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Yayoi Kusama Exhibition @ Tate Modern

水玉(Polka Dots)を多用した作品で知られる前衛芸術家・草間彌生さんの展覧会「Yayoi Kusama」が、現在テート・モダンで開催されており(〜6月5日)、絵画、ドローイング、彫刻、映像、コラージュ、パフォーマンス、インスタレーションなど、60年以上に渡って制作された作品の数々が展示されている。草間さんは、イギリスでは、故ジョン・レノンの妻・オノ・ヨーコさんに次いで有名な日本人女性アーティスト。この展覧会に際しご本人も渡英、真っ赤なおかっぱ頭にこれまた赤地に白い水玉模様のお召しものという、ド派手且つド迫力なお姿で、様々なメディアに登場した(ガーディアン紙)。

強迫性・反復性・律動性を特徴とする彼女の作品は多様。男根に似せたイソギンチャクのようなオブジェで覆われた「Sex Obsession(性への強迫観念)」シリーズ(写真上から2番目)や、マカロニを貼付けた「Food Obsession(食べ物への強迫観念)」、ショッキングピンクの着物を着てニューヨークの街を歩く草間さんを撮影した作品「Walking Piece」、裸の参加者が互いの体に水玉模様を施す1967年のパフォーマンス「Body Festivals」の様子を、他の作品とともに記録した映像「self-obliteration(自身の抹消:YouTube パート 1 / パート2)」、「The Clouds」「Accumulation sculptures」等大規模インスタレーション、そして目や鼻、水玉、横顔のセルフポートレート等をモチーフにした近年の極彩色の絵(写真下から二番目)と続き、合わせ鏡を使った幻想的な「Infinity Mirror Rooms(無限の鏡部屋:写真最下)」で締めくくられている。

長野県松本市出身の草間さんは幼少時からアートに興味を示し、若くして才能を開花。日本画を学んだが旧弊な日本画壇に失望、雑誌や本で独学でヨーロッパやアメリカのアバンギャルドを学ぶ。「too small, too servile, too feudalistic and too scornful of women(狭小で独創性がなく、前近代的で女性を軽蔑する)」だった当時の日本を離れ、1957年に世界のアートの中心・ニューヨークに渡る。当時西洋人男性が優勢を誇ったNYアート界で、アウトサイダーであるアジア人かつ女性という二重ハンデを負いながら、ドナルド・ジャッドアンディ・ウォーホルジョゼフ・コーネルクレス・オルデンバーグ等有名アーティストと交流を持ち、コンテンポラリー・アーティストとしての地位を確立した。1973年に体調を崩して帰国。幼い頃から幻聴・幻覚に悩まされていた草間さんは、現在82歳と言うご高齢ながらも、自身が「自宅」と呼ぶ入院先の精神病院からスタジオに日参、日々作品を創り続けている。その強迫的ともいえる制作活動は、自身の心理的トラウマからの逃避、言わばセラピーのようなものなのかもしれない。

まだまだアート界のみならず社会全体で女性の地位が低かった時代、しかも西洋人が東洋人を一段下に見ていた時代を力強く生き抜き、世界的アーティストとしての地位を得た後も、今でも情熱的に作品を創り続ける草間さんのパワーは、彼女の作品以上に興味深い。でも展覧会は少し拍子抜け、草間さんの溢れ出るエネルギーを全面的には表現しきれていないように思う。

A Japanese contemporary artist, well-known for her repeating dot patterns, Yayoi Kusama‘s retrospective “Yayoi Kusama” is currently running at Tate Modern until June 5th. The exhibition gathers her artworks over 60 years of her career in variety of media, including painting, drawing, collage, film, sculpture, performance art and installations. Kusama is the second known Japanese female artist in UK, after late John Lennon’s soul mate, Yoko Ono. Kusama came to UK on the opening of the show, and appeared all in red, not just red but bright red – red bob cut and the same red dress with big white dots (the Guardian article).

Kusama’s works are characterized by compulsion, repetition, and rhythmicity in a wide variety of mediums. In the exhibition, you see Accumulation sculptures such as phallus-covered Sex Obsession series (the second photo) and Food Obsession, consisting of objects covered with dry macaroni; Walking Piece, a series of colour slides with Kusama wearing a bright pink kimono walking the streets of New York; Self-Obliteration (YouTube Part 1 / part 2), a film documented her Body Festivals in 1967, in which naked participants were painted with brightly colored polka dots, along with images of her paintings and installations; large multi-part installations such as The Clouds and Accumulation sculptures; recent paintings with repeating motifs of eyes, flowers, hieroglyphic self-portrait in profile, and dots in an intense bright colours (second bottom photo); and mesmerising Infinity Mirror Rooms (bottom photo) that concludes the show.

