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Yayoi Kusama Exhibition @ Tate Modern

水玉(Polka Dots)を多用した作品で知られる前衛芸術家・草間彌生さんの展覧会「Yayoi Kusama」が、現在テート・モダンで開催されており(〜6月5日)、絵画、ドローイング、彫刻、映像、コラージュ、パフォーマンス、インスタレーションなど、60年以上に渡って制作された作品の数々が展示されている。草間さんは、イギリスでは、故ジョン・レノンの妻・オノ・ヨーコさんに次いで有名な日本人女性アーティスト。この展覧会に際しご本人も渡英、真っ赤なおかっぱ頭にこれまた赤地に白い水玉模様のお召しものという、ド派手且つド迫力なお姿で、様々なメディアに登場した(ガーディアン紙)。

強迫性・反復性・律動性を特徴とする彼女の作品は多様。男根に似せたイソギンチャクのようなオブジェで覆われた「Sex Obsession(性への強迫観念)」シリーズ(写真上から2番目)や、マカロニを貼付けた「Food Obsession(食べ物への強迫観念)」、ショッキングピンクの着物を着てニューヨークの街を歩く草間さんを撮影した作品「Walking Piece」、裸の参加者が互いの体に水玉模様を施す1967年のパフォーマンス「Body Festivals」の様子を、他の作品とともに記録した映像「self-obliteration(自身の抹消:YouTube パート 1 / パート2)」、「The Clouds」「Accumulation sculptures」等大規模インスタレーション、そして目や鼻、水玉、横顔のセルフポートレート等をモチーフにした近年の極彩色の絵(写真下から二番目)と続き、合わせ鏡を使った幻想的な「Infinity Mirror Rooms(無限の鏡部屋:写真最下)」で締めくくられている。

長野県松本市出身の草間さんは幼少時からアートに興味を示し、若くして才能を開花。日本画を学んだが旧弊な日本画壇に失望、雑誌や本で独学でヨーロッパやアメリカのアバンギャルドを学ぶ。「too small, too servile, too feudalistic and too scornful of women(狭小で独創性がなく、前近代的で女性を軽蔑する)」だった当時の日本を離れ、1957年に世界のアートの中心・ニューヨークに渡る。当時西洋人男性が優勢を誇ったNYアート界で、アウトサイダーであるアジア人かつ女性という二重ハンデを負いながら、ドナルド・ジャッドアンディ・ウォーホルジョゼフ・コーネルクレス・オルデンバーグ等有名アーティストと交流を持ち、コンテンポラリー・アーティストとしての地位を確立した。1973年に体調を崩して帰国。幼い頃から幻聴・幻覚に悩まされていた草間さんは、現在82歳と言うご高齢ながらも、自身が「自宅」と呼ぶ入院先の精神病院からスタジオに日参、日々作品を創り続けている。その強迫的ともいえる制作活動は、自身の心理的トラウマからの逃避、言わばセラピーのようなものなのかもしれない。

まだまだアート界のみならず社会全体で女性の地位が低かった時代、しかも西洋人が東洋人を一段下に見ていた時代を力強く生き抜き、世界的アーティストとしての地位を得た後も、今でも情熱的に作品を創り続ける草間さんのパワーは、彼女の作品以上に興味深い。でも展覧会は少し拍子抜け、草間さんの溢れ出るエネルギーを全面的には表現しきれていないように思う。

A Japanese contemporary artist, well-known for her repeating dot patterns, Yayoi Kusama‘s retrospective “Yayoi Kusama” is currently running at Tate Modern until June 5th. The exhibition gathers her artworks over 60 years of her career in variety of media, including painting, drawing, collage, film, sculpture, performance art and installations. Kusama is the second known Japanese female artist in UK, after late John Lennon’s soul mate, Yoko Ono. Kusama came to UK on the opening of the show, and appeared all in red, not just red but bright red – red bob cut and the same red dress with big white dots (the Guardian article).

