Giuseppe Penone: Spazio di Luce @ Whitechapel Gallery

友人に誘われて、Whitechapel Galleryで展示中のイタリア人アーティスト・Giuseppe Penone（ジュゼッペ・ペノーネ）の作品「Spazio di Luce (Space of Light/光の空間)」を見に行った。

イタリアの芸術運動・アルテ・ポーヴェラのメンバーであるペノーネは、45年以上に渡り、人間と自然との関係を追求。今年のBloomberg Commissionのために、空洞になっている内部が金箔で覆われた、12mもの長さのブロンズ製の木「Spazio di Luce」を制作した。この作品は、本物の木に薄くワックスを塗った彼の1969年の作品「All the Years of the tree plus one」を元に、木の代わりにブロンズを使用。自身が山で見つけてきた木を、ブロンズの型取りをしやすいような大きさにカットし、動物のように木が自身で立つように、余分な枝も取り除いた。最初のレイヤーは筆で、そしてその上から手でワックスを塗ることで、表面には制作に関わった人たちの多くの指紋が、記念のように残っている。内部は、いにしえより、生命の源と考えられていた太陽の光と連想されていた金で彩られていて、入口から見ると、中全体が見渡せるようになっている。

もしこの作品のことを何も知らなければ、本物の木と見まがうかのような素晴らしい出来。木の持つ生命力さえ感じられる気がする。訪れた人の一人は、内側に向かって鼻歌を歌い、その反響を楽しんでいた。とてもダイナミックで、生命力にあふれた、見るものに活力を与えてくれる作品。

I went to see a work by an Italian artist Giuseppe Penone, “Spazio di Luce (Space of Light)” (September 4, 2012 – August 11, 2013), at Whitechapel Gallery.

Penone, a member of the Italian art movement “Arte Povera“, has examined our relationship to nature over the past 45 years. For the latest Bloomberg Commission, he has created a 12-metre bronze cast of a tree with a gleaming gold-leaf interior. This work is a recollection of his work in 1969, “All the Years of the tree plus one“, a tree covered by a thin layer of wax, but this time he has created with bronze instead of a real tree. He found a tree in a mountain, and cut it in pieces in good size for making a cast. He also removed some branches so that the tree can stand by itself, like an animal. He first put a layer of wax with the brush and then by hands over the first layer, so you can see many fingerprints of whom involved in the sculpture’s making like a memory. Void spaces inside of the bronze cast are painted in gold, historically associated with the life-giving forces of light of the sun, and you can see through the entire tree from the entrance of the gallery.

If you have no knowledge about this work, you may mistakenly believe that this is a real tree. You can even feel life force that trees possess. One cheerful visitor was singing into the tree and enjoying the echo of his singing. A truly dynamic work that gives us a life force, and makes us all liven up. Two thumbs up!

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Henry Moore Exhibition @ Tate Britain

イギリスを代表する彫刻家・アーティストである、ヘンリー・ムーアの展覧会が、今日からテート・ブリテンで始まった。1986年の彼の死後、ロンドンで最大規模となるこの回顧展では、大理石や木彫り、ブロンズ等の彫刻やドローイングなど、150以上に及ぶムーアの初期の作品を展示。彼の主なテーマである、「母と子」や「横たわる像」、座像や頭像の彫刻とともに、第二次世界大戦中に戦争画家として描いた、Blitz（ザ・ブリッツ：ドイツ軍による空襲）」の際に、ロンドン地下鉄や防空壕で寝泊まりする人々の絵も展示されている。

ムーアは、伝統的な彫刻観を否定し、美術館や博物館で見た非西欧の作品からインスピレーションを受けた。模型を作らず直接作品を彫るダイレクト・カーヴィングの先駆者であり、人間の体をモチーフとして、穴が開いていたり空洞を含んだりする、独特の有機的フォルムを作り上げた。その、モダニズムやシュルレアリズムが融合した、ブロンズや大理石製の大規模な抽象彫刻は、パブリック・アートとして、ロンドンをはじめ、世界中で見ることが出来る。ムーアは、自身の作品が公の場に置かれるのを好んだが、昨日のBBCニュースによると、盗難や破壊行為により、最近では屋内での展示が増えているそうだ。

この「ヘンリー・ムーア」展は、なかなか見応えのある、充実した展覧会だ（写真はBBCサイトでも見れる）。屋外作品に比べると作品は小規模だけれども、土着的でシンプル、どっしりとした彫刻スタイルは変わらない。彼の作品はなんとなく温もりがあり、見ていると安らぐ。それに比べ、地下で避難した顔の見えないミイラのように描かれた人々の暗い絵からは、戦時中の人々の苦難がひしひし伝わってくる。

A new exhibition of the work of Henry Moore (1898–1986), one of Britain’s greatest sculptors and artists, just opens at Tate Britain today. The exhibition, the first major London retrospective of his work since his death in 1986, presents more than 150 stone sculptures, wood carvings, bronzes and drawings in his early career, including his main themes of the mother and child, reclining woman, seated figure and head, as well as his shelter drawings of Londoners sleeping in bomb shelters during the Blitz, as an Official War Artist. Although Moore liked his works to be in outdoor public spaces, recently more of his works are exhibited indoor due to vandalism and theft, according to the BBC news yesterday.

Moore rebelled against views of sculpture, instead finding inspiration from non-Western works he saw in museums. He pioneered carving directly from materials, evolving his signature abstract forms derived from the human body, with the influence of Modernism and Surrealism. His organic forms are generally pierced or contain hollow spaces. He was best known for his large scale abstract monumental bronze and marble sculptures which are located around London as well as the world as public art.

The exhibition is impressive and well-done. Though Moore’s works are smaller than his outdoor works, his unique style, primitive yet modern and simple, is certainly seen. His works have some sort of warmth and strength, and I felt calm and relaxed by looking at them. On the other hand, his drawings of people without faces and looking like mummies during German air raids, are painful to look at and vividly shows us the hardship that people went through during the World War II.

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