキュメンタリー作家、グラフィックデザイナーとしての多彩な作品群が見られる。対照的に、後半の森山大道の6室は、良く知られた東京の都市風景を撮影した作品や、様々な道路や高速の車窓からの光景、北海道の街角を捉えたスライドショー等、写真が主で、彼や他の写真家が自身の作品の発表の場とした雑誌「プロヴォーク」も展示されている。

確かに普通の人々や日常生活をテーマにした粒子の粗いモノクロの写真という作風は似ているが、作品から受ける印象は全く違う。対象に自身の存在を知らしめ、対象と交流して得た反応を撮る事を好んだクラインの作品は、エネルギーに満ち、対象が生き生きしている。逆に、森山の作品は、対象とは感情的に距離を保ち、時に挑戦的かつセンセーショナルに都会の暗部を見せつける。田舎の風景は、牧歌的で情緒があるというより、うら悲しくてどこか陰鬱だ。この展覧会を見る限りでは、私はクラインの写真の方が好きだな。

→写真上はクライン、下は森山作品。森山氏のインタビュー記事。参照写真：BBC / Telegraph

Tate Modern’s “William Klein + Daido Moriyama (Oct 10 – Jan 20, 2013)” is double retrospective of the influential American photographer and filmmaker William Klein and Japanese photographer Daido Moriyama who merged from Japanese Provoke movement of the 1960s. With work from the 1950s to the present day, the exhibition demonstrates the visual affinity between their urgent, blurred and grainy style of photography and also their desire to convey street life and political protest, from anti-war demonstrations and gay pride marches to the effects of globalisation and urban deprivation. The exhibition explores not only photography itself but also pioneering use of graphic design to their works.

First seven rooms showcase Klein’s street shots in his native New York as well as Tokyo and Rome, fashion shoots, early paintings incorporating typography, photograms, satirical films of Mister Freedom and Who Are You Polly Maggoo?, and painted contact sheets, to prove his diverse talent as abstract painter, filmmaker, documentarian and graphic designer. Unlike Klein’s wide-ranging works, Moriyama’s 6 rooms after Klein’s focus more on photography, especially his well-known cityscapes of Tokyo, as well as scenes from the various routes and highways throughout Japan, close-ups of everyday objects, slideshow of northern island of Hokkaido, and the issues of Provoke magazine in which Moriyama and his contemporaries showcased their works.

Both photographers captured the ordinary people and lives in grainy black & white photos. But impressions from their works are quite different. Klein wanted the viewer to be aware of his own presence at the scene and interacted with his subjects to provoke a response. His photos are vibrant and powerful. On the other hand, Moriyama emotionally detaches from his subjects, and his photos of urban life often provocative and sensational, disclosing darker side of the city that you don’t want to see. The scenes of the isolated countryside are sad and depressing, instead of peaceful or picturesque. Overall, I have to say that I prefer Klein to my fellow Japanese, Moriyama in this exhibition.

→above photos: Klein’s / below: Moriyama’s. More photos: BBC / Telegraph