Mira Schendel @ Tate Modern

テートモダンで開催中のMira Schendel展（9月25日〜2014年1月19日）は、20世紀のブラジルアート界における最も重要なアーティストの一人で、ヨーロッパのモダニズムをブラジルで再構築した、Mira Schendel（ミラ・シェンデル）の回顧展。1950年代の初期の作品から1987年の最期のシリーズ作品まで、250以上の絵画、ドローイング、彫刻作品が集められている。

1919年にチューリッヒでユダヤ系の両親の元に生まれたシェンデルは、イタリアでカトリック教徒として育てられた。この経験が、後のアート制作における精神的かつ哲学的アプローチに繋がっている。1938年、イタリアでユダヤ人を排斥する法律が成立したことに伴い、イタリア国籍を剥奪され、大学を去ることになったシェンデルは、ユーゴスラビアを経て1949年にブラジルに移住、アーティストとしてのスタートを切る。またインテリのグループに参加、哲学者や精神科医等と交流することによって、美的感覚や哲学についての関心を深めた。初期の頃は、生活のためにグラフィックデザイナーとして働き、本の表紙やポスター、イラストレーション等も手がけている。

シェンデルは多作で多面性を持つアーティストとして知られる。独学で、ジョルジョ・モランディやジョルジョ・デ・キリコ、パウル・クレーなどの作品から静物画、非対称性、建築的構成を学び、彼女の作品には、レトリスムやカラーフィールド・ペインティング、ミニマル・アート、コンセプチュアル・アートの要素が見られ、ブラジルのアバンギャルドに衝撃を与えたConcrete art（具体芸術）やNeo-concre art（新具体芸術）運動に貢献したが、特定のアートムーブメントには属さなかった。生涯、ブラジルやヨーロッパの詩人や哲学者、神学者たちと交流を続け、宗教や哲学の問題や、物質的・文化的・言語学的置換を作品の重要なテーマとした。また、東洋の宇宙観や中国の水墨画からも影響を受け、水墨画風の作品も制作している。

言葉やイメージの組み合わせ、空間や時間を象徴するらせん形のモチーフ、半透明のライスペーパーの使用などに代表されるシェンデルの作品は、繊細で静謐、そして奥が深い。ブラジル以外ではあまり知られていないのが意外だ。

Mira Schendel exhibition at Tate Modern (Sep 25 – Jan 19, 2014) is a major retrospective of one of the most significant and influential Brazilian artists of the 20th century, Mira Schendel, who reinvented European Modernism in Brazil. The show features more than 250 paintings, drawings and sculptures, from her early paintings during the 1950s to her last series in 1987.

Schendel was born in Zurich in 1919 to parents of Jewish heritage, but grew up in Italy as a Catholic, and this experience contributed to her profoundly spiritual and philosophical approach to her art making. In 1938, she was stripped of her Italian nationality and forced to leave university when anti-Semitic laws were introduced in Italy. After fleeing to Yugosalvia and then Brazil in 1949, she began her career as an artist. She joined an intellectual circle and there explored ideas concerning aesthetics and philosophy. She also worked as a graphic designer, producing book covers, posters and illustrations to make a living at her early career.

Schendel was a prolific and complex artist. Largely self taught, she drew inspiration for her still-lifes, interiors and asymmetrical, architectonic compositions from artists such as Giorgio Morandi, Giorgio de Chirico and Paul Klee. Her works contain elements of Lettrism, Color Field painting, Minimalism and early Conceptual art, but she was never associated with a single movement while having contributed to the Concrete art and Neo-concre art movements that stormed the Brazilian avant-garde. In life, Schendel was an keen reader and continued correspondence with poets, philosophers and theologians throughout Brazil and Europe, and as a result, physical, cultural and linguistic displacement are key themes in her work, together with issues of religion and philosophy. She was also influenced by Far Eastern cosmovision and created works inspired by Chinese painting.

Schendel’s work, characterized by such as combining word and image, using spiral motifs which signify an image and an investigation of space and time, or applying on semi-transparent rice papers, and is rather quiet and delicate yet profound. It is surprising that she is little known outside Brazil!