Born in Matsumoto, Nagano Prefecture, she developed her passion for art from a young age, but at the same time started to suffer neurotic and obsessional symptoms. She studied Nihonga painting but was frustrated by its conventionality,   and started to teach herself about the European and American avant-garde from books and magazines. After her certain success in Japan, she decided to go to New York, center of the art world, in 1957, leaving Japan where is “too small, too servile, too feudalistic and too scornful of women.” Kusama came into contact with renown artists including Donald JuddClaes OldenburgAndy Warhol, and Joseph Cornell. She established herself as a prominent contemporary artist, with an identity of “outsider”, both as an Asian and as a woman in a male-dominated Western art world. In 1973, she returned to Japan in ill health. As an age of 82, she commutes to her studio from a mental institution where she lives and calls ‘home’ , and still work vigorously. Her obsessiveness in making art is largely coming from a desire to escape from psychological trauma, and art seems to be very therapeutic to her. →reference: LOUIS VUITTON×Yayoi Kusama site

Kusama’s life is more intriguing than her works for me. Her vitality and strength that helped her survive the tough period when the status of women and ethnic minority is subordinate, and made herself the most prominent female artist in Japan, is truly exceptional and amazing. However, the exhibition doesn’t succeed to fully express her power and intensity, unfortunately.

Migrations: Journeys into British Art @ Tate Britain

テート・ブリテンで1月31日から開催中の展覧会「Migrations: Journeys into British Art」(8月12日まで)に行った。イギリスにおける交通、政治、経済の発展は、多くの外国人アーティストたちを惹き付けてきた。この展覧会は、1500年代から現在まで、これらの「migrant(移住)」アーティストたちがイギリスのアート界に及ぼした影響を探求している。

16世紀に宗教改革八十年戦争等の混乱を避けてイギリスに移り住んだ、フランドルやオランダの風景・静物画家は、新しいスタイルの肖像画法をもたらし、北ヨーロッパからやってきた17世紀アーティストたちは、海や風景画といった新しい絵画のジャンルを導入した。18世紀には、イタリアで学び新古典主義を確立した様々な国のアーティストたちがロンドンに定住、1768年のRoyal Academy of Arts(ロイヤル・アカデミー・オブ・アーツ)設立にも貢献した。19世紀には、多くのイギリス人や、ジェームズ・マクニール・ホイッスラーといったアメリカ人アーティストが、パリでアートを学んだが、その後彼らはパトロンを求めてロンドンに移り住んだ。また同時に、普仏戦争から逃がれてきたフランス人アーティストたちも多かった。20世紀初期には、ユダヤ人アーティストやユダヤのアートが話題を呼び、1930〜40年代には、モンドリアンモホリ=ナジ・ラースローナウム・ガボなど、ナチスドイツを逃れてヨーロッパ中からやってきた人々がモダニズム主義を持ち込んだ。50〜60年代には旧植民地の国々からアートを学びにやってきたアーティストたちがモダニズムに傾倒、概念的アプローチを取り、カウンターカルチャーの一翼を担った。80年代はBlack Audio Film Collectiveなど、移民のバックグラウンドを持つアーティストたちが、アートを通して、人種的マイノリティとしての自分と、イギリス人としてのアイデンティティの模索を行った。Zineb SediraSteve McQueen(俳優のスティーブ・マックィーンと同姓同名のイギリス人アーティスト/映画監督)といった現代アーティストたちは、映像を使って現実をドキュメントし、またそのリアリティに疑問を投げかけている。

500年間に渡って、違う文化を持つアーティストたちとの交流によって形作られてきたイギリスのアートの変遷と、その背景にあるイギリス・世界の歴史を知ることができる面白い展覧会だと思うが、テートにしては、ちょっと小粒というかインパクトがないというか、あまり心に残らないのが残念。

写真:ガーディアン紙フォトギャラリー

We saw a Tate Britain‘s exhibition, Migrations: Journeys into British Art (January 31 –  August 12). Developments in transport, artistic institutions, politics and economics have attracted artists to come to Britain, and the exhibition exploring how British art has been shaped by migrant artists from abroad from 1500 to the present day.