Kusama’s works are characterized by compulsion, repetition, and rhythmicity in a wide variety of mediums. In the exhibition, you see Accumulation sculptures such as phallus-covered Sex Obsession series (the second photo) and Food Obsession, consisting of objects covered with dry macaroni; Walking Piece, a series of colour slides with Kusama wearing a bright pink kimono walking the streets of New York; Self-Obliteration (YouTube Part 1 / part 2), a film documented her Body Festivals in 1967, in which naked participants were painted with brightly colored polka dots, along with images of her paintings and installations; large multi-part installations such as The Clouds and Accumulation sculptures; recent paintings with repeating motifs of eyes, flowers, hieroglyphic self-portrait in profile, and dots in an intense bright colours (second bottom photo); and mesmerising Infinity Mirror Rooms (bottom photo) that concludes the show.

Born in Matsumoto, Nagano Prefecture, she developed her passion for art from a young age, but at the same time started to suffer neurotic and obsessional symptoms. She studied Nihonga painting but was frustrated by its conventionality,   and started to teach herself about the European and American avant-garde from books and magazines. After her certain success in Japan, she decided to go to New York, center of the art world, in 1957, leaving Japan where is “too small, too servile, too feudalistic and too scornful of women.” Kusama came into contact with renown artists including Donald JuddClaes OldenburgAndy Warhol, and Joseph Cornell. She established herself as a prominent contemporary artist, with an identity of “outsider”, both as an Asian and as a woman in a male-dominated Western art world. In 1973, she returned to Japan in ill health. As an age of 82, she commutes to her studio from a mental institution where she lives and calls ‘home’ , and still work vigorously. Her obsessiveness in making art is largely coming from a desire to escape from psychological trauma, and art seems to be very therapeutic to her. →reference: LOUIS VUITTON×Yayoi Kusama site

Kusama’s life is more intriguing than her works for me. Her vitality and strength that helped her survive the tough period when the status of women and ethnic minority is subordinate, and made herself the most prominent female artist in Japan, is truly exceptional and amazing. However, the exhibition doesn’t succeed to fully express her power and intensity, unfortunately.

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Henry Moore Exhibition @ Tate Britain

イギリスを代表する彫刻家・アーティストである、ヘンリー・ムーアの展覧会が、今日からテート・ブリテンで始まった。1986年の彼の死後、ロンドンで最大規模となるこの回顧展では、大理石や木彫り、ブロンズ等の彫刻やドローイングなど、150以上に及ぶムーアの初期の作品を展示。彼の主なテーマである、「母と子」や「横たわる像」、座像や頭像の彫刻とともに、第二次世界大戦中に戦争画家として描いた、Blitzザ・ブリッツ:ドイツ軍による空襲)」の際に、ロンドン地下鉄や防空壕で寝泊まりする人々の絵も展示されている。

ムーアは、伝統的な彫刻観を否定し、美術館や博物館で見た非西欧の作品からインスピレーションを受けた。模型を作らず直接作品を彫るダイレクト・カーヴィングの先駆者であり、人間の体をモチーフとして、穴が開いていたり空洞を含んだりする、独特の有機的フォルムを作り上げた。その、モダニズムシュルレアリズムが融合した、ブロンズや大理石製の大規模な抽象彫刻は、パブリック・アートとして、ロンドンをはじめ、世界中で見ることが出来る。ムーアは、自身の作品が公の場に置かれるのを好んだが、昨日のBBCニュースによると、盗難や破壊行為により、最近では屋内での展示が増えているそうだ。

この「ヘンリー・ムーア」展は、なかなか見応えのある、充実した展覧会だ(写真はBBCサイトでも見れる)。屋外作品に比べると作品は小規模だけれども、土着的でシンプル、どっしりとした彫刻スタイルは変わらない。彼の作品はなんとなく温もりがあり、見ていると安らぐ。それに比べ、地下で避難した顔の見えないミイラのように描かれた人々の暗い絵からは、戦時中の人々の苦難がひしひし伝わってくる。

A new exhibition of the work of Henry Moore (1898–1986), one of Britain’s greatest sculptors and artists, just opens at Tate Britain today. The exhibition, the first major London retrospective of his work since his death in 1986, presents more than 150 stone sculptures, wood carvings, bronzes and drawings in his early career, including his main themes of the mother and child, reclining woman, seated figure and head, as well as his shelter drawings of Londoners sleeping in bomb shelters during the Blitz, as an Official War Artist. Although Moore liked his works to be in outdoor public spaces, recently more of his works are exhibited indoor due to vandalism and theft, according to the BBC news yesterday.

