BP Walk through British Art @ Tate Britain

5月14日から始まったテートブリテンのBP Walk through British Artは、1500年代から現代に至るイギリス・アートのナショナルコレクションで、過去500年に制作された500以上の作品を20以上のギャラリールームに時系列に配している。Francis Bacon（フランシス・ベーコン）、John Constable（ジョン・コンスタブル）、William Hogarth（ウィリアム・ホガース）、 Thomas Gainsborough（トマス・ゲインズバラ）、 George Stubbs（ジョージ・スタッブス）、J.M.W. Turner（ジョゼフ・マロード・ウィリアム・ターナー）、Gwen John、Stanley Spencer、L.S.Lowry、John Everett Millais（ジョン・エヴァレット・ミレー）、Bridget Riley、Damien Hirst（ダミアン・ハースト）、 David Hockney（デイヴィッド・ホックニー）、Rachel Whitereadなど、イギリスの名だたるアーティストの作品を含む膨大なコレクションには圧倒される。

時系列展示以外に、一つの作品 / アーティスト / テーマをより深く掘り下げるBP Spotlightコレクションシリーズの新しいディスプレイも見物。現在、コンスタブルのThe Cornfield、Image of the British School、Moving Images: Painting and Early Film、アート教育におけるBasic Design展のほか、Keith Arnatt、Rose Wylie、Douglas Gordonなど近代アーティストのコレクションを見ることが出来る。イギリス人アーティストたちが描いた風景画を集めたLooking at the View展を含むと、テートブリテンだけで膨大な量のイギリスアートが楽しめるのだが、これを全部見て回るのは、なかなか目も頭も足も疲れる。途中でワインの一杯でも飲んで、ゆっくり見て回るのがお薦め。

BP Walk through British Art (from May 14) is a new chronological presentation of the national collection of British art in a chronological display – a walk through time from the 1500s to the present day. This massive collection of British art over the past 500 years comprises around 500 artworks in over 20 galleries, and includes works by major British artists such as Francis Bacon, John Constable, William Hogarth, Thomas Gainsborough, George Stubbs, J.M.W. Turner, Gwen John, Stanley Spencer, L.S.Lowry, John Everett Millais, Bridget Riley, Damien Hirst, David Hockney, and Rachel Whiteread (more details on the press release).

Alongside this chronological circuit, Tate Britain hosts a new series of seasonal BP Spotlight collection displays, which offer more depth on particular artworks, artists or themes: current displays include Constable’s The Cornfield, Image of the British School, Moving Images: Painting and Early Film, and Basic Design in art education, as well as on recent artists including Keith Arnatt, Rose Wylie and Douglas Gordon. Together with “Looking at the View” which explores the ways British artists have framed the view in their work, you can spend all day immersing yourself in British Art. Very interesting to see the British art all at once, but bit draining – I need a glass of wine in between.

ヘンリー・ムーアの作品を集めた新しい常設展

New permanent gallery devoted to Henry Moore with substantial display of his work

BP Spotlights on Rose Wylie

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Foyles Artist Panels @ 107-109 Charing Cross Road

W & G Foyle Ltd、通常略してFoyles（フォイルズ）と呼ばれるこの本屋は、William（ウィリアム）とGilbert（ギルバート）のFoyle兄弟によって、1903年に創業した。二人揃って公務員試験に失敗した後、使用済みの教科書を売る事を思いついたところ、たくさんの注文が舞い込み、彼らが家で古本業を始めるきっかけとなった。以前、50kmにも及ぶ本棚の専有面積と書籍の数で世界最大の書店としてギネスに登録されたこともある。

そのFoylesの旗艦店が2014年に、今までの場所である113–119 Charing Cross Roadから、すぐ近くのセントラル・セント・マーチンズ・カレッジ・オブ・アート・アンド・デザインの校舎だった1930年アールデコ様式のビル（107-109 Charing Cross Road）に移転・再オープンすることになった（詳細）。今年創業110年を迎えたFoylesは、ロンドンで開催される国際漫画フェスティバル・Comica festivalから14人のコミック・アーティストにFoylesの歴史を描いた作品を依頼、新店舗予定地を覆う計28枚のパネルが、通行人の目を楽しませている。Foylesのウェブサイトでも、アーティストのプロフィールと共に、フォイル家の台所から始まり、2014年にオープンする新店舗まで、その長い歴史を知ることができる。

