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Paul Klee: Making Visible @ Tate Modern

テートモダンで開催中のPaul Klee: Making Visible展(10月16日〜2014年3月9日)は、スイス生まれの20世紀ヨーロッパ・モダニズムの巨匠・パウル・クレーの回顧展で、ロンドンの今年秋・冬の目玉展の一つ。世界中のコレクションから、絵画、ドローイング、水彩画が集められ、クレー自身が決めた過去の展覧会での作品の展示の順序を、この展覧会で再現している。

全17室からなる展覧会では、クレーの作品を時系列に展示。ワシリー・カンディンスキーフランツ・マルクとともにのミュンヘンで結成した表現主義画家たちの集まり・青騎士グループのメンバーとして、多彩な四角形を組み合わせた抽象的な独自の画風の確立した1910年代に始まり、教鞭をとったバウハウスでの10年間の作品、そしてナチス政権により「退廃芸術」のレッテルを貼られて新しい教職を剥奪されスイスのベルンに亡命した後、難病と闘いつつ多くの作品を生み出した晩年の作品へと続く。

クレーの作品の多くは小さいサイズだが、大きさに反比例し、その小さなカンバスは、豊かな色彩と自由な想像力に満ちている。見応えのある展覧会。

→Art Fundによる解説ビデオ

Paul Klee: Making Visible (Oct 16 – Mar 9, 2014) at Tate Modern is a major retrospective of the early 20-centry master of European modernism, Paul Klee, and one of the London’s must-see exhibitions this fall&winter. Paintings, drawings and watercolours from collections around the world are displayed alongside each other as Klee originally intended, often for the first time since Klee exhibited them himself.

This 17-room exhibition traces Klee’s career chronologically, beginning in Munich during the World War I, when he joined Der Blaue Reiter founded by Franz Marc and Wassily Kandinsky and established of his unique style of abstract patchworks of colour. It follows the decade of teaching and working at the Bauhaus, and his prolific final years in the 1930s in Bern, after he was dismissed from his teaching position by the Nazis and took refuge in Switzerland, as his works were labelled ‘degenerate art’ in Germany.

Most of his works are small in size, but on the opposite to its size, those are filled with rich colors and lots of imagination. Intriguing.

The Art Fund’s introduction video to the exhibition

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Mira Schendel @ Tate Modern



テートモダンで開催中のMira Schendel展(9月25日〜2014年1月19日)は、20世紀のブラジルアート界における最も重要なアーティストの一人で、ヨーロッパのモダニズムをブラジルで再構築した、Mira Schendel(ミラ・シェンデル)の回顧展。1950年代の初期の作品から1987年の最期のシリーズ作品まで、250以上の絵画、ドローイング、彫刻作品が集められている。

1919年にチューリッヒでユダヤ系の両親の元に生まれたシェンデルは、イタリアでカトリック教徒として育てられた。この経験が、後のアート制作における精神的かつ哲学的アプローチに繋がっている。1938年、イタリアでユダヤ人を排斥する法律が成立したことに伴い、イタリア国籍を剥奪され、大学を去ることになったシェンデルは、ユーゴスラビアを経て1949年にブラジルに移住、アーティストとしてのスタートを切る。またインテリのグループに参加、哲学者や精神科医等と交流することによって、美的感覚や哲学についての関心を深めた。初期の頃は、生活のためにグラフィックデザイナーとして働き、本の表紙やポスター、イラストレーション等も手がけている。

シェンデルは多作で多面性を持つアーティストとして知られる。独学で、ジョルジョ・モランディジョルジョ・デ・キリコパウル・クレーなどの作品から静物画、非対称性、建築的構成を学び、彼女の作品には、レトリスムカラーフィールド・ペインティングミニマル・アートコンセプチュアル・アートの要素が見られ、ブラジルのアバンギャルドに衝撃を与えたConcrete art具体芸術)やNeo-concre art(新具体芸術)運動に貢献したが、特定のアートムーブメントには属さなかった。生涯、ブラジルやヨーロッパの詩人や哲学者、神学者たちと交流を続け、宗教や哲学の問題や、物質的・文化的・言語学的置換を作品の重要なテーマとした。また、東洋の宇宙観や中国の水墨画からも影響を受け、水墨画風の作品も制作している。

言葉やイメージの組み合わせ、空間や時間を象徴するらせん形のモチーフ、半透明のライスペーパーの使用などに代表されるシェンデルの作品は、繊細で静謐、そして奥が深い。ブラジル以外ではあまり知られていないのが意外だ。

Mira Schendel exhibition at Tate Modern (Sep 25 – Jan 19, 2014) is a major retrospective of one of the most significant and influential Brazilian artists of the 20th century, Mira Schendel, who reinvented European Modernism in Brazil. The show features more than 250 paintings, drawings and sculptures, from her early paintings during the 1950s to her last series in 1987.

