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Wilhelm Sasnal @ Whitechapel Gallery

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ホワイトチャペル・ギャラリーで開催中の、Wilhelm Sasnal展(10月14日〜翌年1月1日)が、なかなか面白い。この展覧会では、ポーランド人アーティスト・Wilhelm Sasnalヴィルヘルム・サスナル)の、1999年以降の過去10年間に制作された70以上の作品が展示されている。

サスナルが自身の作品に「ルール」はないと言っているように、母国ポーランドの歴史や現代の歴史的事件(東北大震災を主題とした作品も→インディペンデント紙記事 photo gallery 6/18)から、家族や平凡な日常の光景の他、アート・スピーゲルマンの漫画作品「Maus」(ポーランド人は豚として描かれている。インディペンデント紙記事 photo gallery 9/18)やジョルジュ・スーラの名作アニエールの水浴からもアイデアを得るなど、そのテーマは多岐に渡る。サスナルは、インターネットやメディアの写真・画像やポップ・カルチャーのアイコンを元に、ポップアート、自然主義アート、抽象画が混在する、独自の世界を創り出す。 ガーディアン紙インデペンデント紙の批評家が指摘するように、現在テート・モダンで回顧展が開催中のGerhard Richter(ゲルハルト・リヒター)の作品とも相似点が多い(過去のエントリー参照)。

彼の作品のトーンは、控えめで透明感がある。登場人物など、その対象のディテールは、時に省かれる。落ち着きがあって静謐な、ソフトな印象だが、その裏に、非情で悲惨な出来事が隠されている作品もある。控えめだが、力強い、心に残る展覧会だと思う。

Whitechapel Gallery‘s autumn exhibition, Wilhelm Sasnal (Oct 14 – Jan 1, 2012) is quite exciting and worth to see. This exhibition displays Polish artist Wilhelm Sasnal‘s  over 70 works of past 10-year after 1999.

Sasnal’s subjects varies from history of his native Poland and 21st-century world historic events including this years’s Japan tsunami (Independent article photo gallery 6/18) to his family (photo below: “Kacper and Anka”) and banal everyday life, as well as a comic character of “Maus” (Polish is depicted as pig in it) by Art Spiegelman (Independent article photo gallery 9/18)  and Seurat’s Bathers at Asnières – there is no ‘rule’ to his art, as the artist himself claims. He uses photographic images taken from internet and media as well as icons of pop culture, and creates his own world of art – a mixture of pop, naturalistic and abstract paintings. As the articles of the Guardian and the Independent art critiques mention, his works share some similarities with Gerhard Richter, currently shown at Tate Modern (see my past entry).

Tone of his paintings is subtle and transparent, and subjects are often impersonal without details. Its soft appearance is pleasant and relaxing, however, tragic events and meanings are depicted behind it in some of his paintings. Understated, but very powerful works.

Kacper and Anka, 2009

“Flying Chairs” Graffiti / Painting @ Exmouth Market

先日、通りかかった時に見つけた、クラーケンウェルにあるExmouth Market(エクスマス・マーケット)の北東側入口付近の空き店舗を覆っているアート。私の好きなアーティスト、Michael Craig-Martinの作風に似ていて、気に入って撮っておいた。空きスペースも、ずっと閉まってる愛想のないグレーのシャッターより、こうやってアートで飾られている方が、断然楽しい。ネットで作者や情報を調べてみたけれど、何も手がかりを得られなかった。何か知ってる方がいたら、是非教えてください!

ちなみにエクスマス・マーケットには、Exmouth Marketをもじった、こんなのも。クリエイターの街・クラーケンウェルらしい。

I found “Flying Chairs (don’t know the real title and I just call it like this) “, covering empty shop space near the north-east entrance of Exmouth Market in Clerkenwell. I liked its simple style is similar to one of my favorite artist, Michael Craig-Martin, and took a photo when I passed by. It is more fun and cheerful to put up art or painting over empty shops, rather than just bare gray closed shutters. I tried to find info about the work but no avail. Please tell me if anyone know something about it!