In the 16th century, Flemish and Dutch landscape and still-life painters  including Anthony van Dyck, came to Britain through moments of political and religious unrest and  introduced a new style of portraiture. 17th century European migrants brought new genre, such as marine and landscape painting, to UK. During the 18th century, artists from different countries who studied in Italy and developed a neoclassical style, settled in London and contributed in founding of the Royal Academy of Arts in 1768. Many 19th-century British and American artists, such as Whistler, studied in Paris and established themselves in London for patronage, as well as French artists who also escaped the Franco-Prussian war and its political aftermath. In the early 20th century, Jewish artists and Jewish art were explored in Britain. In the 1930-40s, European artists such asMondrian, Naum Gabo and Laszlo Maholy-Nagy, escaped from Nazi Germany and brought modernist principles. In the 50-60s, artists from the Commonwealth countries came to study and engaged with modernism. They took a conceptual approach and became a part of a counterculture. In the 80s, British artists of immigrant backgrounds, such as the Black Audio Film Collective, explored race and national identity. Present time contemporary artists, including Zineb Sedira and Steve McQueen, use moving image for both documenting and questioning reality,

Migrations is an interesting exhibition, showing us the development of British art over 500 years, interacting with people from different cultures from time to time, as well as a bit of British and world history. But it lacks of punch in some way, and didn’t give me something that remains in my heart.

→more photos: Guardian photo gallery

Art by Animals Exhibition @ Grant Museum of Zoology, University College London

Vodpod videos no longer available.

世界各地の動物園にいるゾウ、オランウータン、ゴリラ、チンパンジーが描いた絵を展示するユニークな展覧会が、2月1日からユニヴァーシティ・カレッジ・ロンドンGrant Museum of Zoology(グラント動物学博物館)で始まった(開館:月〜金曜の午後1〜3時/入場料無料/3月9日まで)。これは、違う種の動物の絵画を集めた、恐らく世界初の展覧会だという。

類人猿の絵は、よく2〜3歳児の「scribble stage(落書き、殴り書きの段階)」に例えられるが、博物館のマネジャーによると、類人猿は写実的描写もでき、そのアートは創造性に富み、同じ技法を使った人間の抽象画と区別できないほどだという。それに比べ、訓練をされたゾウは、いつも同じものしか描けないが、木や花とはっきり分かるような具体的な絵を描くことができるそうだ。

猿の描いた絵画は17世紀のヨーロッパのアートに見ることができるが、それ以前にも存在していた可能性もあるそうだ。1950年代中頃から、動物園はアートや絵画を動物たちのレジャー活動に使ったり、その絵を売って資金を集めたりするようになった。その動物たちによるアートの人気は、抽象表現主義の台頭と時期が重なり、その類似性も指摘されている。

動物には「アート」と言う概念はおろか、アートを創っているという意識もないから、動物たちの作品をアートと呼ぶか議論のあるところだろうが、これらの自由で溌剌とした作品たちは、人間の創った数多の所謂「アート」に比べ、見劣りはしないし、何より見ていて楽しい。

→参照:BBC / Daily Mail

An unique exhibition displaying paintings created by elephants, orangutans, gorillas and chimpanzees in zoos across the world, has opened on February 1st in Grant Museum of Zoology at University College of London (Opening: Mon-Fri 1-3pm/free entrance/until March 9th). It is believed to be the first/one of the first exhibition to showcase paintings by different species.

Often ape art is compared to that of 2-3 year-old children in the ‘scribble stage’. According to the manager of the museum, art produced by apes is creative and can make images, and is almost undistinguishable from abstract art by humans that use similar techniques. On the other hand, elephants are trained to always paint the same thing and produce images that clearly resemble trees and flowers.

Images of monkeys painting date back at least to the 17th Century in European art. Since the mid-50s, zoos have used art and painting as a leisure activity for animals, as well as selling the pieces to raise funds, and the rise in popularity of animal art coincided with the abstract expressionist art movement.

Are these art? Obviously these animals don’t have a concept of art and are not aware of making ‘art’, but certainly these free-spirited paintings are cheerful and interesting to look at, even in compare to thousands of human ‘arts’ out there.