Schendel was born in Zurich in 1919 to parents of Jewish heritage, but grew up in Italy as a Catholic, and this experience contributed to her profoundly spiritual and philosophical approach to her art making. In 1938, she was stripped of her Italian nationality and forced to leave university when anti-Semitic laws were introduced in Italy. After fleeing to Yugosalvia and then Brazil in 1949, she began her career as an artist. She joined an intellectual circle and there explored ideas concerning aesthetics and philosophy. She also worked as a graphic designer, producing book covers, posters and illustrations to make a living at her early career.

Schendel was a prolific and complex artist. Largely self taught, she drew inspiration for her still-lifes, interiors and asymmetrical, architectonic compositions from artists such as Giorgio Morandi, Giorgio de Chirico and Paul Klee. Her works contain elements of Lettrism, Color Field paintingMinimalism and early Conceptual art, but she was never associated with a single movement while having contributed to the Concrete art and Neo-concre art movements that stormed the Brazilian avant-garde. In life, Schendel was an keen reader and continued correspondence with poets, philosophers and theologians throughout Brazil and Europe, and as a result, physical, cultural and linguistic displacement are key themes in her work, together with issues of religion and philosophy. She was also influenced by Far Eastern cosmovision and created works inspired by Chinese painting.

Schendel’s work, characterized by such as combining word and image, using spiral motifs which signify an image and an investigation of space and time, or applying on semi-transparent rice papers, and is rather quiet and delicate yet profound. It is surprising that she is little known outside Brazil!

言葉や詩を探求したシリーズ作品・Graphic Objects。1968年のヴェネツィア・ビエンナーレにお目見えした。

Graphic Objects, a collection that explores language and poetry, first shown at the 1968 Venice Biennale

Still Waves of Probability, 1969

60年代のグラフィックデザイン作品。50年近くも前と思えないモダンさ。

Schendel’s graphic design work in 60s is still amazingly fashionable and modern in present time

Ibrahim El-Salahi: A Visionary Modernist @ Tate Modern

Ibrahim El-Salahi: A Visionary Modernist」(9月22日まで)は、アフリカン・モダニズムにスポットを当てた、Tate Modern初の展覧会。ニューヨークにあるMuseum for African Artがテートモダンの協力のもとにオーガナイズした、このスーダン人アーティスト・Ibrahim El-Salahiの大規模回顧展では、アフリカン/アラブモダニズムの重鎮である彼の、50年以上に及ぶ100点の作品を展示している。

イスラム教、アフリカ、アラブ世界、そして西洋アートを融合した、スーダンのモダンアートの先駆けとして知られるEl-Salahiは、50年代にスーダンとロンドンにあるSlade School of Fine Artでアートを学ぶ。1957年にスーダンに帰国、その後カタールを経て、1990年代以降はイングランドに居住しているそう。

El-Salahiの作風は、正直好みではないが、彼の創造力とエネルギーに溢れたエキゾチックでオリジナルな作品は印象に残る。アフリカ人アーティストの大規模展はこれが初めてだけれど、アフリカ大陸が経済成長を果たすにつれ、これからアート界の新しいスターがどんどん出て来るだろう。その異文化からのアートに刺激を受け、既存のアートがどう進化していくのか楽しみだ。

Ibrahim El-Salahi: A Visionary Modernist (until Sep 22)  is the first Tate Modern exhibition, dedicated to African Modernism. Organised by the New York’s Museum for African Art in association with Tate Modern, this major retrospective of Sudanese artist Ibrahim El-Salahi brings together 100 works from over 50 years of his career, and highlights one of the most significant figures in African and Arab Modernism.

El-Salahi studied art in Sudan and at the Slade School of Fine Art in London in the 1950’s. He returned to Sudan in 1957 but lived in Qatar before settled in England in the 1990s. He is considered a pioneer in Sudanese art with his integration of Islamic, African, Arab and Western artistic traditions.
Though El-Salahi’s work is not really my taste to be honest, but I enjoyed seeing his distinctive paintings: exotic and imaginative, and original and impactful. I’ve never seen the major exhibition of an African artist, but it is exciting to see more of the art from different area of the world in the near future, as the African continent has been experiencing rapid economic growth.

