A Bigger Splash: Painting after Performance @ Tate Modern

テートモダンで「William Klein + Daido Moriyama」を観た後は、1950年以降の絵画とパフォーマンスの関係を考察した、もう一つの特別展「A Bigger Splash: Painting after Performance」へ。展覧会の名前は、デイヴィッド・ホックニーの1967年の作品「A Bigger Splash」から取られており、最初の展示室には、この作品と共にジャクソン・ポロックの「Summertime」が展示されている。アクション・ペインティングの画法で知られるポロックがキャンバスはアクションの場と考えたのに対し、ホックニーは絵画は「架空世界への舞台入口」ととらえており、現代アートの2人の巨匠の違った絵画へのアプローチの対比が興味深い。

展覧会は2部に分かれており、前半では、アクション・ペインティングから始まり、ヘルマン・ニッチュをはじめとするウィーン行動派のパフォーマンスアート、1960年代後半〜70年代の四次元絵画、美とジェンダーに対するステレオタイプへの抗議が高まった70年代に活躍した、シンディ・シャーマンなど「transformer（変形・変化させる人）」たちの作品と、1950年代から80年代初期にかけてのパフォーマンスとアートの関係を探る。後半9室は、アクション・ペインティングやドラァグ、舞台芸術など、前半展示されたアーティスト達の実験的作品にインスピレーションを受けた若い世代のアーティストの作品が展示されている。アーティストは展示順に、Edward Krasinski（写真2枚目）、Marc Camille Chaimowicz（同3枚目）、Joan Jonas（ジョーン・ジョナス、同4枚目）、Guy de Cointet、Karen Kilimnik（カレン・キリムニック）、IRWIN、Jutta Koether、荒川 医、（写真5枚目）Lucy McKenzie（写真最後）。

感想？つまらないの一言。最初のホックニーとポロックの2作品とシンディ・シャーマンの変装写真以外、何も感じないし何も伝わってこない。前半の先駆者達の作品は、私の目には悪趣味に映る物が多いけれど、既成概念をぶち壊そうという気迫が少なくとも感じられるが、後半の若手アーティスト達の作品には、妙に落ち着いていてパワーもエネルギーも感じられない。テートの展覧会では久しぶりのハズレ。

After “William Klein + Daido Moriyama,” we saw another special exhibition running now at Tate Modern, “A Bigger Splash: Painting after Performance,” which explores the relationship between performance and painting since 1950. The exhibition takes its name from David Hockney‘s “A Bigger Splash” (1967, top photo), which is displayed together with Jackson Pollock‘s “Summertime” in the first room, showing two different approaches to painting: a canvas as a field of action for Pollock; and as a theatrical entrance into its fictional world for Hockney.

The exhibition is divided into two parts: the first half studies the relationship between performance and painting from the 1950s to the early 80s. The first part includes action paintings, works by Viennese Actionists using bodily actions, four dimensional painting (late 1960s – 70s), and works by “transformer” artists such as Cindy Sherman during the 1970s when stereotypical ideas of beauty and gender were challenged. In the second part, each room is devoted to a single artist/group of younger generation, whose approach to painting is inspired by their predecessors’ experiments in art form, such as action painting, drag and the idea of the stage set. Total of nine rooms are used for international artists, in order of Edward Krasinski (2nd photo), Marc Camille Chaimowicz (3rd), Joan Jonas (4th), Guy de Cointet, Karen Kilimnik, IRWIN, Jutta Koether, Ei Arakawa (5th photo), and Lucy McKenzie (bottom).