無味乾燥な工事現場をカラフルなイラストで隠し、道行く人々に新しい店への期待を高めるという、とても賢く遊び心のあるやり方に感心。

W & G Foyle Ltd or simply Foyles, is a book seller, founded by two brothers, William & Gilbert Foyle in 1903. After failing civil service exams, they started to sell their used textbooks and were flooded by offers. This inspired them to launch a second-hand book business from home. Foyles was once listed in the Guinness Book of Records as the world’s largest bookshop in terms of shelf area (30 miles/50 km) and number of titles on display.

Foyles’ flagship store will be moving to a new location in 2014, just next door from 113–119 Charing Cross Road to 107-109 Charing Cross Road at the 1930s art-deco style former Central St Martins‘ building  (see the details here). Celebrating their 110-year anniversary this year, Foyles has commissioned Britain’s 14 comic artists from the Comica festival to tell the short history of Foyles in 28 panels, which decorate the hoardings around the new site. You can see them at their website with biographies of the artists: starting from its origins in the Foyle kitchen, through its various moves up and down Charing Cross Road, and ending with what the new Foyles building may look like when it opens in 2014.

This is a clever tactic to cover up the ugly construction site and make people interested in their new shop!

John Miersが描いた、自宅台所で創業した1903年当時の様子

Foyles is founded in the Foyle family kitchen in 1903 (illustration by John Miers)

2014年新装オープンを描いた、Rian Hughesの作品（右2枚のパネル）

Artist Rian Hughes visualised the new shop which is expected to open in 2014 (two panels on the right)

Yayoi Kusama x Luis Vuitton @ Selfridges

春にテート・モダンで大規模回顧展が行われた（参照エントリー）、日本の誇るアーティスト・草間彌生と、「LOUIS VUITTON」のアーティスティック・ディレクターMarc Jacobs（マーク・ジェイコブス）がコラボした、ルイ・ヴィトン ヤヨイ・クサマ コレクションを記念して、オックスフォード・ストリートの百貨店・Selfridgesのショーウィンドーが、赤や黄色のカラフルな水玉に覆われた。Selfridgesによると、ここがイギリス唯一で、これまでで最大規模のストアコラボレーションだという。メインエントランスの上部には、高さ約4m巨大ファイバーグラス製フィギュアが圧倒的な存在感を誇り（Selfridges ウェブサイト）、ショーウィンドーの中には、彼女の自作ポエム「Love Forever」をバックに、大小の草間彌生フィギュアとルイ・ヴィトン ヤヨイ・クサマ コレクションの製品が。見ているだけで目がチカチカする。そして草間さんのフィギュア、かなり怖い。。。（Selfridges ウェブサイト）

Word-renown Japanese female artist whose large scale retrospective had been hosted by Tate Modern this spring, Yayoi Kusama, and Louis Vuitton have a collaboration to create funky  Luis Vuitton and Yayoi Kusama Collection. Celebrating the collection, the windows of Selfridges on Oxford street are covered with the artist’s iconic polka dots together with her poem “Love Foerver”, as well as large & small figures of Kusama, and of course, Luis Vuitton bags and clothing. This is an UK exclusive and the largest store collaboration to date (Selfridges website). Above the main entrance of the department store, a 13-feet tall giant fibreglass statue of the artist overwhelms pedestrians (Selfridges website). Her figures look a bit scary…

In Astratto: Abstraction in Italy 1930-1980 @ Estorick Collection

エンジェルにあるEstorick Collection（エストリック・コレクション）で開催中の「In Astratto: Abstraction in Italy 1930-1980」展（6月27日〜9月9日）は、リグーリア州にある３つの現代美術館のコレクションを元に、1930年代から80年代までの50年に渡るイタリア抽象美術の発展を紹介している。この展覧会では、歴史における抽象アート、 Movimento Arte Concreta（具体芸術運動）、Concrete（コンクリート・アート）、アンフォルメル、コンセプチュアル・アート、オプ・アート、Analytical Painting（分析的画法？）という、6つのテーマ毎に作品が展示されている。

