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Schwitters in Britain @ Tate Britain

Tate Britainで開催中のSchwitters in Britain (1月30日〜5月12日)は、ダダイスム構成主義シュルレアリスムなど近代芸術運動で活躍し、詩、サウンド、絵画、彫刻、グラフィック・デザイン、タイポグラフィ、そして後にインスタレーションと呼ばれる様々な手法を用いたヨーロッパ・モダニズムの巨匠でドイツ人アーティスト、Kurt Schwittersクルト・シュヴィッタース)の展覧会。Schwitters in Britain展では、戦争避難民として1940年にイギリスに到着してから1948年の彼の死まで、イギリスで活動していた期間の作品を主に、商品パッケージや新聞の切れ端などありふれた素材を使った150以上のコラージュや、彫刻作品、絵画などが展示されている。シュヴィッタースは、芸術目的のため、想像しうる全ての物を組み合わせる「メルツ」という概念を生み出し、found object(偶然見つけたもの)や日常生活の中にあるものを抽象的コラージュ、インスタレーション、詩、パフォーマンスに用いるスタイルを確立。彼の作品は、リチャード・ハミルトンエドゥアルド・パオロッツィダミアン・ハーストなど、後のイギリス人アーティスト達にも大きな影響を与えた。

シュヴィッタースは、自身の作品がナチス政府に「退廃芸術」との烙印を押されたことにより、1937年にドイツを離れ、最初の3年は息子が居たノルウェーに滞在。ナチスのノルウェー占領を機に、1940年にイギリスに渡ったが、敵国国民として1941年に解放されるまで各地の収容所で過ごした。その後、ロンドンのアート界で活躍、イギリス人アーティストや美術批評家と交流を深めた。1945年に湖水地方に移住、自然の素材を作品に使い始めた。また、出身地・ハノーファーで作り上げた建築的大規模構成作品・Merzbau(メルツ建築/メルツバウ)と呼ばれる作品の一環として、ここでもMerz Barn(メルツ小屋、物置)を制作した。展覧会は、シュヴィッタースの遺志を受け継いで、アーティスト・Adam ChodzkoとLaure Prouvostが制作した委託作品で締めくくられている。

戦時のムードや彼の避難民としての経験を反映してか、シュヴィッタースの抑えた色調の作品は、控えめで少し陰鬱な印象で、先日書いたリキテンスタイン展とは正反対。多くの人は、偉大なアーティストでモダンアートのパイオニアであるシュヴィッタースの作品に感銘を受けているのであろうが、私は何故か彼の有名なコラージュ作品群を見ても何とも感じないのだ。彼の正統派作品のポートレートや風景画(参照:FT / Guardian)は悪くないのだが、ただ単に私の好みじゃないのですよ。。。

→展覧会の写真:Guardian

Schwitters in Britain (January 30 – May 12) at Tate Britain is the major exhibition to examine the late work of German artist Kurt Schwitters, one of the major artists of European Modernism, who worked in several genres and media including DadaConstructivismSurrealism, poetry, sound, painting, sculpture, graphic designtypography and installation art. Focusing on his British period from his arrival in Britain as a refugee in 1940 until his death in 1948, the exhibition showcases over 150 collages, often incorporated fragments from packaging and newspapers, as well as sculptures and paintings. Schwitters invented the concept of Merz, ‘the combination, for artistic purposes of all conceivable materials’, and pioneered use of found objects and everyday materials in abstract collage, installation, poetry and performance. His work has influenced later British artists such as Richard HamiltonEduardo Paolozzi and Damien Hirst

Schwitters was forced to flee Germany in 1937, when his work was condemned as ‘degenerate’ by Nazi government and first settled in Norway for  three years. He escaped to Britain in 1940 after the Nazi occupation of Norway but had been detained as an enemy alien until his release in 1941. Then he became involved with the London art scene, engaging with British artists and critics such as Ben Nicholson and Herbert Read. In 1945 Schwitters relocated to the Lake District, and began to incorporate natural objects into his work. The move also culminated in the creation of his sculpture and installation, the Merz Barn, a continuation of his Hanover architectural construction MerzbauThe exhibition ends with commissions by artists Adam Chodzko and Laure Prouvost made in collaboration with Grizedale Arts to explore the Schwitters’ legacy.