There is another funny sign/painting, punning “Exmouth Market” on the same street just few steps away – it’s cute! Perfect for creative Clerkenwell.

エクスマス・マーケットじゃないけれど、Theobald’s Roadの工事現場を覆う木の壁。メープルの葉のデザインが、違った色調のグリーンでまとめられていて、何だか落ち着く。

It’s not on Exmouth Market, but the construction site on Theobald’s Road. I like the design of relaxing maple leaves in different shades of green.

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Gauguin: Maker of Myth @ Tate Modern

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フランス・ポスト印象派の巨匠、ポール・ゴーギャンの作品を世界中から集めた大規模な「Gauguin」展が、9月30日から来年1月16日まで、テート・モダンで開催されている。

株式仲買人の職を辞し、家族を妻の故郷のコペンハーゲンに残し、パリで、独学で始めた絵画に専念。その後西洋文明に失望しタヒチに移り住んだ。その時に、現地の女性を独特のタッチで色彩豊かに画いた、エキゾチックな画風の絵が有名だが、この展覧会ではその他、ゴーギャンがちょくちょく訪れた、アーティストのコロニーがあるブルターニュ地方・ポン=タヴェンの風景画や宗教画、自画像、木彫りなど、多くの作品が展示されている。

ゴーギャンは、タヒチでまだ年若いと思われる思春期の女の子の絵を多く描いたため、幼児性愛者と言われたり、植民地主義者、性差別主義者と呼ばれることもしばしば。またパリにいる時にうつされた梅毒の感染事実を知りながらタヒチの若い女性たちと性交渉を持ったことに対する批判もある。梅毒のことはヒドい話だが、その他の批判は、当時は幼児性愛は悪だとか、植民地時代には現地人の人権とか言う観念はなかっただろうから、彼が極悪人であったと決めつけるのは気の毒な部分もある。

鳴り物入りで始まった展覧会だけれど、単なるラフスケッチや小粒の作品も多く、少し期待外れ。木彫りなどは、彼独特の色使いが見られないし、むしろ平凡、現地の工芸品の方がまだ出来がいいんじゃないかと思う。またデイリー・テレグラフ紙のアート批評家が指摘しているように(記事)、このゴーギャン展では、年代別ではなくテーマ別に作品が展示されているため、彼の作品を良く知らない人たちは、彼のスタイルの変遷を追いづらいという難点がある。私も、ゴーギャンの人生での出来事との繋がりやその作品の背景が見えなくて、少し分かりづらかった。

A French Post-Impressionist Paul Gauguin’s large scale exhibition “Gauguin“, exhibiting his works from around the world, runs at the Tate Modern from September 30 until January 16, 2011.

Gauguin left his job as a stockbroker and his family in his wife’s native Copenhagen, and became a full-time painter in Paris, after he began painting in his free time.  He is famous for his colorful and exotic images of women in Tahiti, to where he escaped from European civilization, but the exhibition also shows a variety of works such as paintings of Brittany where he frequently visited the artist colony of Pont-Aven, religious paintings, self-portraits, and wood carvings.

Gauguin is sometimes called as a colonialist, a sexist, or even a pedophilia because he painted naked or half-naked young Tahitian girls as his favorite motif. He was also condemned that he had sexual relationship with Tahitian girls knowing that he got infected syphilis while he was in paris. It is terrible that he took a risk to infect these innocent girls, but other criticisms are a bit too harsh on him, as there was no concept that “pedophilia is bad” nor human right of a colonial among colonizers at that time he lived through.