My opinion about the show? Boring. I didn’t feel anything, except the two key works by Hockney and Pollock, and Cindy Sherman’s photos of herself transformed into different characters. Many experimental art or performance art are not to my taste, but the pioneers of these art forms had at least enthusiasm to destroy the convention and to create a new style of art, and I could feel it, but works by younger counterparts don’t carry any passion and spark. It was one of the worst exhibition I have seen at Tate in recent years.

by Edward Krasinski

by Marc Camille Chaimowicz

by Joan Jonas

by Ei Arakawa

by Lucy McKenzie

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Patrick Keiller: The Robinson Institute / Tate Britain Commission 2012

Duveen galleriesに設置される、テートの収蔵品に呼応した作品創りをアーティストに依頼するアート・プロジェクト・Tate Britain Commissionの今年の作品は、アーティストで映像作家のPatrick Keiller（パトリック・キーラー）のインスタレーション「The Robinson Institute（3月27日〜10月14日）」。

30年以上に渡り、キーラーはイギリスの都会と田舎のランドスケープの映像に、文学的逸話、歴史的エピソード、時事問題、経済批評などに突飛なユーモアを交えたナレーションを加えた様々な映像作品を創り続けている。このインスタレーションは、イギリス各地を彷徨い歩くRobinson（ロビンソン）という名の架空の人物との偶然の出会いを古い映画撮影機で撮影した、キーラーの代表作品シリーズにインスピレーションを得たという。

イギリスの風景、政治、経済、歴史を考察するというこの「The Robinson Institute」は、時に超現実的でバラエティに富んだ、数世紀に渡る120以上の作品を集めている。ロビンソンのイメージは、主にテートのコレクションから選ばれた作品や、歴史家、地理学者、地図製作者、地質学者の研究と共に見ることが出来る。7部に分かれたインスタレーションでは、ジョゼフ・マロード・ウィリアム・ターナー、アンディ・ウォーホル、アンドレアス・グルスキー、ジャクソン・ポロック、デニス・オッペンハイムといった、内外の著名アーティストの作品の横に、1795年にヨークシャー州に落ちた隕石や、政府の修正法案、ビアトリクス・ポターの作品、SF映画「宇宙からの侵略生物（Quatermass 2）」の映像など、ちょっと趣向の変わった作品が並んでいる。

作品自体や作品のチョイスは面白いけれど、同じパートにある作品同士の繋がりとその意味が、外国人である私にはよくわからなかった。各パートに、イギリス人知識人でなくても、誰でも分かる説明があればいいのに、と思う。

Artist and independent film-maker Patrick Keiller created an unique installation called “The Robinson Institute” (Mar 27  –  Oct 14) at the Duveen galleries for Tate Britain Commission 2012, an art project which invites an artist to develop a new work in response to the Tate Collection.

Over the past 30 years Patrick Keiller has developed a range of films which combine expressionless images of British landscape, rural and urban, with a narration which draws together wide-ranging literary anecdotes, historical episodes, current affairs, economic critique and offbeat humour. “The Robinson Institute” is inspired by Keiller’s best known films in which his fictional creation – an elusive scholar named Robinson – wanders the English landscape and records his chance encounters on an old cine camera.

The exhibition is the reflection of the British landscape, politics, economics and history and it brings together more than 120 diverse and often surreal artworks and objects from across several centuries. Robinson’s images are shown alongside other artworks, mainly from the Tate’s own collections, as well as works by historians, geographers, cartographers and geologists. The seven-part installation includes renown international artists such as JMW Turner, Andy Warhol, Andreas Gursky, Jackson Pollock and Dennis Oppenheim, together with unusual objects such as meteorite that fell in Yorkshire in 1795 and a parliamentary amendment, as well as Beatrix Potter and clips from the Hammer’s sci-fi horror Quatermass 2.

Individual works are impressive and the choice of works are interesting, but it is not easy to understand the connection between each work and messages behind, for me as a foreigner who don’t know about UK fully. I wish there were an explanation at each part of the installation that helps me understand what it is about (or did I miss it??).

