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Schwitters in Britain @ Tate Britain

Tate Britainで開催中のSchwitters in Britain (1月30日〜5月12日)は、ダダイスム構成主義シュルレアリスムなど近代芸術運動で活躍し、詩、サウンド、絵画、彫刻、グラフィック・デザイン、タイポグラフィ、そして後にインスタレーションと呼ばれる様々な手法を用いたヨーロッパ・モダニズムの巨匠でドイツ人アーティスト、Kurt Schwittersクルト・シュヴィッタース)の展覧会。Schwitters in Britain展では、戦争避難民として1940年にイギリスに到着してから1948年の彼の死まで、イギリスで活動していた期間の作品を主に、商品パッケージや新聞の切れ端などありふれた素材を使った150以上のコラージュや、彫刻作品、絵画などが展示されている。シュヴィッタースは、芸術目的のため、想像しうる全ての物を組み合わせる「メルツ」という概念を生み出し、found object(偶然見つけたもの)や日常生活の中にあるものを抽象的コラージュ、インスタレーション、詩、パフォーマンスに用いるスタイルを確立。彼の作品は、リチャード・ハミルトンエドゥアルド・パオロッツィダミアン・ハーストなど、後のイギリス人アーティスト達にも大きな影響を与えた。

シュヴィッタースは、自身の作品がナチス政府に「退廃芸術」との烙印を押されたことにより、1937年にドイツを離れ、最初の3年は息子が居たノルウェーに滞在。ナチスのノルウェー占領を機に、1940年にイギリスに渡ったが、敵国国民として1941年に解放されるまで各地の収容所で過ごした。その後、ロンドンのアート界で活躍、イギリス人アーティストや美術批評家と交流を深めた。1945年に湖水地方に移住、自然の素材を作品に使い始めた。また、出身地・ハノーファーで作り上げた建築的大規模構成作品・Merzbau(メルツ建築/メルツバウ)と呼ばれる作品の一環として、ここでもMerz Barn(メルツ小屋、物置)を制作した。展覧会は、シュヴィッタースの遺志を受け継いで、アーティスト・Adam ChodzkoとLaure Prouvostが制作した委託作品で締めくくられている。

戦時のムードや彼の避難民としての経験を反映してか、シュヴィッタースの抑えた色調の作品は、控えめで少し陰鬱な印象で、先日書いたリキテンスタイン展とは正反対。多くの人は、偉大なアーティストでモダンアートのパイオニアであるシュヴィッタースの作品に感銘を受けているのであろうが、私は何故か彼の有名なコラージュ作品群を見ても何とも感じないのだ。彼の正統派作品のポートレートや風景画(参照:FT / Guardian)は悪くないのだが、ただ単に私の好みじゃないのですよ。。。

→展覧会の写真:Guardian

Schwitters in Britain (January 30 – May 12) at Tate Britain is the major exhibition to examine the late work of German artist Kurt Schwitters, one of the major artists of European Modernism, who worked in several genres and media including DadaConstructivismSurrealism, poetry, sound, painting, sculpture, graphic designtypography and installation art. Focusing on his British period from his arrival in Britain as a refugee in 1940 until his death in 1948, the exhibition showcases over 150 collages, often incorporated fragments from packaging and newspapers, as well as sculptures and paintings. Schwitters invented the concept of Merz, ‘the combination, for artistic purposes of all conceivable materials’, and pioneered use of found objects and everyday materials in abstract collage, installation, poetry and performance. His work has influenced later British artists such as Richard HamiltonEduardo Paolozzi and Damien Hirst

Schwitters was forced to flee Germany in 1937, when his work was condemned as ‘degenerate’ by Nazi government and first settled in Norway for  three years. He escaped to Britain in 1940 after the Nazi occupation of Norway but had been detained as an enemy alien until his release in 1941. Then he became involved with the London art scene, engaging with British artists and critics such as Ben Nicholson and Herbert Read. In 1945 Schwitters relocated to the Lake District, and began to incorporate natural objects into his work. The move also culminated in the creation of his sculpture and installation, the Merz Barn, a continuation of his Hanover architectural construction MerzbauThe exhibition ends with commissions by artists Adam Chodzko and Laure Prouvost made in collaboration with Grizedale Arts to explore the Schwitters’ legacy.