イタリアにおける抽象美術は、ジャコモ・バッラといった未来派アーティストたちの試みから始まった。第一次から第二次世界大戦にかけて、Mario Radice（マリオ・ラディーチェ）、Manlio Rho（マンリオ・ロー）、Osvaldo Licini（オズヴァルド・リチーニ）、Enrico Prampolini（エンリコ・プランポリーニ）といった多くのアーティストたちが抽象美術を発展させ、Forma（フォルマ）などのアート・グループに属したGiulio Turcato（ジュリオ・トゥルカート）、Piero Dorazio（ピエロ・ドラーツィオ）、Achille Perilli（アキーレ・ペリッリ）等、戦後アーティストたちに影響を与えた。1948年には、ブルーノ・ムナーリとAtanasio Soldati（アタナシオ・ソルダーティ）が、厳密な幾何学的アプローチが特徴のMovimento Arte Concreta（具体芸術運動）を設立。これに対し、Renato Birolli（レナート・ビロッリ）、Giuseppe Capogrossi（ジュゼッペ・カポグロッシ）、Emilio Vedova（エミリオ・ヴェドバ）は、より表現的なアンフォルメル的アプローチを取った。

1960年代を通じ、イタリア抽象美術の立役者たちは、コンセプチュアル・アートへの道を開き、ルーチョ・フォンタナの切り裂いたキャンバス、ピエロ・マンゾーニの「Achromes（アクローム：無色）のような新しい絵画的アプローチを生み出した。エンリコ・カステラーニ、Agostino Bonalumi（アゴスティーノ・ボナルミ）、Paolo Scheggi（パオロ・シェッギ）の作品は、絵画の制約を超え、キャンバスを成形、伸張、階層化させ2次元と3次元の境界を曖昧にし、Franco Grignani（フランコ・グリニャーニ）やDadamaino（ダダマイーノ）は、オプ・アートに傾倒。コンセプチュアル・アートやアルテ・ポーヴェラといった実験的アートの隆盛の後は、古臭いと思われていた純粋な形や色彩の審美的クォリティが再評価され、「Analytical Painting（分析的画法？）」が取り入れられた。

世界的に有名なイタリア・ルネッサンスアートなどと違い、イタリア抽象美術は地味であまり知られていないけれど、ロシアやフランス、アメリカと言った抽象アートの有名どころと違う場所で、抽象絵画がどのように発展・表現されてきたかを観るのはなかなか興味深い。私的には、イブニング・スタンダード紙の批評はちょっと厳しすぎる気がする。そんなに悪くないと思うんだけれど。

Latest exhibition at Estorick Collection in Angel,  In Astratto: Abstraction in Italy 1930-1980 (June 27 – September 9) explores 50 years of innovation in Italian abstraction. This exhibition draws on the collections of the Liguria‘s three modern and contemporary art museums. The installation is arranged in six thematic and chronological sections: Historical Abstraction; MAC (Movimento Arte Concreta) and ‘Concrete’ Research; Art Informel; Towards the Conceptual; Optical-perceptual Research and Analytical Painting-New Painting.

Abstraction developed in Italy out of the experiments of Futurist artists such as Giacomo Balla. It evolved during the inter-war years by many artists such as Mario Radice, Manlio Rho, Osvaldo Licini and Enrico Prampolini, and influenced post-war artists belonging to groups such as Forma, including Giulio Turcato, Piero Dorazio and Achille Perilli. A rigorously geometric approach characterised the work of the Movimento Arte Concreta, founded in 1948 by Bruno Munari and Atanasio Soldati. Reacting against this, artists such as Renato Birolli, Giuseppe Capogrossi and Emilio Vedova adopted a more painterly approach during the 1950s in accordance with the more expressive Art Informel.