言葉や詩を探求したシリーズ作品・Graphic Objects。1968年のヴェネツィア・ビエンナーレにお目見えした。

Graphic Objects, a collection that explores language and poetry, first shown at the 1968 Venice Biennale

Still Waves of Probability, 1969

60年代のグラフィックデザイン作品。50年近くも前と思えないモダンさ。

Schendel’s graphic design work in 60s is still amazingly fashionable and modern in present time

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Meschac Gaba: Museum of Contemporary African Art @ Tate Modern

テートモダンではIbrahim El-Salahi展と時期を同じくして、もう一人のアフリカ人アーティストの展覧会、Meschac Gaba: Museum of Contemporary African Art展が開催されている。

ベニン人コンセプチュアル・アーティスト・Meschac Gabaの「Museum of Contemporary African Art」は、自分の作品を展示するスペースとして作った、12室構成の架空の「美術館」。Gabaは1997年に、このインスタレーションの最初の作品となる、どこかで見つけたものや、既存品に手を加えたもの、手作りなど様々なオブジェを配したDraft Roomを製作。その後の5年の間、展覧会毎に作品は増えていった。Gabaの「美術館」には、Library、Museum Restaurant、Museum Shopなど、通常美術館にあるものが全てあるという。「自分のファンタジーを見る人とシェアしたい」という願いのもと作った、彼独自の「部屋」も。Salonでは、アフリカの伝統的ゲーム・Awéléをモチーフにしたコンピュータゲーム、Adjiで遊べる。Art and Religion Roomには、古今東西の宗教関係のオブジェが日用品と共に並び、Marriage Roomには彼自身の結婚式で使われた品々や写真が展示されている。Architecture Roomでは、木製ブロックを使って仮想美術館を作ることが出来るし、大きなチェスのボードやアフリカの国々の国旗を再構成するパズルテーブルが置かれたGame Roomもある。このプロジェクトの最後に製作された金色の自転車を使ったHumanist Spaceは、同じフロアの展示室の外に置かれている（写真下）。

カラフルでユニーク、遊び心に溢れたこの展覧会、見ていて面白かったけれど、正直アーティストの意図する所がいまいち掴めない。それぞれの部屋にはアーティストのコンセプトや意味があるらしいのだけれど、書くと長くなるし抽象的で説明を読んでもよく分からないので、興味がある方はTateのウェブサイトを参考にしてください。

Tate Modern has been hosting an exhibition of another African Artist, Meschac Gaba: Museum of Contemporary African Art (until Sep 22), concurrently with Ibrahim El-Salahi.

Beninese conceptual artist Meschac Gaba’s Museum of Contemporary African Art is a 12-room installation, and he created this ‘museum’ because he wanted to have space to show his work. In 1997, he created the first part of his project, the Draft Room, contained an unusual assortment of handmade, found and altered objects. Over the next five years, further rooms would appear, one by one, in exhibitions and museums internationally. Gaba’s ‘museum’ has everything that you see in every museum, such as Library, Museum Restaurant and Museum Shop, and even cashier’s desk with monies on the top. He wanted ‘to share his fantasy’ and created his own unique rooms: the Salon where visitors can play the Adji computer game, an adaptation of the traditional African game Awélé; the Art and Religion Room containing all sort of religious icons from Christianity to animism together with everyday objects; the Marriage Room comprising with memorabilia of his own wedding; the Architecture Room where you can build your own imaginary museum using wooden blocks; and the Game Room with a big chess board and sliding puzzle tables reconfiguring the flags of some African countries. The last-completed section of the Humanist Space with gold bicycles is set outside the exhibition room on the same floor (photo below).

The exhibition is colorful, powerful and playful, but honestly I didn’t get artist’s message by just looking at it. Each room has its own concept and idea, but it’s too long to write and it is a bit too abstract for me to understand even by reading the description, so please check out Tate website if you want to know more.

Alighiero Boetti: Game Plan @ Tate Modern

イタリア人コンセプチュアル・アーティスト、アリギエロ・ボエッティの回顧展「Alighiero Boetti: Game Plan」が、テート・モダンで5月27日まで開催されている。ボエッティは、1960年代後半に既成の芸術に反抗し、工業素材や石や木など単純素材を用いた、イタリアの前衛的美術運動・アルテ・ポーヴェラ（「貧しい芸術」）の一員として活躍。この展覧会が、テート・モダンで開催される、アルテ・ポーヴェラ系アーティストの初の個展となる。