Arshile Gorky: A Retrospective @ Tate Modern

2月10日から始まった、テート・モダンの新しい展覧会「Arshile Gorky: A Retrospective」。アルメニア人のアーシル・ゴーキー（1904 – 1948）は、マーク・ロスコやジャクソン・ポロック、ウィレム・デ・クーニング等と並ぶ、20世紀アメリカで最もパワフルな画家の一人で、抽象表現主義の形成に重要な役割を果たした。ゴーキーは、トルコによるアルメニア人虐殺を逃れて、1915年に母と3人姉妹と故郷を脱出。1920年に、徴兵を避けて先に移住していた父親を頼って、アメリカにやってきた。その2年前の1919年に、避難先のロシア領地で、母親を飢えのために亡くしている。本名はVostanik Manoog Adoyan（ヴォスダニック・マヌーク・アドヤン）だが、ロシア人作家のMaxim Gorky（マクシム・ゴーリキー）にちなんで「ゴーキー」と改名した。彼の初期の静物画作品には、ポール・セザンヌやピカソ等の影響が垣間見えるが、1920年代後半から1930年代にかけてキュビズムに傾倒。そして1940年代にはシュルレアリスムに移行、抽象表現主義の先達として、ポロックやデ・クーニング、その他若手画家に大きな影響を与えた。しかし、私生活では癌との戦いや交通事故等災難が続き、1948年、自殺によってその人生を終えた。

The new exhibition of Tate Modern, “Arshile Gorky: A Retrospective” started on February 10. Armenian-born Arshile Gorky (c.1904 – 1948) was one of the most powerful American painters of the twentieth century, along with Mark Rothko, Jackson Pollock and Willem de Kooning, and was an influential figure in the formation of Abstract Expressionism. Gorky fleed his home town with his mother and his three sisters during Armenian Genocide by Turkey in 1915, and arrived to the US in 1920 to reunite with his father, who emigrated to America to avoid the draft earlier. In the meantime he lost his mother of starvation in 1919 in the Russian-controlled territory where he sought refuge. Gorky, born Vostanik Manoog Adoyan, adopted his new name with reference to the Russian writer Maxim Gorky. His early still-lives show the influence of Paul Cézanne, Picasso and others, but he experimented with cubism in the late 1920s and early 1930s, eventually moving to surrealism in 1940s, which led him to precede the Abstract Expressionism for Pollock, de Kooning and other younger painters. However, his career was cut short by a series of personal misfortunes such as a fight against cancer and a traffic accident – his despair pushed him to commit suicide in 1948.

彼の画風は、試行錯誤の過程で、その時々で変わっていったけれど、その暖かみを感じさせる深い色合いと有機的で柔らかい線は一貫している。そして、苦労に満ちた人生経験故か、彼の作品は、どれも一抹の寂しさを感じさせる。故郷のアルメニアの思い出や望郷の念をテーマとした作品も多い。私が一番好きなのは、彼の代表作の一つである、8歳の頃に母親と撮った写真を元に描かれた「The Artist and His Mother」2作。少年の頃に亡くした母への想いが痛いほど伝わってくる、とても優しくて切ない絵だ。彼は長年にわたって、何度もこの絵に手直しを加えたと言う。1940年代に田舎に移り住み、やっと過去の苦しみから解き放たれ、自由な線や明るい色を使った生き生きした作品を作り出し、画家としての才能とキャリアが花開こうとしていた矢先に、数々の不幸に見舞われ、自らの命を絶ってしまった。彼がもう少し長生きしていたら、その後どんな絵を描いていただろう。

Although his style changed over the years, trying out different approaches, his warm and deep colors and soft flowing lines are consistent throughout. Also his works give me a feeling of little sadness, probably because of his difficult life. He also often dealt with his memory of his native Armenia in his early to mid works. My favorite work is two versions of The Artist and His Mother, based on a photo of him and his mother taken when he was 8 years old. The paintings show his deep affection for his late mother and his childhood memory, and it is really touching. He worked and reworked the painting over many years. He began to work in the countryside in early 1940s and his artworks started to look more liberated from his painful memories, using free and flowing lines and vibrant and cheerful colors. Sadly it didn’t last long – he ended his career and life, just about the time when he took off to flourish his career as a pioneer in Abstract Expressionism. I wonder, if he had lived longer, how his future works would have been.