Schwitters work using muted colours is rather understated and somehow gloomy, probably reflected the atmosphere of the war time and his life experience as a refugee. Completely oposite to the ambience of the Lichtenstein exhibition. He must be a great artist and a pioneer of modern art, and probably many people love the exhibition, but I don’t feel anything by looking at his famous collages, though I like his conventional portraits and landscape paintings (such as in FT and Guardian). His work is just not my cup of tea…

→See more photos: Guardian

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Bruno Munari: My Futurist Past @ Estorick Collection of Modern Italian Art

イズリントンにあるEstorick Collection of Modern Italian Artで12月23日まで開催中の「Bruno Munari: My Futurist Past」は、多彩な才能を発揮したイタリア人アーティスト&デザイナー、ブルーノ・ムナーリの、初期から戦後にかけての作品を集めた展覧会。

ムナーリは、「Futurist past」と呼び自身のルーツとする、未来派ムーブメントの中でキャリアをスタート。未来派は、絵画に留まらず、モンタージュ写真、彫刻、グラフィックス、映像、アート理論など、手法や分野を超えたムナーリの作品作りにインスピレーションを与えた。彼の作品は、未来派に留まらず、構成主義ダダイスムシュルレアリスムなど様々なアートムーブメントの影響も見て取れる。またムナーリは、イタリア抽象芸術の発展を促し、アートとテクノロジー、創造性、機能性を融合させる「synthesis of arts(アートの統合)」を希求するため、1948年にミラノで興ったイタリアの具体芸術ムーブメント・Movimento Arte Concreta(MAC)の創立メンバーの一人でもある。

この展覧会では、工業的なモビールやオブジェ、おもちゃの猿「Zizi(ジジ)」、戦闘機や産業をテーマにしたモノクロのモンタージュ写真、ボールペンやローマ・オリンピックのポスター、カラフルな壁紙やテキスタイル・デザイン、コラージュ、絵画等々、ムナーリの大いなるクリエイティビティを反映した多種多様な作品を見る事が出来る。それらの作品は、今見てもモダンで遊び心があり、全然時代遅れになっていない。小規模だけれど、お薦めの展覧会。

Bruno Munari: My Futurist Past” (until December 23, 2012) at Estorick Collection of Modern Italian Art in Islington, is the exhibition that traces multi-talented Italian artist and designer, Bruno Munari‘s career from its early years up to the post-war period.

Munari began his career within the Futurist movement, and the roots of his work lay in what he termed his ‘Futurist past’. The movement inspired him to work across a range of media and disciplines from painting to photomontage, sculpture, graphics, film and art theory. Yet his influences were varied, also reflecting the aesthetics and sensibilities of movements such as Constructivism, Dada and Surrealism. He was also a founding member of the Movimento Arte Concreta (MAC), the Italian movement for concrete art established in Milan in 1948. This acted as a catalyst for new developments in Italian abstraction, and aspired to bring about a ‘synthesis of arts’, demonstrating the possibility of a convergence of art and technology, creativity and functionality.

The exhibition shows us that Munari’s multi-faceted creativity in diverse works from industrial-looking mobiles and sculptures to “Zizi the Monkey” child toys, from photomontages of war planes to biro or Rome olympic posters, as well as wallpapers, textile designs, and playful collages, and colourful paintings. And his works are modern, inspiring, fun and not obsolete still now. Recommended.

猿の人形Zizi(ジジ / 1952)。ポリウレタンのボディに針金が入っていて、手足を自由に曲げられてポーズを変えられる。

Zizi the Monkey (1952). It is made of polyurethane foam with a twisted wire core, and uou can change a posture as you like.

Concave-convex(「凹凸」/ 1946)。金属製メッシュを使用し注意深く形成した、ムナーリの最初の空間環境作品で、イギリス初公開。

Concave-convex (1946). Munari’s first spatial environment based around a hanging object made of carefully moulded metallic mesh, which is presented for the first time in the UK.