偶然、本人が友人や家族?と記念撮影している場面に遭遇

I happened to see the artist, taking a photo with his family or friends

Schwitters in Britain @ Tate Britain

Tate Britainで開催中のSchwitters in Britain (1月30日〜5月12日)は、ダダイスム構成主義シュルレアリスムなど近代芸術運動で活躍し、詩、サウンド、絵画、彫刻、グラフィック・デザイン、タイポグラフィ、そして後にインスタレーションと呼ばれる様々な手法を用いたヨーロッパ・モダニズムの巨匠でドイツ人アーティスト、Kurt Schwittersクルト・シュヴィッタース)の展覧会。Schwitters in Britain展では、戦争避難民として1940年にイギリスに到着してから1948年の彼の死まで、イギリスで活動していた期間の作品を主に、商品パッケージや新聞の切れ端などありふれた素材を使った150以上のコラージュや、彫刻作品、絵画などが展示されている。シュヴィッタースは、芸術目的のため、想像しうる全ての物を組み合わせる「メルツ」という概念を生み出し、found object(偶然見つけたもの)や日常生活の中にあるものを抽象的コラージュ、インスタレーション、詩、パフォーマンスに用いるスタイルを確立。彼の作品は、リチャード・ハミルトンエドゥアルド・パオロッツィダミアン・ハーストなど、後のイギリス人アーティスト達にも大きな影響を与えた。

シュヴィッタースは、自身の作品がナチス政府に「退廃芸術」との烙印を押されたことにより、1937年にドイツを離れ、最初の3年は息子が居たノルウェーに滞在。ナチスのノルウェー占領を機に、1940年にイギリスに渡ったが、敵国国民として1941年に解放されるまで各地の収容所で過ごした。その後、ロンドンのアート界で活躍、イギリス人アーティストや美術批評家と交流を深めた。1945年に湖水地方に移住、自然の素材を作品に使い始めた。また、出身地・ハノーファーで作り上げた建築的大規模構成作品・Merzbau(メルツ建築/メルツバウ)と呼ばれる作品の一環として、ここでもMerz Barn(メルツ小屋、物置)を制作した。展覧会は、シュヴィッタースの遺志を受け継いで、アーティスト・Adam ChodzkoとLaure Prouvostが制作した委託作品で締めくくられている。

戦時のムードや彼の避難民としての経験を反映してか、シュヴィッタースの抑えた色調の作品は、控えめで少し陰鬱な印象で、先日書いたリキテンスタイン展とは正反対。多くの人は、偉大なアーティストでモダンアートのパイオニアであるシュヴィッタースの作品に感銘を受けているのであろうが、私は何故か彼の有名なコラージュ作品群を見ても何とも感じないのだ。彼の正統派作品のポートレートや風景画(参照:FT / Guardian)は悪くないのだが、ただ単に私の好みじゃないのですよ。。。

→展覧会の写真:Guardian

Schwitters in Britain (January 30 – May 12) at Tate Britain is the major exhibition to examine the late work of German artist Kurt Schwitters, one of the major artists of European Modernism, who worked in several genres and media including DadaConstructivismSurrealism, poetry, sound, painting, sculpture, graphic designtypography and installation art. Focusing on his British period from his arrival in Britain as a refugee in 1940 until his death in 1948, the exhibition showcases over 150 collages, often incorporated fragments from packaging and newspapers, as well as sculptures and paintings. Schwitters invented the concept of Merz, ‘the combination, for artistic purposes of all conceivable materials’, and pioneered use of found objects and everyday materials in abstract collage, installation, poetry and performance. His work has influenced later British artists such as Richard HamiltonEduardo Paolozzi and Damien Hirst

Schwitters was forced to flee Germany in 1937, when his work was condemned as ‘degenerate’ by Nazi government and first settled in Norway for  three years. He escaped to Britain in 1940 after the Nazi occupation of Norway but had been detained as an enemy alien until his release in 1941. Then he became involved with the London art scene, engaging with British artists and critics such as Ben Nicholson and Herbert Read. In 1945 Schwitters relocated to the Lake District, and began to incorporate natural objects into his work. The move also culminated in the creation of his sculpture and installation, the Merz Barn, a continuation of his Hanover architectural construction MerzbauThe exhibition ends with commissions by artists Adam Chodzko and Laure Prouvost made in collaboration with Grizedale Arts to explore the Schwitters’ legacy.

