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Art under Attack: Histories of British Iconoclasm @ Tate Britain

テートブリテンのArt under Attack: Histories of British Iconoclasm展(10月2日〜2014年1月5日)は、16世紀に始まったイコノクラスム(宗教的聖像やシンボル、遺物等の破壊を伴う聖像破壊運動)から現代にかけて、イギリスにおける芸術への攻撃の歴史を紹介する展覧会。時系列に、宗教・政治・Aesthetics(美的観点)3つのセクションに分かれており、攻撃された絵画や彫刻、写真、書物等の展示を通じ、破壊に至った背景や理由を探求する。

宗教のセクションでは、ヘンリー8世の命により、16〜17世紀にかけて政府が強行したDissolution of the Monasteries修道院解散)に始まり、宗教改革、偶像崇拝を恐れる支配者や清教徒による宗教芸術への攻撃の様子が、頭部を切断されたキリスト像や砕かれたステンドグラス、キリストや聖人の顔がくりぬかれた時祷書などから見て取れる。私たちはイギリスのあちこちにある修道院の遺跡を見て回るのが好きなのだが、廃墟となった修道院には、こういった歴史的背景があったのだ。

政変期における政治的価値観の変化に誘発される政治的イコノクラスムのセクションでは、先の施政者や英雄の像や記念碑の破壊と共に、急進的婦人参政権論者(写真下2番目)による美術館やギャラリー収蔵品への攻撃を紹介する。

芸術への攻撃は、作品や作品の表現内容への不満が動機となることがあるが、最後のセクションでは、メディアでの言論攻撃や個人による破壊行為にさらされたテート収蔵品3点の他、見る者に破壊の様子を体験させるAuto-destructive art オート・ディストラクティブ・アート)や、変容や解体、破壊を表現した作品など、既存のアートを否定するアーティスト側からのアプローチに焦点を当てている。

展覧会のコンセプトはユニークで面白いが、テーマの違うセクションに分かれているせいか、展示自体は中途半端な印象。特に最後のセクションは、先の2セクションと違って、アーティスト自らの行為を取り上げており、全く違う展覧会を見ているよう。ちょっとピンぼけしてしまった感が否めないかな。

展覧会の様子(写真):Dow Jones Architects

Tate Britain’s Art under Attack: Histories of British Iconoclasm (Oct 2 – Jan 5, 2014) is an exhibition exploring the history of Iconoclasm (defined as deliberate destruction of icons, symbols or monuments) and attacks on art in Britain from the 16th century to now. The exhibition examines the movements and causes which have led to assaults on art through objects, paintings, sculpture and archival material in three chronological sections: Religion, Politics and Aesthetics.

The Religion sections presents from state-administered iconoclasm under Henry VIII including the Dissolution of the Monasteries during 16th and 17th centuries to attacks on religious art that began with the Reformation and by later rulers and Puritan reformers who feared idolatry. You can see destructive acts on religion and religious art such as statues of Christ decapitated, smashed stained glass, fragments of the rood screen and a defaced book of hours. Dissolution was a tragic incident to British religious communities, but I fascinated by monastery ruins I have seen throughout the countries.

Political iconoclasm encompasses the examples of attacks on symbols of authority during periods of political change, such as breaking statues and monuments, and attacks on paintings in museums and galleries by the militant Suffragettes (second photo below).

Attacks on art can be motivated by unhappiness with the artwork or the ideas it represents. Aesthetics section explores Tate works subjected to verbal attacks in the press and to physical attacks by individuals, as well as destruction on art by artists themselves, such as Auto-destructive art movement and transformational practices applied by artists.

Concept of the exhibition is unique and fascinating, but overall, the show itself seems a bit superficial to me and the issues are not examined in depth – probably because it consists of three different sections. Especially the last section focused on different perspective from the first two with which I enjoyed, and I felt like seeing two different shows. A bit out of focus.