Schwitters work using muted colours is rather understated and somehow gloomy, probably reflected the atmosphere of the war time and his life experience as a refugee. Completely oposite to the ambience of the Lichtenstein exhibition. He must be a great artist and a pioneer of modern art, and probably many people love the exhibition, but I don’t feel anything by looking at his famous collages, though I like his conventional portraits and landscape paintings (such as in FT and Guardian). His work is just not my cup of tea…

→See more photos: Guardian

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Edvard Munch: The Modern Eye @ Tate Modern

テート・モダンで新しく始まった「Edvard Munch: The Modern Eye」展(6月28日〜10月14日)は、エドヴァルド・ムンクの20世紀の作品を集めた展覧会で、主にオスロのムンク美術館から貸し出された、60点の絵画と映像・写真作品を展示している。ノルウェー出身のムンクは19世紀象徴主義の画家で、20世紀初頭のドイツ表現主義にも影響を与えたことで知られる。残念ながら彼の代表作である「叫び」の展示はないけれど、ムンクの作品の特徴である同じテーマの繰り返し、セルフ・ポートレートへの執着、そして映画や写真といった当時としては画期的なメディアや技術の作品への影響にスポットを当て、違った角度から彼の作品に光を当てている。

ムンクは、「The Sick Child(病める子、1885–1927)」や「Girls on the Bridge (橋の上の少女たち、1902–27。写真上)」など、長年に渡って、同じモチーフを使用して違うバージョンの作品を多く制作した。写真を用いて描いた、「Self-portrait: Between the Clock and the Bed (自画像:時計とベッドの間、1941)」などのセルフ・ポートレートも、繰り返し描かれたテーマの一つ。また彼の作品には、顕著な前景や強調された対角線など、20世紀に発展した映画や写真技術の影響も多く見られ、「Workers on their Way Home (帰途につく労働者たち、1913–14)」に見られるような、人物像がこちらに向かってくるかのような視覚トリックや、「The Artist and his Model(画家とモデル、1919–21)」における、劇場の舞台の照明効果なども、作品に取り入れた。1930年代に入り、病気によって視力が衰えると、その視力の衰えの影響を反映した作品を描いている。

この展覧会には、「叫び」のように衝撃的な作品はないが、ダイナミックな構図や深みのある色彩を用いたムンクの作品の数々からは、彼の心の闇や痛みがひしひしと伝わってくる。叫びがあまりにも強烈なだけに、少し地味に感じるかもしれないけれど、心に残る展覧会で、私は好きだ。→写真:BBC

Tate Modern’s new exhibition “Edvard Munch: The Modern Eye” (Jun 28 – Oct 14) examines the work of Norwegian painter Edvard Munch (1863–1944) from the 20th century, including 60 paintings as well as his work in film and photography, many from the Munch Museum in Oslo – though his best known work of “The Scream (1893) is missing. Munch has traditionally been portrayed as a 19th-century symbolist or pre-expressionist who influenced German Expressionism in the early 20th century. This exhibition shows us his works from a different angle and highlights his use of single motifs, his preoccupation with self-portraiture, and the influence of contemporary media on his work.

Munch often repeated a single motif over years in order to re-work it and created several different versions, such as The Sick Child (1885–1927) and Girls on the Bridge (1902–27: in the photo above). He adopted photography in the early 20th century and focused on self-portraits, which he obsessively repeated, such as in Self-portrait: Between the Clock and the Bed (1941). Influence by technological developments in cinema and photography can be seen on much of his works, such as use of prominent foregrounds and strong diagonals, and the visual trick of figures moving towards the spectator as in Workers on their Way Home (1913–14). He also created striking effect in some of his works such as The Artist and his Model (1919–21), using electric lighting on theatre stages. In the 1930s he developed an eye disease and made works which charted the effects of his degenerating sight. 

Many of his works on display are not as shocking and dreadful as The Scream, but his paintings with dynamic composition and use of deep colours scream out the same pain and anguish Munch had suffered through his life. Understated yet powerful exhibition, and I like it. → more photos: BBC

“The Great White Silence” @ BFI Southbank

Vodpod videos no longer available.

