Paul Klee: Making Visible @ Tate Modern

テートモダンで開催中のPaul Klee: Making Visible展（10月16日〜2014年3月9日）は、スイス生まれの20世紀ヨーロッパ・モダニズムの巨匠・パウル・クレーの回顧展で、ロンドンの今年秋・冬の目玉展の一つ。世界中のコレクションから、絵画、ドローイング、水彩画が集められ、クレー自身が決めた過去の展覧会での作品の展示の順序を、この展覧会で再現している。

全17室からなる展覧会では、クレーの作品を時系列に展示。ワシリー・カンディンスキーやフランツ・マルクとともにのミュンヘンで結成した表現主義画家たちの集まり・青騎士グループのメンバーとして、多彩な四角形を組み合わせた抽象的な独自の画風の確立した1910年代に始まり、教鞭をとったバウハウスでの10年間の作品、そしてナチス政権により「退廃芸術」のレッテルを貼られて新しい教職を剥奪されスイスのベルンに亡命した後、難病と闘いつつ多くの作品を生み出した晩年の作品へと続く。

クレーの作品の多くは小さいサイズだが、大きさに反比例し、その小さなカンバスは、豊かな色彩と自由な想像力に満ちている。見応えのある展覧会。

→Art Fundによる解説ビデオ

Paul Klee: Making Visible (Oct 16 – Mar 9, 2014) at Tate Modern is a major retrospective of the early 20-centry master of European modernism, Paul Klee, and one of the London’s must-see exhibitions this fall&winter. Paintings, drawings and watercolours from collections around the world are displayed alongside each other as Klee originally intended, often for the first time since Klee exhibited them himself.

This 17-room exhibition traces Klee’s career chronologically, beginning in Munich during the World War I, when he joined Der Blaue Reiter founded by Franz Marc and Wassily Kandinsky and established of his unique style of abstract patchworks of colour. It follows the decade of teaching and working at the Bauhaus, and his prolific final years in the 1930s in Bern, after he was dismissed from his teaching position by the Nazis and took refuge in Switzerland, as his works were labelled ‘degenerate art’ in Germany.

Most of his works are small in size, but on the opposite to its size, those are filled with rich colors and lots of imagination. Intriguing.

→The Art Fund’s introduction video to the exhibition

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Patrick Caulfield Exhibition @ Tate Britain

6月5日から9月1日まで、テート・ブリテンでは、Patrick Caulfield展とGary Hume展を同時開催中。各展は小規模だけれど、1枚のチケット（大人で£14.50/寄付なし£13.10）で、時代が異なるイギリス人コンテンポラリー・アーティスト2人の作品を観ることが出来る。

Patrick Caulfield（パトリック・コーフィールド）は、大胆でシンプルな筆致とカラフルな色使いで知られたアーティストで、静物画など伝統的な絵画ジャンルを独自の作風で表現。また家庭やカフェ、レストランなどのインテリアを主題として、好んで描いた。この展覧会では30以上の作品を展示、コーフィールドの絵画スタイルの変化を追っている。1960年代の初期の作品は、Still Life with Dagger (1963)に見られるように、対象物の線画に平坦な色使いが特徴。70年代になると、After Lunch (1975)のように、トロンプ・ルイユなど異なった手法を組み合わせた、より複雑な絵画に移行する。ちなみにAfter Lunchは、Looking at the View展の私の好きな作品の一つでもある。

主な見所は、Portrait of Juan Gris (1963)、Pottery (1969)、 Interior with a Picture (1985–6)など。また、余り知られていないBend in the Road (1967)やTandoori Restaurant (1971)、後期作品のBishops (2004. photo galleryの6番目の作品) や、遺作となったBraque Curtain (2005)も展示されている。

このブログでも何回か書いたが、私はシンプルでカラフルなアート作品が好きだ。なので、コーフィールドの作品も嫌う理由が全くない。彼のより抽象的な作品（特に後期に多い）は彼の持ち味があまり感じられず好きではないが、Dining Recess (1972. 写真下) や Window at Night (1969. 最下写真にあるバナーにも使われている) は、すごくいいと思う。

Patrick Caulfield exhibition, in parallel with Gary Hume exhibition (I will write about it tomorrow), has currently been running at Tate Britain from June 5 to September 1. With one ticket (Adult £14.50/without donation £13.10), you can see the exhibitions of two British contemporary artists in different generations, though each one is not in large scale.