More photos of exhibition : Dow Jones Architects

キリストや聖人がくり抜かれた、カンタベリー大聖堂のステンドグラス(左:がくり抜かれる前で、右がくり抜かれた後)

The missing figures in Canterbury’s stained glass

婦人参政権論者たちの監視用写真(ナショナル・ポートレート・ギャラリー収蔵)

‘Surveillance Photograph of Militant Suffragettes’ by Criminal Record Office (National Portrait Gallery)

Chair 1969 by Allen Jones

1980年代に国際女性デーの日に攻撃にあった、テート所蔵品・Allen Jones作「Chair(1969)」

Allen Jones’s Chair 1969, damaged on International Women’s Day in the 1980s

Lowry and the Painting of Modern Life @ Tate Britain

ここ数ヶ月の間に見た展覧会の中で一番印象に残っている、テートブリテンの「Lowry and the Painting of Modern Life」展のこと、ブログに書こう書こうと思っていて、ふと気付いたらもう10月。今月20日に終わる前にと慌てて筆を取った、もといキーボードに向かった。

イギリス人アーティスト・Laurence Stephen Lowry(ローレンス・スティーブン・ローリー)、略してLS Lowryは、イングランド北部ランカシャー州にある産業の街・Stretford生まれのイギリス人アーティストで、20世紀半ばのイングランド北部の産業地帯を好んで描いたことで知られる。海外ではあまり名は知られていないが、イギリスでは最も人気のある画家の一人だ。19世紀後半のフランスの絵画に影響を受けたローリーは、サッカーの試合やデモ行進、工場へ通勤する人々等、炭坑や工場、テラスハウスと呼ばれる集合住宅を背景に、「matchstick men(マッチ棒のように細長い人間)」と呼ばれる独特の作風で、産業革命で栄えた北部イングランドの労働者階級の人々の日常生活を生き生きと描いた。

ローリーは夜間クラスでパートタイムで絵画を学び、仕事後に作品を描いていた。60代で画家として成功を収めた後も、定年退職するまで事務員としてフルタイムで働いたという。そして、その生涯でKnightの爵位を含む5つのイギリスの栄誉称号を辞退し、イギリスで最も栄誉称号を受け取らなかった人物という記録を持つそうだ。

ローリーの作品からは、今は廃れてしまったけれど、かつては活気に満ちていた産業地帯にコミュニティや人々のバイタリティーやパワーが溢れ出ていて、見ているこちらも何故か元気が出てくる。イチオシの展覧会、終わる前に是非足を運んでみてください。

→参考サイト:BBC YOUR PAINTINGS: Laurence Stephen Lowry painting

Although Tate Britain’s “Lowry and the Painting of Modern Life” is one of my favorite exhibitions in recent years, I have been postponing to write about it with no reason, but suddenly I realized that the exhibition is going to end soon on 20th this month (can’t believe it’s already October!) and finally I picked up the pen, no, started to type the keyboard.

Laurence Stephen Lowry, or simply L.S. Lowry is an English artist, born in industrial city of Stretford, Lancashire, and is known for his paintings of the industrial landscapes of the north of England in the mid-20th century. He is not known well abroad, but is one of the most popular painters in UK. Influenced by French painting of the later 19th century, Lowry painted  everyday life of working class people with a style often referred to as “matchstick men”, with background of coalmines, factories and terraced houses, as well as people going football matches and protest marches – typical urban landscapes of North England where once had been flourished during industrial revolution.

Lowry studied painting part-time in evening classes, and later only painted at night after work. He worked full-time for his whole life as a clerk and continued to be chief cashier at the Pall Mall Property Company in Manchester, even after he achieved success as a painter in his 60s.
Interestingly, Lowry rejected five honours during his life, including a knighthood, and holds the record for the most rejected British honours.

From Lowry’s painting, I can feel vitality and power of the people and the community, where now lost past glory after many factories and mines closed down, sadly. Highly recommended, and you shouldn’t miss it.

BBC YOUR PAINTINGS: Laurence Stephen Lowry paintings

Routemaster Letter Rack by Susan Bradley

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テート・ブリテンのショップで、ロンドンの旧式ルートマスターをかたどったレターラック・Routemaster Letter Rack(£20)を買った。イギリス人デザイナーのSusan Bradleyがデザイン。彼女の製品は全て、イングランド内で作られているそう。コーティングを施した鉄製で、そのまま置いても使えるし、壁にかけられるようにもなっている。可愛くて私たちのお気に入り。

We bought this London’s iconic Routemaster Letter Rack (£20), designed by British designer Susan Bradley, at the Tate Britain shop. All her products are proudly made in England, which are rarity nowadays. The letter rack is made of coated steel, and can be free standing or wall mounted. Very cute, and we love it!