5月20日より公開される、ロバート・スコット率いる南極探検(1910〜1913年)の記録映画「The Great White Silence(1924年)」を見た。隊に同行したHerbert Ponting(ハーバート・ポンティング)が、探検隊と南極の大自然やそこに生息する動物たちを記録。「The Great White Silence」は、1924年に彼が、実写映像に字幕、写真、地図、肖像画などを組み合わせ、着色・再編集した映像を、BFI National Archive英国映画協会ナショナル・アーカイヴ)が最新デジタル技術を駆使し、色鮮やかに蘇らせた、ドキュメンタリー・サイレント映画だ。

南極探検なんて興味がなかったし、アムンセンやスコットなど、大昔に勉強した初期探検隊のわずかばかりの知識しかなく、途中で寝てしまうかもという不安を抱えて行ったのだが、これがなかなかの当たりだった。100年も前に生きた探検隊たちの日常生活や探検の準備の記録に加え、愛嬌のある顔つきのアデリー・ペンギンやあざらしの親子、赤ちゃんアザラシを狙うシャチの群れ、カモメの孵化の様子など、厳しい自然の中に生きる動物たちの生き生きとした生態や、巨大な氷山や氷の形成といった南極の幽玄で壮大な景観を写し出した映像は、素晴らしかった。サイモン・フィッシャー・ターナー(Simon Fisher Turner)が、当時の蓄音機で探検隊が聴いていたレコードや、南極大陸に向けて乗船したTerra Nova(テラ・ノヴァ)号の鐘の音などを取り入れて作り上げた、モダンで叙情的な音楽と相まって、映画の最後の瞬間まで楽しんだ。

前半の南極基地や動物たちの楽しげな映像の後に続く、南極点への厳しい道のり、そしてスコット隊がノルウェーのアムンセン隊に南極点到達の先を超され、失意の帰還の途上、食料が置かれたデポまであと20kmのところで猛吹雪に見舞われ、テントの中で息絶えたというエンディングは、既知の事実だとは言え、やはり涙を誘われる。

We saw a silent documentary “The Great White Silence (1924)” , the official film record of Captain Robert Falcon Scott‘s Terra Nova Expedition to the South Pole from 1910 to 1913, which opens in cinemas on May 20. The expedition’s official photographer and cinematographer Herbert Ponting filmed almost every aspect of the expedition: the scientific work, life in camp and the local wildlife. In 1924, he re-edited the footage as a narrative, introducing intertitles as well as incorporating his own stills, maps, portraits, paintings and animated models, complete with vivid tinting and toning. BFI National Archive has restored the film using the latest photochemical and digital techniques and reintroduced the film’s sophisticated use of colour.

I was no interest in expedition of any kind and was not so keen to see the movie, with very little knowledge of early South pole expeditions that I studied long time ago. I was even worried to fall a sleep during the screening, but the film was far more exciting than I expected. In addition to the lives of the expedition members  who had lived 100 years ago and preparations for the journey, the film also shows us living the harsh ice lands’ creatures including funny Adélie penguins, warm interaction of mother and cub seals, killer whales chasing the cub, and newly hatched seagull chicks, as well as great landscape of the South pole such as huge iceberg and ice formation – it was vivid, dramatic and truly awesome. And the film is beautiful matched with lyrical and modern new score by Simon Fisher Turner, including pre-recorded elements and relevant ‘found sounds’ such as Terra Nova ship’s bell and scores from some of the records played by members of the expeditions using the expedition’s original gramophone. I enjoyed from the beginning til the end, on contrary to my prediction.