トリノ出身のボエッティは、フィアットを中心とする自動車産業の中心であるトリノと関連する工業用素材を使用、後に切手やボールペン、雑誌の表紙などを使って作品を創っている。この展覧会では、建築素材を使用した建造物、ボールペンを使ったドローイング、飛行機を描いた水彩画、世界の河川のリスト、アフガン人の手で作られた、数値システムをベースにしたパターンが織り込まれたキリム、そして彼の代表作である、各国の上に国旗の織りを入れた世界地図シリーズ「Mappa」等、様々な作品を展示している。ボエッティは遠方の地に興味を持ち、エチオピア、グアテマラ、アフガニスタンといった国を旅した。1971年にカブールを訪れた後、71〜79年の間、アートプロジェクトとしてカブールでホテルを設立、そこで「Mappa」等カラフルで大きな刺繍作品を創っていた。また秘儀や神秘的なものへの関心や、60年代〜70年代のイタリアの日常や政治に呼応した作品など、その作風はバラエティに富んでいる。

ボエッティのことは全く知らずに観に行ったのだが、派手派手しさはないものの、彼の几帳面さ、細部へのこだわりが伺える展覧会で、中々面白かった。

Italian conceptual artist, Alighiero E Boetti‘s retrospective, “Alighiero Boetti: Game Plan” is currently running at Tate Modern until May 27th. Boetti is a key member of Arte Povera group of young Italian artists in the late 1960s, which was working in radically new ways using simple materials. This is the first solo show by an Arte Povera artist at Tate Modern.

Turin-born Boetti used industrial materials associated with Turin, Italy’s automotive manufacturer centre, and later made works using postage stamps, ballpoint pens, and magazine covers. His work in the exhibition includes constructions made with building materials, biro drawings, watercolour paintings of aeroplanes, lists of rivers,and woven kilims made by Afghans with patterns based on numeric systems, as well as a series of embroidered world maps in which each country features the design of its national flag, Mappa, which is his most renown work. Boetti was interested in faraway places and made a trip to places such as Ethiopia, Guatemala and Afghanistan. After travelled to Kabul in 1971, he set up a hotel in Kabul between 1971 – 79 as an art project and created large colourful embroideries such as Mappa. He was also fascinated by esoteric and mystical thought, and was responsive to everyday conditions in Italy and to its politics in the 60s-70s. 

I’ve never heard of Boetti before I saw this exhibition. Though  Boetti’s work is not attention-grabbing or glitzy, but I quite enjoyed the show and his work with his attention to details and methodical approach.

“Mappa (Maps)” room

Aerei, 1978

Tutto,  Afghan embroidery on fabric

Billy Childish: Unknowable but Certain @ ICA

アーティスト、ミュージシャン、作家、そして詩人とマルチタレントな、Billy Childish（ビリー・チャイルディッシュ）の個展が、4月18日までICAで開催されている。メインギャラリーであるlower galleryでは彼の近年の絵画作品を、そしてupper galleries（通路と2階にあるギャラリー）では、彼の音楽活動と作家としての作品が展示されている。1つの部屋は音楽作品、そしてもう1つの部屋では、自伝的でパーソナルな詩や散文詩、議論や思想関係などの本やパンフレットの著作物（多くは彼自身がデザインし、自身の木版画を添えて出版したもの）が見られる。

彼の強烈なパーソナリティとエゴに溢れた作品は、パワフルでインパクトがある（あのトレイシー・エミンの元彼と聞いて妙に納得）。Stuckism（スタッキズム。コンセプチュアル・アートに反対し、フィギュラティヴ・アートを押し進める芸術運動。彼自身は2001年に運動を離れた）の共同発起人である彼の絵画は、印象派的で、ゴッホを彷彿させる鮮やかな色使いと力強い筆遣いが、心に残る。通路に並んだ、シンプルな茶色を背景に、絞首刑を彷彿させるシンボルと言葉をのせたポスター・シリーズ（写真下）も、なかなか強烈で圧倒される。彼の音楽は聞いたことないが、Thee Headcoats（ヘッドコーツ）等、様々なバンド活動でカルト的人気を誇るらしい（写真下：アルバムのジャケット）。彼の作品は、全体的に怒りに満ちあふれているんだけれど、内にこもった暗いものじゃなく、俺は怒ってるんだー！という、正直でまっすぐな怒り。その怒りを芸術に昇華させているという感じで、むしろ清々しい。

ICA presents a major solo exhibition of an artist, musician, writer and poet, multitalented Billy Childish until April 18. The lower gallery features Childish’s recent paintings, and upper galleries show his output as a musician and writer: one room concentrates on his music, and the second room features books and pamphlets containing his writings, often designed and published by him and illustrated by his own woodcuts, including polemical and campaigning literature, and his more personal poetry and prose.