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Gary Hume Exhibition @ Tate Britain

Gary hume

昨日の続き。Gary Hume(ギャリー・ヒューム)は、ダミアン・ハーストなど同じGoldsmiths collageの卒業生とともに、ヤング・ブリティッシュ・アーティストを代表する一人で、1990年代初め頃、グロスペイントを施したhospital doorsシリーズで有名になった。テート・ブリテンのGary Hume展では、独特の色使いや筆致、構図で描かれた、過去約20年の絵画や立体作品約25点を展示している。

ヒュームは、鮮やかな色を好み、時に不調和と思える色の組み合わせを用いる。作品のモチーフは、母親や赤ん坊、友人、有名人などの人物、花や鳥などの自然や、雪だるまなど子供時代の思い出など。原形をわずかにとどめているものの、抽象画に近いほどゆがめたり細部を省略して、その主題を表現する。主な作品は初期の代表作・ Tony Blackburn (1993. photo galleryの4作目) や Blackbird (1998. 写真上)、そして最近の作品 Red Barn Door (2008) 等。

ヒュームの、キャンディーやアイスクリームを思わせる色使いは、とても美味しそうで、味見してみたくなる。彼の花や鳥の絵は、ユルいけれど力強くて好きなんだけれど、アンゲラ・メルケル(写真下)などの人物画は、ちょっとブラックで、落ち着かない気持ちにさせるものも。

Continue from yesterday’s topic. Gary Hume is one of the YBA (Young British Artists) artists, together with fellow Goldsmiths graduates such as Damien Hirst, and came to prominence in the early 1990s with his hospital doors in high gloss paint. Tate Britain’s Gary Hume exhibition, showcasing around 25 works, highlights his innovative use of colour, line and composition over the last 20 years. 

Hume uses strong and sometimes dissonant colour combinations, with recognisable images often fragmented to near abstraction. His favoured subjects are figures such as mothers and babies, friends and celebrities, as well as images drawn from nature or childhood including flowers, birds and snowmen. Highlights include iconic early works such as Tony Blackburn (1993. 4th on photo gallery), and Blackbird (1998. photo above), as well as recent paintings such as Red Barn Door (2008).

I like his use of candy or gelato colours (look yummy), and his paintings on flowers and animals such as Tulips (2009) and Blackbird (1998) are very impressive. However, some of his portraits and faces, such as Michael Jackson and Angela Merkel (below), are rather dark and make me feel uncomfortable. 

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Angela Merkel (2011)

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Patrick Caulfield Exhibition @ Tate Britain

6月5日から9月1日まで、テート・ブリテンでは、Patrick Caulfield展とGary Hume展を同時開催中。各展は小規模だけれど、1枚のチケット(大人で£14.50/寄付なし£13.10)で、時代が異なるイギリス人コンテンポラリー・アーティスト2人の作品を観ることが出来る。

Patrick Caulfield(パトリック・コーフィールド)は、大胆でシンプルな筆致とカラフルな色使いで知られたアーティストで、静物画など伝統的な絵画ジャンルを独自の作風で表現。また家庭やカフェ、レストランなどのインテリアを主題として、好んで描いた。この展覧会では30以上の作品を展示、コーフィールドの絵画スタイルの変化を追っている。1960年代の初期の作品は、Still Life with Dagger (1963)に見られるように、対象物の線画に平坦な色使いが特徴。70年代になると、After Lunch (1975)のように、トロンプ・ルイユなど異なった手法を組み合わせた、より複雑な絵画に移行する。ちなみにAfter Lunchは、Looking at the View展の私の好きな作品の一つでもある。

主な見所は、Portrait of Juan Gris (1963)、Pottery (1969)、 Interior with a Picture (1985–6)など。また、余り知られていないBend in the Road (1967)やTandoori Restaurant (1971)、後期作品のBishops (2004. photo galleryの6番目の作品) や、遺作となったBraque Curtain (2005)も展示されている。

このブログでも何回か書いたが、私はシンプルでカラフルなアート作品が好きだ。なので、コーフィールドの作品も嫌う理由が全くない。彼のより抽象的な作品(特に後期に多い)は彼の持ち味があまり感じられず好きではないが、Dining Recess (1972. 写真下) や Window at Night (1969. 最下写真にあるバナーにも使われている) は、すごくいいと思う。

Patrick Caulfield exhibition, in parallel with Gary Hume exhibition (I will write about it tomorrow), has currently been running at Tate Britain from June 5 to September 1. With one ticket (Adult £14.50/without donation £13.10), you can see the exhibitions of two British contemporary artists in different generations, though each one is not in large scale.