After the cheerful footage of the base and cute animals, Scott’s long and tough journey to the South Pole started but ended with tragedy, with huge disappoint ment after finding out that Norwegian Amundsen expedition team reached the goal first. The ending was very sad – Scott and his men ended their lives, when a fierce blizzard prevented them from making any progress, just 11 miles /18 km away from the depot. It was a well-known fact but still made me almost cry…

100% Design: London Design Festival 2010

先週金曜日、アールズ・コート展示センターまで足を伸ばし、London Design Festivalの一環である、100% Designを見に行ってきた。→100% Designについては、昨年のエントリー参照。

取引相手を探しに行くわけでもなし。大体毎年似たりよったりで、もう何回も行っているし、わざわざアールズ・コートまで足を伸ばすのも面倒だなあと思いつつ、やはりデザイン系のイベントなので、見ておかなくてはと思って行ってしまう。今年は、「デザイン・ホテル」ブームと共に一時期流行ったプラスチックや人工素材を使ったデザインは減り、木や布、リサイクル素材を利用し、温かみのある自然な色合いを使った、優しい感じのデザインが多かったように思う。

展示しているのは世界から集まった(主にヨーロッパ系)デザインやインテリア、また素材系の会社だけれども、国や市のブースも多く、その国や地域全体のデザイン・ビジネスをサポートしている。今回はそれらの国のブースの写真をアップしてみた。

I went to see “100% Design“, a part of the London Design Festival, at Earl’s Court Exhibition Centre on last Friday. → see last year’s entry for more details about 100% Design.

I am not looking for a business opportunity at the trade show, and it is a pain to get to Earl’s Court on the other side of London from me, but I always decided to go at the end because I am interested in design, though the show looks  more or less the same every year. This year’s design trend seems to be “natural, warm and cozy”, using wood and earth colored textiles as well as recycle materials, rather than plasticky and artificial ‘cold’ design, used to be fashionable together with the wave of cool ‘design’ hotels.

Exhibitors are mainly private design and interior firms as well as material companies, mainly Europeans but from all over the world, but there are also some booths set up by countries and local government to boost and support their design industry. Today I put up some photos of these public booths.

ヨーロッパ諸国のブース。上よりノルウェー、スペイン、オーストリア。その他にも、フランスやポルトガル、チェコ共和国、またブリュッセルトリノのブースも。

European booths: Norway, Spain and Austria from the top. Also France, Portugal and Czech Republic, as well as Brussels and Turin, had their exhibition spaces.

アジア(韓国、台湾)のブース。韓国は、国のブースだけでなく、個別にも多くブースを構えていた。イギリスでは、最近韓国勢が頑張っている。サムソンやLGなど、テレビや家電、携帯端末でシェアを伸ばしてきていて、日本勢は元気がない。「クールジャパン」を世界へ、とか言ってる割には、100% Designなど国際見本市や重要な場面では一向に見かけない。海外にいると、日本の製品は繊細できめ細やかで、気が利いていて、見た目も美しいと思う。どうしてもっと、デザインにうるさい西欧諸国に、日本が誇るデザインを売り込まないのかと、いつも不思議に思っていた。マンガとかアニメとか、こちらでは至極マイナーな分野ばっかりやっていないで、100% Designでも大きなブースをどーんと構えて、日本のデザインを世界に売り込もうという気概が欲しいものだ。でも、日本人って、内向きと言うか国内での小さな成功で満足しているし、外国に出て行くのも怖がっているように見える。語学も外国人とのコミュニケーションも下手だし、弱気・謙虚すぎてタフな交渉も出来ないし。。。日本人、もっと頑張れ〜!!!

Asian (South Korea and Taiwan) booths. South Koreans also had many private exhibition spaces as well.  Recently, Korean companies has been getting more shares in TVs, home electronics and mobile phones in UK, and Japanese companies on the other hand seem to have been loosing its ground. Japanese government boasts its “Cool Japan” concept, borrowed from UK’s “Cool Britannia“, to sell contemporary Japanese culture to the world. However, I have rarely seen it on international design shows or other important events here in London. I have been abroad for almost 15 years, and I see a great potential in Japanese design which is simple, delicate, user friendly and often aesthetically beautiful, and am always wondering why they don’t try harder to sell them to foreign markets, especially European countries where ‘design’ is important and appreciated. Instead of concentrating on Manga or Anime, which are significantly minor than design, Japanese government should have bigger and better ambition. They could have set up a large booth at 100% Design, for example, and try to sell their design to the world – but I know Japanese are tend to be provincial and scared to go abroad (and their communication and negotiation skills with non-Japanese is usually disastrous, as well as their English), and just satisfied with domestic little success…

南米からはアルゼンチン、ブラジルが出展。

Argentine and Brazil were one of the few exhibitors from South America.

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