“Miró” Exhibition @ Tate Modern

スペイン人シュルレアリスム・アーティスト、ジョアン・ミロの大規模回顧展「Miró」展(4月14日〜9月11日)が、1964年テート・ブリテンでの開催以来、約50年ぶりにテート・モダンで開かれている。

出身地のカタルーニャ地方をモチーフにした初期の作品から、アンドレ・ブルトンとの交友とシュルレアリスム運動への傾倒、勃発したスペイン内戦への不安や怒りと絶望感を反映した感情的な作品、そして原色を多用した三連祭壇画を代表とする、後期のバランスの取れた幅広い作品など、約60年に渡って、バルセロナとパリで作製された、150以上の絵画、ドローイング、彫刻、プリントが一堂に会している。

極めてラテン的で、明るく自由奔放、躍動感溢れるミロの作品は、肩の力が抜け、何だか楽しい気分にさせてくれる。人生に疲れた人にお勧め。美術館を後にする時、きっと心が少し軽くなっているはずです:)

Tate Modern‘s “Miró” exhibition, which is the first major retrospective of Spanish Surrealism artist Joan Miró in London in nearly 50 years since 1964 at Tate Britain,  just started today (April 14 – September 11).

More than 150 paintings, drawings, sculptures and prints, created in Barcelona and Paris, across the six decades of his career are gathered under one roof; from early paintings of his native Catalonia, his experimental style inspired by Surrealism and a friendship with André Masson, anxiety, anger and despair-driven works during Spanish civil war, to a rich variety of mature and balanced works at the later period including triptychs with intense colors.

Miró’s exuberant, dynamic and quite ‘Latin’ works let our hair down and gives us energy – highly recommended for people who are tired and stressed out, or who lost hope in life. I guarantee that you’ll leave the museum, feeling a bit better :)

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Henry Moore Exhibition @ Tate Britain

イギリスを代表する彫刻家・アーティストである、ヘンリー・ムーアの展覧会が、今日からテート・ブリテンで始まった。1986年の彼の死後、ロンドンで最大規模となるこの回顧展では、大理石や木彫り、ブロンズ等の彫刻やドローイングなど、150以上に及ぶムーアの初期の作品を展示。彼の主なテーマである、「母と子」や「横たわる像」、座像や頭像の彫刻とともに、第二次世界大戦中に戦争画家として描いた、Blitzザ・ブリッツ:ドイツ軍による空襲)」の際に、ロンドン地下鉄や防空壕で寝泊まりする人々の絵も展示されている。

ムーアは、伝統的な彫刻観を否定し、美術館や博物館で見た非西欧の作品からインスピレーションを受けた。模型を作らず直接作品を彫るダイレクト・カーヴィングの先駆者であり、人間の体をモチーフとして、穴が開いていたり空洞を含んだりする、独特の有機的フォルムを作り上げた。その、モダニズムシュルレアリズムが融合した、ブロンズや大理石製の大規模な抽象彫刻は、パブリック・アートとして、ロンドンをはじめ、世界中で見ることが出来る。ムーアは、自身の作品が公の場に置かれるのを好んだが、昨日のBBCニュースによると、盗難や破壊行為により、最近では屋内での展示が増えているそうだ。

この「ヘンリー・ムーア」展は、なかなか見応えのある、充実した展覧会だ(写真はBBCサイトでも見れる)。屋外作品に比べると作品は小規模だけれども、土着的でシンプル、どっしりとした彫刻スタイルは変わらない。彼の作品はなんとなく温もりがあり、見ていると安らぐ。それに比べ、地下で避難した顔の見えないミイラのように描かれた人々の暗い絵からは、戦時中の人々の苦難がひしひし伝わってくる。

A new exhibition of the work of Henry Moore (1898–1986), one of Britain’s greatest sculptors and artists, just opens at Tate Britain today. The exhibition, the first major London retrospective of his work since his death in 1986, presents more than 150 stone sculptures, wood carvings, bronzes and drawings in his early career, including his main themes of the mother and child, reclining woman, seated figure and head, as well as his shelter drawings of Londoners sleeping in bomb shelters during the Blitz, as an Official War Artist. Although Moore liked his works to be in outdoor public spaces, recently more of his works are exhibited indoor due to vandalism and theft, according to the BBC news yesterday.

Moore rebelled against views of sculpture, instead finding inspiration from non-Western works he saw in museums. He pioneered carving directly from materials, evolving his signature abstract forms derived from the human body, with the influence of Modernism and Surrealism. His organic forms are generally pierced or contain hollow spaces. He was best known for his large scale abstract monumental bronze and marble sculptures which are located around London as well as the world as public art.

The exhibition is impressive and well-done. Though Moore’s works are smaller than his outdoor works, his unique style, primitive yet modern and simple, is certainly seen. His works have some sort of warmth and strength, and I felt calm and relaxed by looking at them. On the other hand, his drawings of people without faces and looking like mummies during German air raids, are painful to look at and vividly shows us the hardship that people went through during the World War II.