Since 1960s, Patrick Caulfield has been known for his bold and vibrant paintings of modern life that reinvigorated traditional artistic genres such as the still life and interiors, both domestic and social scenes such as café and restaurant. This exhibition, showcasing over 30 works, traces the development of his artistic style. His early paintings in 60s are characterised by flat areas of colour with objects defined by simple outlines, such as such as Still Life with Dagger (1963). In the 1970s he began to combine different artistic styles including trompe l’oeil to create more complex paintings like After Lunch (1975), which is one of my favorite work at Looking at the View exhibition.

Highlights include Portrait of Juan Gris (1963), Pottery (1969), and Interior with a Picture (1985–6), alongside with lesser known Bend in the Road (1967) and Tandoori Restaurant (1971). Also you can see his later paintings such as Bishops (2004. 6th in the photo gallery) and his final work, Braque Curtain (2005). 

As I have written several times in my blog, I like paintings with simple brushstrokes and vivid colours. So there is no reason to hate Caulfield’s work, though I am not very passionate about his paintings which are more abstract, especially as seen in his later time.  Some of my favorites are Dining Recess (1972. photo below) and Window at Night (1969. Used in a banner as seen in the last photo).

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Dining Recess (1972)

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BP Walk through British Art @ Tate Britain

5月14日から始まったテートブリテンのBP Walk through British Artは、1500年代から現代に至るイギリス・アートのナショナルコレクションで、過去500年に制作された500以上の作品を20以上のギャラリールームに時系列に配している。Francis Baconフランシス・ベーコン)、John Constableジョン・コンスタブル)、William Hogarthウィリアム・ホガース)、 Thomas Gainsboroughトマス・ゲインズバラ)、 George Stubbsジョージ・スタッブス)、J.M.W. Turnerジョゼフ・マロード・ウィリアム・ターナー)、Gwen JohnStanley SpencerL.S.LowryJohn Everett Millaisジョン・エヴァレット・ミレー)、Bridget RileyDamien Hirstダミアン・ハースト)、 David Hockneyデイヴィッド・ホックニー)、Rachel Whitereadなど、イギリスの名だたるアーティストの作品を含む膨大なコレクションには圧倒される。

時系列展示以外に、一つの作品 / アーティスト / テーマをより深く掘り下げるBP Spotlightコレクションシリーズの新しいディスプレイも見物。現在、コンスタブルThe CornfieldImage of the British SchoolMoving Images: Painting and Early Film、アート教育におけるBasic Design展のほか、Keith ArnattRose WylieDouglas Gordonなど近代アーティストのコレクションを見ることが出来る。イギリス人アーティストたちが描いた風景画を集めたLooking at the View展を含むと、テートブリテンだけで膨大な量のイギリスアートが楽しめるのだが、これを全部見て回るのは、なかなか目も頭も足も疲れる。途中でワインの一杯でも飲んで、ゆっくり見て回るのがお薦め。

BP Walk through British Art (from May 14) is a new chronological presentation of the national collection of British art in a chronological display – a walk through time from the 1500s to the present day. This massive collection of British art over the past 500 years comprises around 500 artworks in over 20 galleries, and includes works by major British artists such as Francis BaconJohn ConstableWilliam HogarthThomas GainsboroughGeorge StubbsJ.M.W. TurnerGwen JohnStanley SpencerL.S.LowryJohn Everett MillaisBridget RileyDamien HirstDavid Hockney, and Rachel Whiteread (more details on the press release).

Alongside this chronological circuit, Tate Britain hosts a new series of seasonal BP Spotlight collection displays, which offer more depth on particular artworks, artists or themes: current displays include Constable’s The Cornfield, Image of the British SchoolMoving Images: Painting and Early Film, and Basic Design in art education, as well as on recent artists including Keith Arnatt, Rose Wylie and Douglas Gordon. Together with Looking at the View” which explores the ways British artists have framed the view in their work, you can spend all day immersing yourself in British Art. Very interesting to see the British art all at once, but bit draining – I need a glass of wine in between.