Since 1960s, Patrick Caulfield has been known for his bold and vibrant paintings of modern life that reinvigorated traditional artistic genres such as the still life and interiors, both domestic and social scenes such as café and restaurant. This exhibition, showcasing over 30 works, traces the development of his artistic style. His early paintings in 60s are characterised by flat areas of colour with objects defined by simple outlines, such as such as Still Life with Dagger (1963). In the 1970s he began to combine different artistic styles including trompe l’oeil to create more complex paintings like After Lunch (1975), which is one of my favorite work at Looking at the View exhibition.

Highlights include Portrait of Juan Gris (1963), Pottery (1969), and Interior with a Picture (1985–6), alongside with lesser known Bend in the Road (1967) and Tandoori Restaurant (1971). Also you can see his later paintings such as Bishops (2004. 6th in the photo gallery) and his final work, Braque Curtain (2005). 

As I have written several times in my blog, I like paintings with simple brushstrokes and vivid colours. So there is no reason to hate Caulfield’s work, though I am not very passionate about his paintings which are more abstract, especially as seen in his later time.  Some of my favorites are Dining Recess (1972. photo below) and Window at Night (1969. Used in a banner as seen in the last photo).

Dining Recess (1972)

Lichtenstein: A Retrospective @ Tate Modern

春の訪れをちょっぴり期待させる気持ちのいい陽気の今日、遠足がてら、テート・モダンで開催中の「Lichtenstein: A Retrospective」展（2月21日〜5月27日）を見に行った。ご存知の通り、ロイ・リキテンスタインはアンディ・ウォーホルとともにアメリカのポップ・アートを代表するアーティスト。広告や漫画を題材に、大胆な色使いと、手描きのBen-Day dots（印刷インクのドット／点）が特徴の作品で知られる。

「Lichtenstein: A Retrospective」展は、20年以来のリキテンスタインの大規模回顧展で、代表的作の他、Rowluxの錯覚フィルムアクリルフィルムや鉄に描かれた絵画や、セラミックや銅を用いた彫刻、初公開のドローイングやコラージュなど計125点の作品が、テーマ毎に13の展示室に展示されている。入口から順に、

1. 抽象表現主義のパロディとされるBrushstrokes（筆遣い）シリーズ
2. Look Mickey（1961）等、コミック画をベースにしたEarly Pop（初期のポップアート）
3. Tyre (1962)等をはじめとするBlack & White（白黒画）
4. Whaam! (1963)など、彼を有名にした二つの主題を描いたWar and Romance（戦争とロマンス）
5. 伝統的な芸術のテーマを独自のスタイルで描いた、Landscapes/Seascapes（風景画／海景画）
6. 1930年代のニューヨークで流行したアールデコをテーマにしたModern（モダン）シリーズ
7. 過去の芸術家の作品を模したArt about Art（アートに関するアート）
8. 過去の自身の作品を構図に組み込んだ、Artist’s Studios (1973–4) （アーティストのアトリエ）シリーズ
9. 視覚と認識をテーマとしたMirrors and Entablatures（鏡とエンタブラチュア／柱頭の上の水平部）シリーズ
10. 多彩な色の幾何学的図形を用いたPerfect/Imperfect（完成／未完成）
11. Blue Nude (1997)など、古来からのアートの一分野に挑戦的で新しいアプローチを用いたLate Nudes（後期のヌード画）
12. ラフな筆遣いと幾何学的フォルムを組み合わせた、Early Abstractions and Late Brushstrokes（初期抽象画と後期運筆）
13. 宋時代の中国画の簡潔さに影響を受けた、Chinese Landscapes（中国の風景画）シリーズ

リキテンスタインの作品とテーマをより理解したい方には、 シカゴ美術館のウェブサイト（英語）がお薦め。テートでの展覧会の写真はBBC newsで。

最初の4部屋、War and Romanceまでは、リキテンスタインの鮮やかな色使いや、シンプル且つ大胆な筆致に引き込まれたのだが、それも段々食傷気味に。タイヤやノート、ラジオといった、ありきたりのオブジェや漫画をモチーフにした作品は好きだけれど、正直、テーマや主題は違えど変化の少ないスタイルに、最後の方は少々退屈してしまった。それに彼の作品は見るには楽しいけれど、底が浅いというか深みがなく、心に訴えるもの、考えさせられるものがないのだ。

Today was an unusually warm & sunny day in London, so we decided to go out and see “Lichtenstein: A Retrospective” (February 21 – May 27) exhibition at Tate Modern. As many of you already know, Roy Lichtenstein is one of the most celebrated American pop artist, together with Andy Warhol. He is renowned for his works based on advertising and comic strips, and coloured with his signature hand-painted Ben-Day dots on his painting.

