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Edvard Munch: The Modern Eye @ Tate Modern

テート・モダンで新しく始まった「Edvard Munch: The Modern Eye」展(6月28日〜10月14日)は、エドヴァルド・ムンクの20世紀の作品を集めた展覧会で、主にオスロのムンク美術館から貸し出された、60点の絵画と映像・写真作品を展示している。ノルウェー出身のムンクは19世紀象徴主義の画家で、20世紀初頭のドイツ表現主義にも影響を与えたことで知られる。残念ながら彼の代表作である「叫び」の展示はないけれど、ムンクの作品の特徴である同じテーマの繰り返し、セルフ・ポートレートへの執着、そして映画や写真といった当時としては画期的なメディアや技術の作品への影響にスポットを当て、違った角度から彼の作品に光を当てている。

ムンクは、「The Sick Child(病める子、1885–1927)」や「Girls on the Bridge (橋の上の少女たち、1902–27。写真上)」など、長年に渡って、同じモチーフを使用して違うバージョンの作品を多く制作した。写真を用いて描いた、「Self-portrait: Between the Clock and the Bed (自画像:時計とベッドの間、1941)」などのセルフ・ポートレートも、繰り返し描かれたテーマの一つ。また彼の作品には、顕著な前景や強調された対角線など、20世紀に発展した映画や写真技術の影響も多く見られ、「Workers on their Way Home (帰途につく労働者たち、1913–14)」に見られるような、人物像がこちらに向かってくるかのような視覚トリックや、「The Artist and his Model(画家とモデル、1919–21)」における、劇場の舞台の照明効果なども、作品に取り入れた。1930年代に入り、病気によって視力が衰えると、その視力の衰えの影響を反映した作品を描いている。

この展覧会には、「叫び」のように衝撃的な作品はないが、ダイナミックな構図や深みのある色彩を用いたムンクの作品の数々からは、彼の心の闇や痛みがひしひしと伝わってくる。叫びがあまりにも強烈なだけに、少し地味に感じるかもしれないけれど、心に残る展覧会で、私は好きだ。→写真:BBC

Tate Modern’s new exhibition “Edvard Munch: The Modern Eye” (Jun 28 – Oct 14) examines the work of Norwegian painter Edvard Munch (1863–1944) from the 20th century, including 60 paintings as well as his work in film and photography, many from the Munch Museum in Oslo – though his best known work of “The Scream (1893) is missing. Munch has traditionally been portrayed as a 19th-century symbolist or pre-expressionist who influenced German Expressionism in the early 20th century. This exhibition shows us his works from a different angle and highlights his use of single motifs, his preoccupation with self-portraiture, and the influence of contemporary media on his work.

Munch often repeated a single motif over years in order to re-work it and created several different versions, such as The Sick Child (1885–1927) and Girls on the Bridge (1902–27: in the photo above). He adopted photography in the early 20th century and focused on self-portraits, which he obsessively repeated, such as in Self-portrait: Between the Clock and the Bed (1941). Influence by technological developments in cinema and photography can be seen on much of his works, such as use of prominent foregrounds and strong diagonals, and the visual trick of figures moving towards the spectator as in Workers on their Way Home (1913–14). He also created striking effect in some of his works such as The Artist and his Model (1919–21), using electric lighting on theatre stages. In the 1930s he developed an eye disease and made works which charted the effects of his degenerating sight. 

Many of his works on display are not as shocking and dreadful as The Scream, but his paintings with dynamic composition and use of deep colours scream out the same pain and anguish Munch had suffered through his life. Understated yet powerful exhibition, and I like it. → more photos: BBC

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Gauguin: Maker of Myth @ Tate Modern

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フランス・ポスト印象派の巨匠、ポール・ゴーギャンの作品を世界中から集めた大規模な「Gauguin」展が、9月30日から来年1月16日まで、テート・モダンで開催されている。

株式仲買人の職を辞し、家族を妻の故郷のコペンハーゲンに残し、パリで、独学で始めた絵画に専念。その後西洋文明に失望しタヒチに移り住んだ。その時に、現地の女性を独特のタッチで色彩豊かに画いた、エキゾチックな画風の絵が有名だが、この展覧会ではその他、ゴーギャンがちょくちょく訪れた、アーティストのコロニーがあるブルターニュ地方・ポン=タヴェンの風景画や宗教画、自画像、木彫りなど、多くの作品が展示されている。

ゴーギャンは、タヒチでまだ年若いと思われる思春期の女の子の絵を多く描いたため、幼児性愛者と言われたり、植民地主義者、性差別主義者と呼ばれることもしばしば。またパリにいる時にうつされた梅毒の感染事実を知りながらタヒチの若い女性たちと性交渉を持ったことに対する批判もある。梅毒のことはヒドい話だが、その他の批判は、当時は幼児性愛は悪だとか、植民地時代には現地人の人権とか言う観念はなかっただろうから、彼が極悪人であったと決めつけるのは気の毒な部分もある。

鳴り物入りで始まった展覧会だけれど、単なるラフスケッチや小粒の作品も多く、少し期待外れ。木彫りなどは、彼独特の色使いが見られないし、むしろ平凡、現地の工芸品の方がまだ出来がいいんじゃないかと思う。またデイリー・テレグラフ紙のアート批評家が指摘しているように(記事)、このゴーギャン展では、年代別ではなくテーマ別に作品が展示されているため、彼の作品を良く知らない人たちは、彼のスタイルの変遷を追いづらいという難点がある。私も、ゴーギャンの人生での出来事との繋がりやその作品の背景が見えなくて、少し分かりづらかった。

A French Post-Impressionist Paul Gauguin’s large scale exhibition “Gauguin“, exhibiting his works from around the world, runs at the Tate Modern from September 30 until January 16, 2011.

Gauguin left his job as a stockbroker and his family in his wife’s native Copenhagen, and became a full-time painter in Paris, after he began painting in his free time.  He is famous for his colorful and exotic images of women in Tahiti, to where he escaped from European civilization, but the exhibition also shows a variety of works such as paintings of Brittany where he frequently visited the artist colony of Pont-Aven, religious paintings, self-portraits, and wood carvings.

Gauguin is sometimes called as a colonialist, a sexist, or even a pedophilia because he painted naked or half-naked young Tahitian girls as his favorite motif. He was also condemned that he had sexual relationship with Tahitian girls knowing that he got infected syphilis while he was in paris. It is terrible that he took a risk to infect these innocent girls, but other criticisms are a bit too harsh on him, as there was no concept that “pedophilia is bad” nor human right of a colonial among colonizers at that time he lived through.

The exhibition opens with a fanfare as a blockbuster of this year, but I was a bit disappointed because the exhibition includes many unimpressive works such as mere quick drawings and wood carvings which are rather boring without his signature colors and Polynesian would probably do better that kind of wood carvings than him. As the Daily Telegraph’s art critique mentions the risk of hanging Gauguin’s works thematically instead of chronologically, that makes it difficult for anyone who are not particularly familiar with his works to follow his stylistic development (article), the exhibition was a bit confusing for me to connect his life stage and artistic history to his actual works in front of me.

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