Certain key figures of Italian abstraction paved the way for the innovations of conceptualism and pioneered novel approaches that developed throughout the 1960s. Like Lucio Fontana’s slashed canvases and Piero Manzoni’s Achromes, the work of artists such as Enrico Castellani, Agostino Bonalumi and Paolo Scheggi transcended the restrictions of painting, blurring the boundaries between two and three dimensions by shaping, stretching and layering of their canvases. On the other hand, Franco Grignani and Dadamaino attempted the perceptual experiments of Op Art. During the following decade, the ‘Analytical Painting’ was brought to Italian abstraction, rediscovering the aesthetic qualities of pure form and colour, following the conceptual art and Arte Povera.

In compare to famous Italian Renaissance art, Italian abstraction is rather modest and may not be considered a masterpiece, but it is interesting enough for me to see how abstract art is developed and manifested in different culture other than more known French, Russian and American counterparts. I think Evening Standard review is a bit too harsh on them… I don’t think it is bad.

BT ArtBox: Celebrating A British Icon

英大手電気通信事業者・BTが主催、虐待やいじめ、両親の離婚などに悩む子供たちを電話相談を通じてサポートする慈善団体「ChildLine（チャイルドライン）」の設立25年を記念するパブリック・アート・エキシビション「BT ArtBox」が、現在ロンドンで開催中だ。このプロジェクトには、建築家のザハ・ハディッド、ファッション・デザイナーのジャイルズ・ディーコン（Giles Deacon）、ザンドラ・ローズ（Zandra Rhodes）、ジュリアン・マクドナルド（Julien Macdonald）、アーティストのロブ＆ニック・カーター（Rob and Nick Carter）、ライアン・カラナン（Ryan Callanan：写真最上）、マーティン・ウェア（Martyn Ware）、彫刻家のデヴィッド・マック（David Mach）、インテリアデザイナーのニナ・キャンベル（Nina Campbell）、ミュージシャンのニック・ローズ（デュラン・デュラン）、マキシム（ザ・プロディジー）などの著名クリエイターたちが参加。イギリスのアイコンの一つである赤い電話ボックスと同サイズのレプリカを使って創られた80以上のアート作品が、6月15日にトラファルガー広場に1日集結、その後6月18日から7月16日まで、コヴェントガーデンやセント・パンクラス駅、カーナビー・ストリート、ハイド・パーク、水族館のサメの水槽などといった、ロンドンの名所や街角に設置、通行人の目を楽しませている（ロケーション・マップ / 写真：Telegraph紙）。

展示終了後は、イーベイとサザビーズでオークションにかけられ、売上げはChildLineに寄付される予定（詳細）。ロンドンでは今までも、Black Dog Campaign、Big Egg Hunt、Elephant Paradeなど、同じような有名人参加のチャリティ・アート・プロジェクトがいくつも行われている。

BT ArtBox is a public art exhibition, celebrating 25 years of ChildLine, who has been helping vulnerable children since 1986. More than 80 full-size replicas of one of the British icons, the red telephone box, are redesigned into artworks by leading artists and designers, including architect Zaha Hadid; fashion designers Giles Deacon, Zandra Rhodes and Julien Macdonald; artists Rob and Nick Carter, Ryan Callanan and Martyn Ware; sculptor David Mach; interior designer Nina Campbell; Duran Duran’s Nick Rhodes and The Prodigy’s Maxim (more photos: Telegraph).

The project launched on June 15 when a selection of BT ArtBoxes were on display in Trafalgar Square for the day. From June 18 to July 16, BT ArtBoxes are showcased across London’s streets and landmark locations, such as Covent Garden, St Pancras Station, Carnaby Street, Hyde Park and even the shark tank at the London Aquarium (location map). Then, all the boxes will be auctioned off through eBay and Sotheby’s to raise money for ChildLine’s 25th anniversary (more info). London has hosted similar charity art projects helped by celebrities and creators every now and then, such as the Black Dog Campaign, the Big Egg Hunt, and the Elephant Parade.