Schwitters work using muted colours is rather understated and somehow gloomy, probably reflected the atmosphere of the war time and his life experience as a refugee. Completely oposite to the ambience of the Lichtenstein exhibition. He must be a great artist and a pioneer of modern art, and probably many people love the exhibition, but I don’t feel anything by looking at his famous collages, though I like his conventional portraits and landscape paintings (such as in FT and Guardian). His work is just not my cup of tea…

→See more photos: Guardian

William Kentridge: I am not me, the horse is not mine @ Tate Modern

書くのを忘れていたが、テートモダンの「William Klein + Daido Moriyama」展と「A Bit Splash」展を観に行った時、Tanksで最近始まった、南アフリカ出身のアーティスト・William Kentridgeウィリアム・ケントリッジ)のヴィデオ・インスタレーション「I am not me, the horse is not mine」も見た。反アパルトヘイト運動に従事していた弁護士の両親のもとヨハネスブルグで育ったケントリッジは、素描を使ったアニメーション作品などで、時にアパルトヘイトや植民地支配を取り上げている。

I am not Me, the Horse is not Mine」は、ケントリッジがデザインと演出を手がけた、ニューヨーク・メトロポリタン歌劇場の上演作品・ドミートリイ・ショスタコーヴィチのオペラ「 The Nose)」から派生した作品で、Tanksの1室のぐるりの壁に、1920〜30年代のソビエト連邦の映像やロシア・アヴァンギャルドの悲惨な結末など、ロシア・モダニズムをテーマにした8つのビデオ(各6分)を同時投影したもの。ロシア構成主義のグラフィックデザイナーの幾何学的抽象作品のパロディーである、切り絵風の人物を使ったアニメーションや、ロシア革命を含む1920〜30年代の写真・映像と、次から次へと変わっていくスクリーンは、見ていて楽しいけれど、正直意味不明。なのでテレグラフ紙の記事を読んでみたが、それでも分からない。意味を考えずに鑑賞するのが正解かも。

I forgot to write, but when we went to see “William Klein + Daido Moriyama” and “A Bit Splash,” we also saw the new video installation “I am not me, the horse is not mine” (till January 20, 2013) by South African artist William Kentridge at the Tanks at Tate Modern. Kentridge grew up in Johannesburg with his parents who were lawyers involved in the anti-apartheid movement, and he often addresses apartheid and colonialism through his animated films using charcoal draw.

I am not Me, the Horse is not Mine” started out as the Metropolitan Opera’s production of Dmitry Shostakovich’s opera, The Nose, which Kentridge designed and directed. It is an eight-channel video installation, projected simultaneously across the walls. Each 6-minute film is played on a continuous loop and contributes layers to a story that references Russian modernism, from Soviet film of the 1920s and 1930s to the calamitous end of the Russian avant-garde. The images change rapidly between animation featuring paper cutout of human figures, parodying the geometric abstraction of Russian Constructivist graphic designers, and old photos and films from the 1920s and 1930s, including of Russian Revolution. It was fun to look at, but I didn’t get what it means. I read the Telegraph article, and I still don’t get it…

Migrations: Journeys into British Art @ Tate Britain

テート・ブリテンで1月31日から開催中の展覧会「Migrations: Journeys into British Art」(8月12日まで)に行った。イギリスにおける交通、政治、経済の発展は、多くの外国人アーティストたちを惹き付けてきた。この展覧会は、1500年代から現在まで、これらの「migrant(移住)」アーティストたちがイギリスのアート界に及ぼした影響を探求している。

16世紀に宗教改革八十年戦争等の混乱を避けてイギリスに移り住んだ、フランドルやオランダの風景・静物画家は、新しいスタイルの肖像画法をもたらし、北ヨーロッパからやってきた17世紀アーティストたちは、海や風景画といった新しい絵画のジャンルを導入した。18世紀には、イタリアで学び新古典主義を確立した様々な国のアーティストたちがロンドンに定住、1768年のRoyal Academy of Arts(ロイヤル・アカデミー・オブ・アーツ)設立にも貢献した。19世紀には、多くのイギリス人や、ジェームズ・マクニール・ホイッスラーといったアメリカ人アーティストが、パリでアートを学んだが、その後彼らはパトロンを求めてロンドンに移り住んだ。また同時に、普仏戦争から逃がれてきたフランス人アーティストたちも多かった。20世紀初期には、ユダヤ人アーティストやユダヤのアートが話題を呼び、1930〜40年代には、モンドリアンモホリ=ナジ・ラースローナウム・ガボなど、ナチスドイツを逃れてヨーロッパ中からやってきた人々がモダニズム主義を持ち込んだ。50〜60年代には旧植民地の国々からアートを学びにやってきたアーティストたちがモダニズムに傾倒、概念的アプローチを取り、カウンターカルチャーの一翼を担った。80年代はBlack Audio Film Collectiveなど、移民のバックグラウンドを持つアーティストたちが、アートを通して、人種的マイノリティとしての自分と、イギリス人としてのアイデンティティの模索を行った。Zineb SediraSteve McQueen(俳優のスティーブ・マックィーンと同姓同名のイギリス人アーティスト/映画監督)といった現代アーティストたちは、映像を使って現実をドキュメントし、またそのリアリティに疑問を投げかけている。