This exhibition is the first full-scale retrospective of Lichtenstein in over 20 years, and brings together 125 of his paintings and sculptures with a wide range of materials, including paintings on Rowlux and steel, ceramic and brass sculptures and a selection of previously unseen drawings, collages and works on paper. Total of 13 rooms showcase his works in different themes:

1. Brushstrokes series which are usually seen as parodies of abstract expressionism
2. Early Pop with cartoon imagery such as Look Mickey (1961)
3. Black & White series including Tyre (1962)
4. War and Romance, such as Whaam! (1963), two subjects that would make him famous
5. Landscapes/Seascapes, traditional art themes in Lichtenstein style
6. Modern series inspired by NY’s art deco style in 1930s
7. Art about Art, replications of great artists of the past
8. Artist’s Studios (1973–4) which incorporated elements of his previous work
9. Mirrors and Entablatures, dealing with issues of vision and perception
10. Perfect/Imperfect, playing with geometric fields of colours
11. Late Nudes, like Blue Nude (1997), new and provocative approach to the ancient genres of art
12. Early Abstractions and Late Brushstrokes, hand-painted, loosely applied brushstrokes juxtaposed with geometric forms
13. Chinese Landscapes, his fascination with the simplicity of Chinese art of Song dynasty.

If you learn more about Lichtenstein and his work, Art Institute of Chicago’s website would be the excellent resource. Check BBC news for more photos of the Tate exhibition.

I was fascinated by Lichtenstein’s use of vivid colours and simple & bold brushstrokes at first four rooms up to War and Romance, but then I got indigestion. I like some of his works about banal objects such as notebook or radio, but I got bored of looking at his style at the end though themes and subjects are varied. His paintings are fun to look at, but they are shallow in a way and not emotional or thought-provoking….

William Klein + Daido Moriyama @ Tate Modern

テートモダンの「William Klein + Daido Moriyama」（10月10日〜2013年1月20日）展は、アメリカ人フォトグラファーで映像作家のウィリアム・クラインと、1960年代の「プロヴォーク」ムーブメントで名を上げた森山大道という二人の写真家の、1950年代〜現代までの作品を展示。スナップショット、ブレやボケの意図的使用、粒子の粗いモノクロ写真といったヴィジュアル的に似た作風、そして、都市の貧困やグローバリゼーション、反戦デモやゲイ・パレードといった、人々の日常生活や政治的抗議行動を作品対象とするなど、共通点の多い二人の作品が同時に鑑賞できる。また、写真のみならず、グラフィックデザインを取り入れた、パイオニア的作品も展示されている。

最初の7部屋はクラインの作品室で、彼のホームタウン・ニューヨークや東京、ローマなどのストリート写真、ファッション写真、タイポグラフィーをモチーフとした初期の絵画、フォトグラム、「ポリー・マグーお前は誰だ?」や「ミスターフリーダム」等の風刺映画、コンタクトシート（ベタ焼き）にペイントを施した作品など、彼の抽象画家、映像作家、ドキュメンタリー作家、グラフィックデザイナーとしての多彩な作品群が見られる。対照的に、後半の森山大道の6室は、良く知られた東京の都市風景を撮影した作品や、様々な道路や高速の車窓からの光景、北海道の街角を捉えたスライドショー等、写真が主で、彼や他の写真家が自身の作品の発表の場とした雑誌「プロヴォーク」も展示されている。

確かに普通の人々や日常生活をテーマにした粒子の粗いモノクロの写真という作風は似ているが、作品から受ける印象は全く違う。対象に自身の存在を知らしめ、対象と交流して得た反応を撮る事を好んだクラインの作品は、エネルギーに満ち、対象が生き生きしている。逆に、森山の作品は、対象とは感情的に距離を保ち、時に挑戦的かつセンセーショナルに都会の暗部を見せつける。田舎の風景は、牧歌的で情緒があるというより、うら悲しくてどこか陰鬱だ。この展覧会を見る限りでは、私はクラインの写真の方が好きだな。

→写真上はクライン、下は森山作品。森山氏のインタビュー記事。参照写真：BBC / Telegraph

Tate Modern’s “William Klein + Daido Moriyama (Oct 10 – Jan 20, 2013)” is double retrospective of the influential American photographer and filmmaker William Klein and Japanese photographer Daido Moriyama who merged from Japanese Provoke movement of the 1960s. With work from the 1950s to the present day, the exhibition demonstrates the visual affinity between their urgent, blurred and grainy style of photography and also their desire to convey street life and political protest, from anti-war demonstrations and gay pride marches to the effects of globalisation and urban deprivation. The exhibition explores not only photography itself but also pioneering use of graphic design to their works.

