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Paul Klee: Making Visible @ Tate Modern

テートモダンで開催中のPaul Klee: Making Visible展(10月16日〜2014年3月9日)は、スイス生まれの20世紀ヨーロッパ・モダニズムの巨匠・パウル・クレーの回顧展で、ロンドンの今年秋・冬の目玉展の一つ。世界中のコレクションから、絵画、ドローイング、水彩画が集められ、クレー自身が決めた過去の展覧会での作品の展示の順序を、この展覧会で再現している。

全17室からなる展覧会では、クレーの作品を時系列に展示。ワシリー・カンディンスキーフランツ・マルクとともにのミュンヘンで結成した表現主義画家たちの集まり・青騎士グループのメンバーとして、多彩な四角形を組み合わせた抽象的な独自の画風の確立した1910年代に始まり、教鞭をとったバウハウスでの10年間の作品、そしてナチス政権により「退廃芸術」のレッテルを貼られて新しい教職を剥奪されスイスのベルンに亡命した後、難病と闘いつつ多くの作品を生み出した晩年の作品へと続く。

クレーの作品の多くは小さいサイズだが、大きさに反比例し、その小さなカンバスは、豊かな色彩と自由な想像力に満ちている。見応えのある展覧会。

→Art Fundによる解説ビデオ

Paul Klee: Making Visible (Oct 16 – Mar 9, 2014) at Tate Modern is a major retrospective of the early 20-centry master of European modernism, Paul Klee, and one of the London’s must-see exhibitions this fall&winter. Paintings, drawings and watercolours from collections around the world are displayed alongside each other as Klee originally intended, often for the first time since Klee exhibited them himself.

This 17-room exhibition traces Klee’s career chronologically, beginning in Munich during the World War I, when he joined Der Blaue Reiter founded by Franz Marc and Wassily Kandinsky and established of his unique style of abstract patchworks of colour. It follows the decade of teaching and working at the Bauhaus, and his prolific final years in the 1930s in Bern, after he was dismissed from his teaching position by the Nazis and took refuge in Switzerland, as his works were labelled ‘degenerate art’ in Germany.

Most of his works are small in size, but on the opposite to its size, those are filled with rich colors and lots of imagination. Intriguing.

The Art Fund’s introduction video to the exhibition

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Mira Schendel @ Tate Modern



テートモダンで開催中のMira Schendel展(9月25日〜2014年1月19日)は、20世紀のブラジルアート界における最も重要なアーティストの一人で、ヨーロッパのモダニズムをブラジルで再構築した、Mira Schendel(ミラ・シェンデル)の回顧展。1950年代の初期の作品から1987年の最期のシリーズ作品まで、250以上の絵画、ドローイング、彫刻作品が集められている。

1919年にチューリッヒでユダヤ系の両親の元に生まれたシェンデルは、イタリアでカトリック教徒として育てられた。この経験が、後のアート制作における精神的かつ哲学的アプローチに繋がっている。1938年、イタリアでユダヤ人を排斥する法律が成立したことに伴い、イタリア国籍を剥奪され、大学を去ることになったシェンデルは、ユーゴスラビアを経て1949年にブラジルに移住、アーティストとしてのスタートを切る。またインテリのグループに参加、哲学者や精神科医等と交流することによって、美的感覚や哲学についての関心を深めた。初期の頃は、生活のためにグラフィックデザイナーとして働き、本の表紙やポスター、イラストレーション等も手がけている。

シェンデルは多作で多面性を持つアーティストとして知られる。独学で、ジョルジョ・モランディジョルジョ・デ・キリコパウル・クレーなどの作品から静物画、非対称性、建築的構成を学び、彼女の作品には、レトリスムカラーフィールド・ペインティングミニマル・アートコンセプチュアル・アートの要素が見られ、ブラジルのアバンギャルドに衝撃を与えたConcrete art具体芸術)やNeo-concre art(新具体芸術)運動に貢献したが、特定のアートムーブメントには属さなかった。生涯、ブラジルやヨーロッパの詩人や哲学者、神学者たちと交流を続け、宗教や哲学の問題や、物質的・文化的・言語学的置換を作品の重要なテーマとした。また、東洋の宇宙観や中国の水墨画からも影響を受け、水墨画風の作品も制作している。

言葉やイメージの組み合わせ、空間や時間を象徴するらせん形のモチーフ、半透明のライスペーパーの使用などに代表されるシェンデルの作品は、繊細で静謐、そして奥が深い。ブラジル以外ではあまり知られていないのが意外だ。

Mira Schendel exhibition at Tate Modern (Sep 25 – Jan 19, 2014) is a major retrospective of one of the most significant and influential Brazilian artists of the 20th century, Mira Schendel, who reinvented European Modernism in Brazil. The show features more than 250 paintings, drawings and sculptures, from her early paintings during the 1950s to her last series in 1987.