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Arshile Gorky: A Retrospective @ Tate Modern

2月10日から始まった、テート・モダンの新しい展覧会「Arshile Gorky: A Retrospective」。アルメニア人のアーシル・ゴーキー(1904 – 1948)は、マーク・ロスコジャクソン・ポロックウィレム・デ・クーニング等と並ぶ、20世紀アメリカで最もパワフルな画家の一人で、抽象表現主義の形成に重要な役割を果たした。ゴーキーは、トルコによるアルメニア人虐殺を逃れて、1915年に母と3人姉妹と故郷を脱出。1920年に、徴兵を避けて先に移住していた父親を頼って、アメリカにやってきた。その2年前の1919年に、避難先のロシア領地で、母親を飢えのために亡くしている。本名はVostanik Manoog Adoyan(ヴォスダニック・マヌーク・アドヤン)だが、ロシア人作家のMaxim Gorkyマクシム・ゴーリキー)にちなんで「ゴーキー」と改名した。彼の初期の静物画作品には、ポール・セザンヌピカソ等の影響が垣間見えるが、1920年代後半から1930年代にかけてキュビズムに傾倒。そして1940年代にはシュルレアリスムに移行、抽象表現主義の先達として、ポロックやデ・クーニング、その他若手画家に大きな影響を与えた。しかし、私生活では癌との戦いや交通事故等災難が続き、1948年、自殺によってその人生を終えた。

The new exhibition of Tate Modern, “Arshile Gorky: A Retrospective” started on February 10. Armenian-born Arshile Gorky (c.1904 – 1948) was one of the most powerful American painters of the twentieth century, along with Mark Rothko, Jackson Pollock and Willem de Kooning, and was an influential figure in the formation of Abstract Expressionism. Gorky fleed his home town with his mother and his three sisters during Armenian Genocide by Turkey in 1915, and arrived to the US in 1920 to reunite with his father, who emigrated to America to avoid the draft earlier. In the meantime he lost his mother of starvation in 1919 in the Russian-controlled territory where he sought refuge. Gorky, born Vostanik Manoog Adoyan, adopted his new name with reference to the Russian writer Maxim Gorky. His early still-lives show the influence of Paul CézannePicasso and others, but he experimented with cubism in the late 1920s and early 1930s, eventually moving to surrealism in 1940s, which led him to precede the Abstract Expressionism for Pollock, de Kooning and other younger painters. However, his career was cut short by a series of personal misfortunes such as a fight against cancer and a traffic accident – his despair pushed him to commit suicide in 1948.

彼の画風は、試行錯誤の過程で、その時々で変わっていったけれど、その暖かみを感じさせる深い色合いと有機的で柔らかい線は一貫している。そして、苦労に満ちた人生経験故か、彼の作品は、どれも一抹の寂しさを感じさせる。故郷のアルメニアの思い出や望郷の念をテーマとした作品も多い。私が一番好きなのは、彼の代表作の一つである、8歳の頃に母親と撮った写真を元に描かれた「The Artist and His Mother」2作。少年の頃に亡くした母への想いが痛いほど伝わってくる、とても優しくて切ない絵だ。彼は長年にわたって、何度もこの絵に手直しを加えたと言う。1940年代に田舎に移り住み、やっと過去の苦しみから解き放たれ、自由な線や明るい色を使った生き生きした作品を作り出し、画家としての才能とキャリアが花開こうとしていた矢先に、数々の不幸に見舞われ、自らの命を絶ってしまった。彼がもう少し長生きしていたら、その後どんな絵を描いていただろう。

Although his style changed over the years, trying out different approaches, his warm and deep colors and soft flowing lines are consistent throughout. Also his works give me a feeling of little sadness, probably because of his difficult life. He also often dealt with his memory of his native Armenia in his early to mid works. My favorite work is two versions of The Artist and His Mother, based on a photo of him and his mother taken when he was 8 years old. The paintings show his deep affection for his late mother and his childhood memory, and it is really touching. He worked and reworked the painting over many years. He began to work in the countryside in early 1940s and his artworks started to look more liberated from his painful memories, using free and flowing lines and vibrant and cheerful colors. Sadly it didn’t last long – he ended his career and life, just about the time when he took off to flourish his career as a pioneer in Abstract Expressionism. I wonder, if he had lived longer, how his future works would have been.

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