The exhibition opens with a fanfare as a blockbuster of this year, but I was a bit disappointed because the exhibition includes many unimpressive works such as mere quick drawings and wood carvings which are rather boring without his signature colors and Polynesian would probably do better that kind of wood carvings than him. As the Daily Telegraph’s art critique mentions the risk of hanging Gauguin’s works thematically instead of chronologically, that makes it difficult for anyone who are not particularly familiar with his works to follow his stylistic development (article), the exhibition was a bit confusing for me to connect his life stage and artistic history to his actual works in front of me.

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Billy Childish: Unknowable but Certain @ ICA

アーティスト、ミュージシャン、作家、そして詩人とマルチタレントな、Billy Childish(ビリー・チャイルディッシュ)の個展が、4月18日までICAで開催されている。メインギャラリーであるlower galleryでは彼の近年の絵画作品を、そしてupper galleries(通路と2階にあるギャラリー)では、彼の音楽活動と作家としての作品が展示されている。1つの部屋は音楽作品、そしてもう1つの部屋では、自伝的でパーソナルな詩や散文詩、議論や思想関係などの本やパンフレットの著作物(多くは彼自身がデザインし、自身の木版画を添えて出版したもの)が見られる。

彼の強烈なパーソナリティとエゴに溢れた作品は、パワフルでインパクトがある(あのトレイシー・エミンの元彼と聞いて妙に納得)。Stuckism(スタッキズム。コンセプチュアル・アートに反対し、フィギュラティヴ・アートを押し進める芸術運動。彼自身は2001年に運動を離れた)の共同発起人である彼の絵画は、印象派的で、ゴッホを彷彿させる鮮やかな色使いと力強い筆遣いが、心に残る。通路に並んだ、シンプルな茶色を背景に、絞首刑を彷彿させるシンボルと言葉をのせたポスター・シリーズ(写真下)も、なかなか強烈で圧倒される。彼の音楽は聞いたことないが、Thee Headcoatsヘッドコーツ)等、様々なバンド活動でカルト的人気を誇るらしい(写真下:アルバムのジャケット)。彼の作品は、全体的に怒りに満ちあふれているんだけれど、内にこもった暗いものじゃなく、俺は怒ってるんだー!という、正直でまっすぐな怒り。その怒りを芸術に昇華させているという感じで、むしろ清々しい。

ICA presents a major solo exhibition of an artist, musician, writer and poet, multitalented Billy Childish until April 18. The lower gallery features Childish’s recent paintings, and upper galleries show his output as a musician and writer: one room concentrates on his music, and the second room features books and pamphlets containing his writings, often designed and published by him and illustrated by his own woodcuts, including polemical and campaigning literature, and his more personal poetry and prose.

Childish’s works are full of his strong personality and ego, and quite powerful (he is an ex-boyfriend of Tracey Emin – understandable). He is a co-founder of Stuckism (he left in 2001), promoting figurative painting in opposition to conceptual art, and his Van Gogh-like expressionistic paintings are vivid and colorful with strong brush strokes. The poster series hung on the corridor, with words and symbol of hanging on brown background, is strong and shocking.  I’ve never heard his music, but his music in various Garage punk bands has a cult popularity (photo on the bottom: album covers). I can feel his anger all over his works, but it is not gloomy or depressing, but honest and full of life, like screaming “I AM ANGRY!” with a speaker. In some way, he sublimate his inner rage into his creative works.

ICAと言えば、不況のせいもあって、財政状況が思わしくなく、最近Arts Council(政府の直属機関である芸術奨励評議会)から120万ポンドの緊急援助を得たそうだ。また、ディレクターの不信任騒動などスタッフ間の不協和も報道され、このまま財政状況が好転しなければ、5月末には閉鎖になるという最悪事態も予想されている。

The ICA is reported to have deep financial trouble in this recession, and recently received a special £1.2m grant from the Arts Council. There are also staff turmoil observed by the Guardian, and if the overall situation wouldn’t improve, the ICA could close by May, in the worst case scenario…

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Ed Ruscha: Fifty Years of Painting @ Hayward Gallery