Schendel was born in Zurich in 1919 to parents of Jewish heritage, but grew up in Italy as a Catholic, and this experience contributed to her profoundly spiritual and philosophical approach to her art making. In 1938, she was stripped of her Italian nationality and forced to leave university when anti-Semitic laws were introduced in Italy. After fleeing to Yugosalvia and then Brazil in 1949, she began her career as an artist. She joined an intellectual circle and there explored ideas concerning aesthetics and philosophy. She also worked as a graphic designer, producing book covers, posters and illustrations to make a living at her early career.

Schendel was a prolific and complex artist. Largely self taught, she drew inspiration for her still-lifes, interiors and asymmetrical, architectonic compositions from artists such as Giorgio Morandi, Giorgio de Chirico and Paul Klee. Her works contain elements of Lettrism, Color Field paintingMinimalism and early Conceptual art, but she was never associated with a single movement while having contributed to the Concrete art and Neo-concre art movements that stormed the Brazilian avant-garde. In life, Schendel was an keen reader and continued correspondence with poets, philosophers and theologians throughout Brazil and Europe, and as a result, physical, cultural and linguistic displacement are key themes in her work, together with issues of religion and philosophy. She was also influenced by Far Eastern cosmovision and created works inspired by Chinese painting.

Schendel’s work, characterized by such as combining word and image, using spiral motifs which signify an image and an investigation of space and time, or applying on semi-transparent rice papers, and is rather quiet and delicate yet profound. It is surprising that she is little known outside Brazil!

言葉や詩を探求したシリーズ作品・Graphic Objects。1968年のヴェネツィア・ビエンナーレにお目見えした。

Graphic Objects, a collection that explores language and poetry, first shown at the 1968 Venice Biennale

Still Waves of Probability, 1969

60年代のグラフィックデザイン作品。50年近くも前と思えないモダンさ。

Schendel’s graphic design work in 60s is still amazingly fashionable and modern in present time

Meschac Gaba: Museum of Contemporary African Art @ Tate Modern

テートモダンではIbrahim El-Salahi展と時期を同じくして、もう一人のアフリカ人アーティストの展覧会、Meschac Gaba: Museum of Contemporary African Art展が開催されている。

ベニン人コンセプチュアル・アーティスト・Meschac Gabaの「Museum of Contemporary African Art」は、自分の作品を展示するスペースとして作った、12室構成の架空の「美術館」。Gabaは1997年に、このインスタレーションの最初の作品となる、どこかで見つけたものや、既存品に手を加えたもの、手作りなど様々なオブジェを配したDraft Roomを製作。その後の5年の間、展覧会毎に作品は増えていった。Gabaの「美術館」には、LibraryMuseum RestaurantMuseum Shopなど、通常美術館にあるものが全てあるという。「自分のファンタジーを見る人とシェアしたい」という願いのもと作った、彼独自の「部屋」も。Salonでは、アフリカの伝統的ゲーム・Awéléをモチーフにしたコンピュータゲーム、Adjiで遊べる。Art and Religion Roomには、古今東西の宗教関係のオブジェが日用品と共に並び、Marriage Roomには彼自身の結婚式で使われた品々や写真が展示されている。Architecture Roomでは、木製ブロックを使って仮想美術館を作ることが出来るし、大きなチェスのボードやアフリカの国々の国旗を再構成するパズルテーブルが置かれたGame Roomもある。このプロジェクトの最後に製作された金色の自転車を使ったHumanist Spaceは、同じフロアの展示室の外に置かれている(写真下)。

カラフルでユニーク、遊び心に溢れたこの展覧会、見ていて面白かったけれど、正直アーティストの意図する所がいまいち掴めない。それぞれの部屋にはアーティストのコンセプトや意味があるらしいのだけれど、書くと長くなるし抽象的で説明を読んでもよく分からないので、興味がある方はTateのウェブサイトを参考にしてください。

Tate Modern has been hosting an exhibition of another African Artist, Meschac Gaba: Museum of Contemporary African Art (until Sep 22), concurrently with Ibrahim El-Salahi.

Beninese conceptual artist Meschac Gaba’s Museum of Contemporary African Art is a 12-room installation, and he created this ‘museum’ because he wanted to have space to show his work. In 1997, he created the first part of his project, the Draft Room, contained an unusual assortment of handmade, found and altered objects. Over the next five years, further rooms would appear, one by one, in exhibitions and museums internationally. Gaba’s ‘museum’ has everything that you see in every museum, such as Library, Museum Restaurant and Museum Shop, and even cashier’s desk with monies on the top. He wanted ‘to share his fantasy’ and created his own unique rooms: the Salon where visitors can play the Adji computer game, an adaptation of the traditional African game Awélé; the Art and Religion Room containing all sort of religious icons from Christianity to animism together with everyday objects; the Marriage Room comprising with memorabilia of his own wedding; the Architecture Room where you can build your own imaginary museum using wooden blocks; and the Game Room with a big chess board and sliding puzzle tables reconfiguring the flags of some African countries. The last-completed section of the Humanist Space with gold bicycles is set outside the exhibition room on the same floor (photo below).

The exhibition is colorful, powerful and playful, but honestly I didn’t get artist’s message by just looking at it. Each room has its own concept and idea, but it’s too long to write and it is a bit too abstract for me to understand even by reading the description, so please check out Tate website if you want to know more.