Childish’s works are full of his strong personality and ego, and quite powerful (he is an ex-boyfriend of Tracey Emin – understandable). He is a co-founder of Stuckism (he left in 2001), promoting figurative painting in opposition to conceptual art, and his Van Gogh-like expressionistic paintings are vivid and colorful with strong brush strokes. The poster series hung on the corridor, with words and symbol of hanging on brown background, is strong and shocking.  I’ve never heard his music, but his music in various Garage punk bands has a cult popularity (photo on the bottom: album covers). I can feel his anger all over his works, but it is not gloomy or depressing, but honest and full of life, like screaming “I AM ANGRY!” with a speaker. In some way, he sublimate his inner rage into his creative works.

ICAと言えば、不況のせいもあって、財政状況が思わしくなく、最近Arts Council（政府の直属機関である芸術奨励評議会）から120万ポンドの緊急援助を得たそうだ。また、ディレクターの不信任騒動などスタッフ間の不協和も報道され、このまま財政状況が好転しなければ、5月末には閉鎖になるという最悪事態も予想されている。

The ICA is reported to have deep financial trouble in this recession, and recently received a special £1.2m grant from the Arts Council. There are also staff turmoil observed by the Guardian, and if the overall situation wouldn’t improve, the ICA could close by May, in the worst case scenario…

John Baldessari: Pure Beauty @ Tate Modern

アメリカ人コンセプチュアル・アーティスト（概念芸術家）、ジョン・バルデッサリ（John Baldessari）の回顧展「Pure Beauty」が、テート・モダンで開催中だ（2009年10月13日〜2010年1月10日）。

カリフォルニア生まれのバルデッサリは、60年代に、文章と絵画を組み合わせた作品で、概念芸術家のパイオニアとして名をなしたが、1953年から66年までの初期の絵画作品を「火葬」していると新聞に発表した時は、芸術界を驚かせた。その後、関心を絵画から写真作品に向け、時には映画のスチル写真や捨てられたゴミ等を使い、作品を製作。彼は文章として、または視覚的映像としての「言葉」に関心を持ち、画像とテキストを並列した作品も多い。78歳になった今もなお現役で作品を作り続けており、今年のヴェネツィア・ビエンナーレでは、オノ・ヨーコ氏とともに生涯業績部門の金獅子賞を受賞した。彼の作品は、シンディ・シャーマンやデビッド・サーレ、バーバラ・クルーガー等のアーティストたちにも大きな影響を与えている。

バルデッサリの作品は、私の好きなスイス・スタイルのデザイナーの作品、特にヨゼフ・ミューラー＝ブロックマンやマックス・ビルのグラフィック・デザインを思い起こさせる。この展覧会を見るまで、バルデッサリの存在も作品も知らなかったのだけれど、彼のシンプルで大胆、カラフル、そしてウィットとユーモアに富んだ作品のファンになってしまった。

An American conceptual artist John Baldessari‘s retrospective “Pure Beauty” is currently open at Tate Modern (13 Oct. 2009  –  10 Jan. 2010).

Making his name as a pioneer of conceptual art in the 1960s with his text and image paintings, California-born Baldessari shocked the art world when he announced in a newspaper that he was ‘cremating’ all his artworks of 1953 – 66. Then he turned his attention to photographic works, often incorporating found film stills and dumped material from which he created photo-compositions. Baldessari often juxtaposes text with images, deriving from his interest in ‘language,’ both written and visual. As an age of 78,Baldessari still produces new works, and he received the Golden Lion for Lifetime Achievement at the Venice Biennale this year together with Yoko Ono. His works has big influence on other artists such as Cindy Sherman, David Salle, and Barbara Kruger.

Baldessari’s works remind me of some graphic works by “Swiss Style” designers, including Josef Müller-Brockmann and Max Bill – two of my favorite graphic designers. I’ve never heard of him before this exhibition, embarrassed to say, but I became a a fan of his simple and bold, often colorful and witty works!