アメリカ人現代美術アーティスト、エド・ルシェの50年間の作品78点を集めた回顧展「Ed Ruscha: Fifty Years of Painting」が、サウスバンク・センターにあるHayward Galleryヘイワード・ギャラリー)で1月10日まで開催されている。ルシェは、18歳で故郷のオクラホマシティを離れ、ロスの学校でグラフィックデザインとファインアートを学んだ後、ロサンゼルスをベースに活動を続けている。アメリカの日常生活から題材を取ったイメージと言葉(タイポグラフィー)を結合させたカラフルな作品は、時にポップアートムーブメントと結びつけられるが、概念芸術、現実主義、超現実主義等とジャンルを超えた作品を作り続ける彼自身は、安易に特定のカテゴリーに入れられるのを嫌う。

政治的メッセージの強い作品や抽象的すぎる作品等、あんまり好きじゃないものもあるけれど、印刷物、グラフィックデザイン、映画、写真への造詣を反映した、シンプルで平坦なタッチの彼の作品を集めたこの回顧展は、私の中では、今年見た展覧会の中でもトップの部類に入る。ルシェは、ありきたりの退屈な日常風景を、概念やドラマを与えることによって、生き生きと描き出す。展覧会のポスターにも使われている「Standard Station」や、「The Old Tech-Chem Building」などの産業施設を描いた作品は、ダイナミックさを与える斜線の多用、題材のまわりのゆったりとしたスペース、そしてミニマリスト的なアプローチが、印象に残る。また、映画の影響の大きい「Exit」「The End」等、80年代〜90年代初期の白黒の作品は物寂しげで心つかまれるし、これらの作品とは対照的に、「The Mountain」を代表とする近年の山をテーマに描かれた作品は、明るい空を背景に丁寧に描き込まれている山々と、山とは何の関係もない、シンプルなタイポグラフィーの組み合わせが,何故か清々しい気分にさせてくれ、心洗われる。

なお、ヘイワード・ギャラリーは、金曜日は夜10時まで開館、金曜6〜10時の間に入場すると「2 for 1(1人分の値段で2人入場できる)」割引を実施中。バウチャーは、「2 for 1 voucher」をクリック。詳細は、southbankcentre.co.uk/ruschaで。

Hayward Gallery‘s “Ed Ruscha: Fifty Years of Painting” is the first major UK retrospective of American artist Ed Ruscha featuring 78 of his paintings, running until January 10, 2010.

Since Ruscha left Oklahoma City where he grew up at the age of 18 to study fine art and graphic design in Los Angeles, he has been based in Los Angeles. His flat but colorful paintings of common objects and use of text on his works have often linked with the Pop Art movement, but Ruscha is also considered as a conceptualist, a realist and a surrealist, though he defies such easy categorisation.

Though some of his works are not my cup of tea, such as pieces which are too political or too abstract, but this is one of my favorite exhibition of this year. Embracing his interest in printed matter, graphic design, cinema and photography, Ruscha enliven mundane everyday life objects and cityscape of Los Angeles by adding theme and drama to them. I like “Standard Station” which is one of his most known work and used for the exhibition poster, and a series of paintings of industrial facilities such as “The Old Tech-Chem Building“, with his minimalist approach to the subjects; use of diagonal lines which gives dynamic effect, and generous space around the subject. His 80’s ~ early 90’s black & white film-like somber works such as “Exit” and “The End” are moving and touching. On the contrary to these melancholic works, his recent pieces with ‘mountain’ theme including “The Mountain“, elaborately drawn mountain with beautiful blue sky and superimposed type which doesn’t have any connection to the mountain, are strangely refreshing and inspiring.

Hayward Gallery opens until 10 pm on Fridays, and  they have 2 for 1 offer on entry from 6pm to 10pm until the show is over. To get this offer, click 2 for 1 voucher. For details, check http://www.southbankcentre.co.uk/ruscha.

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