Moore rebelled against views of sculpture, instead finding inspiration from non-Western works he saw in museums. He pioneered carving directly from materials, evolving his signature abstract forms derived from the human body, with the influence of Modernism and Surrealism. His organic forms are generally pierced or contain hollow spaces. He was best known for his large scale abstract monumental bronze and marble sculptures which are located around London as well as the world as public art.

The exhibition is impressive and well-done. Though Moore’s works are smaller than his outdoor works, his unique style, primitive yet modern and simple, is certainly seen. His works have some sort of warmth and strength, and I felt calm and relaxed by looking at them. On the other hand, his drawings of people without faces and looking like mummies during German air raids, are painful to look at and vividly shows us the hardship that people went through during the World War II.


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Mariscal: Drawing Life @ Design Museum

Mariscal: Drawing Life @ Design MuseumMariscal: Drawing Life @ Design Museum

デザイン・ミュージアムで開催中の、スペイン人デザイナー・アーティスト、ハビエル・マリスカルJavier Mariscal)の回顧展「Mariscal: Drawing Life」が11月1日で終了する。1992年のバルセロナ・オリンピック公式マスコットコビー(Cobi)」のデザインで世界的に有名になったマリスカルの、30年以上に渡る多彩な創作活動が一堂に集められた、スペイン人らしい、実にカラフルで楽しい展覧会だ。1950年にバレンシアに生まれ、1970年以来バルセロナにベースを置くマリスカルの活動範囲は実に幅広く、創作活動なら何でも来い状態。「Mariscal: Drawing Life」では、マルチタレントであるマリスカルの、デザインベースであるドローイングやイラストレーションの他、絵画や彫刻、漫画のキャラクター、家具、照明、グラフィック・デザイン、コーポレート・アイデンティティ、家具などのインテリアデザイン、テキスタイル、造園、映像、写真等々、さまざまな作品が展示されている。

マリスカルは、1989年にEstudio Mariscalを設立、世界に名だたるデザイナーや建築家等とのプロジェクトを手がけてきた。著名建築家、設計者19名が各フロアをデザインして話題を呼んだ、2005年オープンのマドリッドの高級ホテル「ホテル・プエルタ・アメリカ」では、フェルナンド・サラス(Fernando Salas)とともに11階を担当。スペインの靴ブランド、Camper(カンペール)のバッグコレクション「Camper For Hands(カンペール・フォー・ハンズ)」のロゴタイプやグラフィックも手がけ、2003年9月に開店したカンペール表参道店も設計・デザインした。また、1991年から94年まで発行されていた日本のタウン誌・apo(アポ、S.S.コミュニケーションズ)のマリスカルの表紙デザインも見ることができる。

彼の、絶妙のカラーコーディネーション、奇抜なデザイン、ヘタウマ調のイラストは、時に騒々しいけれど、妙にほっとさせ、ハッピーな気分になる。まるで、真っ青な空に燦々と照る、スペインの太陽のようだ。

The first UK retrospective of Spanish designer and artist Javier Mariscal, “Mariscal: Drawing Life” at Design Museum will finish soon in November 1. This exhibition put Mariscal’s works over 30 years together on the same floor, and is extremely colorful and fun. Born in 1950 in Valencia and based in Barcelona since 1970, multi-talented Mariscal have produced a wide variety of works – anything creative. ‘Cobi‘, the official Olympic mascot he designed for the Barcelona 1992 Olympic Games, made his name worldly recognized.  Mariscal: Drawing Life presents his major works in all kinds of medium, raging from drawing and illustration which are the basis for his designs, to painting, sculpture, cartoon characters, interior design such as furniture and lighting, graphic design including corporate identity and typography, textiles, landscaping, films, photographs and so on.

He opened the Estudio Mariscal in 1989 and has collaborated in several projects with famous designers and architects. His most notable works include Hotel Puerta América in Madrid (opened in 2005), a project in which the best architecture and design studios of the moment participated. Estudio Mariscal and Fernando Salas were responsible for the interior design of the eleventh floor. He is in charge of the logotype and graphic for the new brand of bags for Camper, “Camper For Hands, ” and designed a Camper shop in Omotesando, Tokyo in September 2003.

Mariscal’s superb combinations of colors, innovative designs, and his very original style of “out-of-shape” illustrations, often noisy but at the same quite relaxing as well – it is like a bright Spanish sun in a clear blue sky.

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