First seven rooms showcase Klein’s street shots in his native New York as well as Tokyo and Rome, fashion shoots, early paintings incorporating typography, photograms, satirical films of Mister Freedom and Who Are You Polly Maggoo?, and painted contact sheets, to prove his diverse talent as abstract painter, filmmaker, documentarian and graphic designer. Unlike Klein’s wide-ranging works, Moriyama’s 6 rooms after Klein’s focus more on photography, especially his well-known cityscapes of Tokyo, as well as scenes from the various routes and highways throughout Japan, close-ups of everyday objects, slideshow of northern island of Hokkaido, and the issues of Provoke magazine in which Moriyama and his contemporaries showcased their works.

Both photographers captured the ordinary people and lives in grainy black & white photos. But impressions from their works are quite different. Klein wanted the viewer to be aware of his own presence at the scene and interacted with his subjects to provoke a response. His photos are vibrant and powerful. On the other hand, Moriyama emotionally detaches from his subjects, and his photos of urban life often provocative and sensational, disclosing darker side of the city that you don’t want to see. The scenes of the isolated countryside are sad and depressing, instead of peaceful or picturesque. Overall, I have to say that I prefer Klein to my fellow Japanese, Moriyama in this exhibition.

→above photos: Klein’s / below: Moriyama’s. More photos: BBC / Telegraph

Edvard Munch: The Modern Eye @ Tate Modern

テート・モダンで新しく始まった「Edvard Munch: The Modern Eye」展（6月28日〜10月14日）は、エドヴァルド・ムンクの20世紀の作品を集めた展覧会で、主にオスロのムンク美術館から貸し出された、60点の絵画と映像・写真作品を展示している。ノルウェー出身のムンクは19世紀象徴主義の画家で、20世紀初頭のドイツ表現主義にも影響を与えたことで知られる。残念ながら彼の代表作である「叫び」の展示はないけれど、ムンクの作品の特徴である同じテーマの繰り返し、セルフ・ポートレートへの執着、そして映画や写真といった当時としては画期的なメディアや技術の作品への影響にスポットを当て、違った角度から彼の作品に光を当てている。

ムンクは、「The Sick Child（病める子、1885–1927）」や「Girls on the Bridge （橋の上の少女たち、1902–27。写真上）」など、長年に渡って、同じモチーフを使用して違うバージョンの作品を多く制作した。写真を用いて描いた、「Self-portrait: Between the Clock and the Bed （自画像：時計とベッドの間、1941)」などのセルフ・ポートレートも、繰り返し描かれたテーマの一つ。また彼の作品には、顕著な前景や強調された対角線など、20世紀に発展した映画や写真技術の影響も多く見られ、「Workers on their Way Home （帰途につく労働者たち、1913–14）」に見られるような、人物像がこちらに向かってくるかのような視覚トリックや、「The Artist and his Model（画家とモデル、1919–21）」における、劇場の舞台の照明効果なども、作品に取り入れた。1930年代に入り、病気によって視力が衰えると、その視力の衰えの影響を反映した作品を描いている。

この展覧会には、「叫び」のように衝撃的な作品はないが、ダイナミックな構図や深みのある色彩を用いたムンクの作品の数々からは、彼の心の闇や痛みがひしひしと伝わってくる。叫びがあまりにも強烈なだけに、少し地味に感じるかもしれないけれど、心に残る展覧会で、私は好きだ。→写真：BBC

Tate Modern’s new exhibition “Edvard Munch: The Modern Eye” (Jun 28 – Oct 14) examines the work of Norwegian painter Edvard Munch (1863–1944) from the 20th century, including 60 paintings as well as his work in film and photography, many from the Munch Museum in Oslo – though his best known work of “The Scream“ (1893) is missing. Munch has traditionally been portrayed as a 19th-century symbolist or pre-expressionist who influenced German Expressionism in the early 20th century. This exhibition shows us his works from a different angle and highlights his use of single motifs, his preoccupation with self-portraiture, and the influence of contemporary media on his work.

Munch often repeated a single motif over years in order to re-work it and created several different versions, such as The Sick Child (1885–1927) and Girls on the Bridge (1902–27: in the photo above). He adopted photography in the early 20th century and focused on self-portraits, which he obsessively repeated, such as in Self-portrait: Between the Clock and the Bed (1941). Influence by technological developments in cinema and photography can be seen on much of his works, such as use of prominent foregrounds and strong diagonals, and the visual trick of figures moving towards the spectator as in Workers on their Way Home (1913–14). He also created striking effect in some of his works such as The Artist and his Model (1919–21), using electric lighting on theatre stages. In the 1930s he developed an eye disease and made works which charted the effects of his degenerating sight. 

Many of his works on display are not as shocking and dreadful as The Scream, but his paintings with dynamic composition and use of deep colours scream out the same pain and anguish Munch had suffered through his life. Understated yet powerful exhibition, and I like it. → more photos: BBC