ヘンリー・ムーアの作品を集めた新しい常設展

New permanent gallery devoted to Henry Moore with substantial display of his work

BP Spotlights on Rose Wylie

Looking at the View @ Tate Britain

テート・ブリテンで「Schwitters in Britain」展と「Simon Starling: Phantom Ride」を見た折り、同時開催中の「Looking at the View」展(2月12日〜6月2日)にも立ち寄った。この展覧会のことは見たことも聞いた事もなかったが、これが中々良く、むしろ先の2つより楽しめた。テート・ブリテンの説明によると、これは過去300年の間に50人以上のアーティストによって描かれたテート・コレクション所蔵の風景画約70点を集めたテーマ展で、BP British Art Displaysの一環。ジョゼフ・マロード・ウィリアム・ターナーTracey Emin(トレイシー・エミン)等の有名どころから、あまり知られていないアーティストまで、これら作品を通じて、時代もバックグラウンドも違うアーティストたち、そして私たち自身の見る光景が、驚くほど似通っているかを見せてくれる。まあ同じ目の構造を持つ人間同志、全く違って見える訳はないとは思うのだが、同じ風景画と言えど、色使いや筆遣いなど作風が異なるアーティスト達の作品を比べるのも面白い。

以下は私の好きな展示作品。

Together with “Schwitters in Britain” and “Simon Starling: Phantom Ride“, we also saw “Looking at the View” (February 12 – June 2) at Tate Britain. I’ve never heard or read about this exhibition, but I enjoyed more than other two. According to the museum, this is the thematic exhibition displaying over 70 works by more than 50 artists over the last 300 years, revealing how artists and ourselves look at the landscape in greatly similar ways – whether near or afar, high or low, from inside or out. The show consists entirely of works from the Tate collection, from famous artists such as J.M.W. Turner and Tracey Emin to lesser-known figures, and is part of the BP British Art Displays. We all human being with the same kind of eyes won’t see completely different, but it is interesting to see how different each artist executes in a different way with diverse colours and brush strokes.

Here are my favorite paintings in the show.

Patrick CaulfieldAfter Lunch(1975)」私の好きなアーティスト、Michael Craig-Martinや Julian Opie(下作品)と似たスタイルの作品。シンプルなラインドローイングに鮮やかな青が印象的。

Patrick CaulfieldAfter Lunch” (1975). Similar style to one of my favorite artist Michael Craig-Martin and Julian Opie (below). I like their simple black line drawings with primary colours.

ジュリアン・オピーの「There are hills in the distance (c)(1996)」。イギリスのバンド・Blur(ブラー)の「The Best Of」のアルバムカバーに代表される、コンピュータで描かれた人物画が有名だけれど、彼の描く超シンプルな風景画もいい。→バービカンのオピーのデジタルインスタレーション:過去ブログ

Julian OpieThere are hills in the distance (c)” (1996). He is known for his graphic portraits such as in the album cover for British pop band Blur‘s “The Best Of, but I also like his ultra-minimalistic landscape paintings. →See Opie’s installation at Barbican on my past post.

LS Lowryの「Hillside in Wales (1962)」。6月26日よりテート・ブリテンで、彼の大規模展「Lowry and the Painting of Modern Life」が始まる予定。

LS LowryHillside in Wales” (1962). His major exhibition “Lowry and the Painting of Modern Life” will start on June 26 at Tate Britain.

ヴォルフガング・ティルマンスの「Concorde Grid (1997)」。今はなきコンコルドを違ったアングルで捉えたシリーズは興味深いが、背景色は黄色より白の方がいいと思う。

Wolfgang TillmansConcorde Grid” (1997). It’s impressing to show us Concorde in different angles, but I prefer the background color in white.

ギルバート&ジョージの「The Nature of Our Looking (1970)」。彼らの特徴である、写真を元にした鮮やかな色彩の作品と異なる、言わば地味目の作品。

Gilbert & GeorgeThe Nature of Our Looking” (1970). Very different from their famous brightly coloured graphic-style photo-based artworks.