500年間に渡って、違う文化を持つアーティストたちとの交流によって形作られてきたイギリスのアートの変遷と、その背景にあるイギリス・世界の歴史を知ることができる面白い展覧会だと思うが、テートにしては、ちょっと小粒というかインパクトがないというか、あまり心に残らないのが残念。

写真:ガーディアン紙フォトギャラリー

We saw a Tate Britain‘s exhibition, Migrations: Journeys into British Art (January 31 –  August 12). Developments in transport, artistic institutions, politics and economics have attracted artists to come to Britain, and the exhibition exploring how British art has been shaped by migrant artists from abroad from 1500 to the present day.

In the 16th century, Flemish and Dutch landscape and still-life painters  including Anthony van Dyck, came to Britain through moments of political and religious unrest and  introduced a new style of portraiture. 17th century European migrants brought new genre, such as marine and landscape painting, to UK. During the 18th century, artists from different countries who studied in Italy and developed a neoclassical style, settled in London and contributed in founding of the Royal Academy of Arts in 1768. Many 19th-century British and American artists, such as Whistler, studied in Paris and established themselves in London for patronage, as well as French artists who also escaped the Franco-Prussian war and its political aftermath. In the early 20th century, Jewish artists and Jewish art were explored in Britain. In the 1930-40s, European artists such asMondrian, Naum Gabo and Laszlo Maholy-Nagy, escaped from Nazi Germany and brought modernist principles. In the 50-60s, artists from the Commonwealth countries came to study and engaged with modernism. They took a conceptual approach and became a part of a counterculture. In the 80s, British artists of immigrant backgrounds, such as the Black Audio Film Collective, explored race and national identity. Present time contemporary artists, including Zineb Sedira and Steve McQueen, use moving image for both documenting and questioning reality,

Migrations is an interesting exhibition, showing us the development of British art over 500 years, interacting with people from different cultures from time to time, as well as a bit of British and world history. But it lacks of punch in some way, and didn’t give me something that remains in my heart.

→more photos: Guardian photo gallery

Postmodernism: Style and Subversion 1970-1990 @ V&A

Vodpod videos no longer available.

9月24日から始まったヴィクトリア&アルバート博物館の「Postmodernism: Style and Subversion 1970-1990ポストモダニズム:スタイルと破壊)」(9月24日〜翌年1月15日)を観た。ポストモダニズムとは何か、それはどのように発生したかを探求するこの大規模展覧会では、「Less is more(より少ないことは、より豊かなこと)」をモットーに、機能第一で装飾や無駄を一切排したモダニズム建築への反発から始まり、建築のみならずアート、グラフィックス、音楽、ファッションの分野で70〜90年代のポップカルチャーを席巻したポストモダニズムの代表作品250点以上が、一堂に会している。

ポストモダニズム絶頂期に青春を過ごした身、展示物一つ一つに懐かしさを感じる反面、なんて悪趣味な時代だったんだろうと思う。最悪だったのはポストモダニズム絶頂期の80年代半ばか。装飾過多かつ原色多用、奇抜。バブル経済と相まって、いい意味でも悪い意味でも自由闊達、何でもありのイケイケの時代だった。でも経済停滞で元気のない今を思うと、希望と欲望に溢れた、いい時代だったんだなあ。

We went to see the V&A‘s new exhibition “Postmodernism: Style and Subversion 1970-1990” (September 24 – January 15, 2012), exploring what postmodernism means and where it came from. Started as a counter reaction against “less is more” stoic modernism architecture, postmodernism idea soon spread to the realm of pop culture such as art, graphics, music and fashions. The exhibition showcases more than 250 objects in a variety of genres to show us what is postmodernism all about.

I lived through the postmodernism era, and the show made me feel a bit nostalgic and sentimental, but at the same time made me realize how terrible the style of the period was! May be the worst time was the mid 1980s, when was the hype of postmodernism. Exaggerated, gaudy, and eccentric. So much freedom and no-holds-barred, in a good way and a bad way, together with an economic boom. But when I look back, in compare to now in deep recession, it was a very good time – full of desires, enthusiasm and hopes.

Andy Warhol, Dollar Sign (1981)