→reference:BBC / Daily Mail

Double Portrait: Ida Barbarigo and Zoran Music @ Estorick Collection

The Estorick Collection of Modern Italian Art(エストリック・コレクション)は、イズンリントンの閑静な住宅街にあるCanonbury Squareに面した、イタリアのモダンアートを扱う小さな美術館。Estorick Collectionは、アメリカ人社会学者で作家のEric Estorickによって設立、彼が死の直前に設立したEric and Salome Estorick Foundationに自分のイタリア・アートのコレクションを寄付した。1998年に現在地に美術館がオープン。コレクションの柱は、ジャコモ・バッラウンベルト・ボッチョーニカルロ・カッラジーノ・セヴェリーニルイージ・ルッソロといった未来派の作品だが、ジョルジョ・デ・キリコアメデオ・モディリアーニジョルジョ・モランディマリオ・シローニマリノ・マリーニなどイタリア人アーティストのフィギュラティヴ・アートや彫刻作品も保有する。

現在は、「Double Portrait: Ida Barbarigo and Zoran Music」展(写真上から2、3番目)を開催中。コレクションの創始者であるエストリック夫妻とも交友のあった、オーストリア=ハンガリー帝国スロヴェニア生まれでベニスを拠点にした画家・Zoran Mušičゾラン・ムジチ)とその妻でベニス生まれの画家・
Ida Barbarigo(イダ・バルバリゴ)の回顧展で、絵画、写真、手紙などが展示されている(参照:artdaily)。

また、1階にあるイタリアン・カフェで、日替わりランチやイタリアン・コーヒー、ケーキを注文し、建物の外の庭にあるテーブルで頂くのもお薦め。カフェだけなら入場料不要です。

The Estorick Collection of Modern Italian Art is a small museum devoted to modern Italian art, facing Canonbury Square in Islington‘s quiet residential area. The Estorick Collection was founded by American sociologist and writer Eric Estorick. He set up the Eric and Salome Estorick Foundation
 prior to his death, to which he donated all his Italian works. The museum opened in 1998 in the current location, and the core of the collection is its Futurist works by Futurism’s main protagonists such as Giacomo BallaUmberto BoccioniCarlo CarràGino SeveriniLuigi Russolo and Ardengo Soffici, as well as figurative art and sculpture by Giorgio de ChiricoAmedeo ModiglianiGiorgio MorandiMario Sironi and Marino Marini, dating from 1890 to the 1950s.

Current exhibition at the museum is “Double Portrait: Ida Barbarigo and Zoran Music” (2nd and 3rd photos), a retrospective of husband and wife artists based in Venice and close friends of Eric and Salome Estorick, Slovenian-born survivor of a Nazi concentration camp Zoran Mušič and Venetian Ida Barbarigo, including paintings, photographs and ephemera (reference: artdaily).

Having lunch and Italian coffee with cake from an Italian café on the ground floor
at outdoor tables in their cozy garden  is another way to enjoy the museum – and it is free entrance for the café only!

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“Miró” Exhibition @ Tate Modern

スペイン人シュルレアリスム・アーティスト、ジョアン・ミロの大規模回顧展「Miró」展(4月14日〜9月11日)が、1964年テート・ブリテンでの開催以来、約50年ぶりにテート・モダンで開かれている。

出身地のカタルーニャ地方をモチーフにした初期の作品から、アンドレ・ブルトンとの交友とシュルレアリスム運動への傾倒、勃発したスペイン内戦への不安や怒りと絶望感を反映した感情的な作品、そして原色を多用した三連祭壇画を代表とする、後期のバランスの取れた幅広い作品など、約60年に渡って、バルセロナとパリで作製された、150以上の絵画、ドローイング、彫刻、プリントが一堂に会している。

極めてラテン的で、明るく自由奔放、躍動感溢れるミロの作品は、肩の力が抜け、何だか楽しい気分にさせてくれる。人生に疲れた人にお勧め。美術館を後にする時、きっと心が少し軽くなっているはずです:)

Tate Modern‘s “Miró” exhibition, which is the first major retrospective of Spanish Surrealism artist Joan Miró in London in nearly 50 years since 1964 at Tate Britain,  just started today (April 14 – September 11).

More than 150 paintings, drawings, sculptures and prints, created in Barcelona and Paris, across the six decades of his career are gathered under one roof; from early paintings of his native Catalonia, his experimental style inspired by Surrealism and a friendship with André Masson, anxiety, anger and despair-driven works during Spanish civil war, to a rich variety of mature and balanced works at the later period including triptychs with intense colors.

Miró’s exuberant, dynamic and quite ‘Latin’ works let our hair down and gives us energy – highly recommended for people who are tired and stressed out, or who lost hope in life. I guarantee that you’ll leave the museum, feeling a bit better :)

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