Ibrahim El-Salahi: A Visionary Modernist @ Tate Modern

Ibrahim El-Salahi: A Visionary Modernist」(9月22日まで)は、アフリカン・モダニズムにスポットを当てた、Tate Modern初の展覧会。ニューヨークにあるMuseum for African Artがテートモダンの協力のもとにオーガナイズした、このスーダン人アーティスト・Ibrahim El-Salahiの大規模回顧展では、アフリカン/アラブモダニズムの重鎮である彼の、50年以上に及ぶ100点の作品を展示している。

イスラム教、アフリカ、アラブ世界、そして西洋アートを融合した、スーダンのモダンアートの先駆けとして知られるEl-Salahiは、50年代にスーダンとロンドンにあるSlade School of Fine Artでアートを学ぶ。1957年にスーダンに帰国、その後カタールを経て、1990年代以降はイングランドに居住しているそう。

El-Salahiの作風は、正直好みではないが、彼の創造力とエネルギーに溢れたエキゾチックでオリジナルな作品は印象に残る。アフリカ人アーティストの大規模展はこれが初めてだけれど、アフリカ大陸が経済成長を果たすにつれ、これからアート界の新しいスターがどんどん出て来るだろう。その異文化からのアートに刺激を受け、既存のアートがどう進化していくのか楽しみだ。

Ibrahim El-Salahi: A Visionary Modernist (until Sep 22)  is the first Tate Modern exhibition, dedicated to African Modernism. Organised by the New York’s Museum for African Art in association with Tate Modern, this major retrospective of Sudanese artist Ibrahim El-Salahi brings together 100 works from over 50 years of his career, and highlights one of the most significant figures in African and Arab Modernism.

El-Salahi studied art in Sudan and at the Slade School of Fine Art in London in the 1950’s. He returned to Sudan in 1957 but lived in Qatar before settled in England in the 1990s. He is considered a pioneer in Sudanese art with his integration of Islamic, African, Arab and Western artistic traditions.
Though El-Salahi’s work is not really my taste to be honest, but I enjoyed seeing his distinctive paintings: exotic and imaginative, and original and impactful. I’ve never seen the major exhibition of an African artist, but it is exciting to see more of the art from different area of the world in the near future, as the African continent has been experiencing rapid economic growth.

偶然、本人が友人や家族?と記念撮影している場面に遭遇

I happened to see the artist, taking a photo with his family or friends

Lichtenstein: A Retrospective @ Tate Modern

春の訪れをちょっぴり期待させる気持ちのいい陽気の今日、遠足がてら、テート・モダンで開催中の「Lichtenstein: A Retrospective」展(2月21日〜5月27日)を見に行った。ご存知の通り、ロイ・リキテンスタインアンディ・ウォーホルとともにアメリカのポップ・アートを代表するアーティスト。広告や漫画を題材に、大胆な色使いと、手描きのBen-Day dots(印刷インクのドット/点)が特徴の作品で知られる。

Lichtenstein: A Retrospective」展は、20年以来のリキテンスタインの大規模回顧展で、代表的作の他、Rowluxの錯覚フィルムアクリルフィルムや鉄に描かれた絵画や、セラミックや銅を用いた彫刻、初公開のドローイングやコラージュなど計125点の作品が、テーマ毎に13の展示室に展示されている。入口から順に、

  1. 抽象表現主義のパロディとされるBrushstrokes(筆遣い)シリーズ
  2. Look Mickey(1961)等、コミック画をベースにしたEarly Pop(初期のポップアート)
  3. Tyre (1962)等をはじめとするBlack & White(白黒画)
  4. Whaam! (1963)など、彼を有名にした二つの主題を描いたWar and Romance(戦争とロマンス)
  5. 伝統的な芸術のテーマを独自のスタイルで描いた、Landscapes/Seascapes(風景画/海景画)
  6. 1930年代のニューヨークで流行したアールデコをテーマにしたModern(モダン)シリーズ
  7. 過去の芸術家の作品を模したArt about Art(アートに関するアート)
  8. 過去の自身の作品を構図に組み込んだ、Artist’s Studios (1973–4) (アーティストのアトリエ)シリーズ
  9. 視覚と認識をテーマとしたMirrors and Entablatures(鏡とエンタブラチュア/柱頭の上の水平部)シリーズ
  10. 多彩な色の幾何学的図形を用いたPerfect/Imperfect(完成/未完成)
  11. Blue Nude (1997)など、古来からのアートの一分野に挑戦的で新しいアプローチを用いたLate Nudes(後期のヌード画)
  12. ラフな筆遣いと幾何学的フォルムを組み合わせた、Early Abstractions and Late Brushstrokes(初期抽象画と後期運筆)
  13. 宋時代の中国画の簡潔さに影響を受けた、Chinese Landscapes(中国の風景画)シリーズ

リキテンスタインの作品とテーマをより理解したい方には、 シカゴ美術館のウェブサイト英語)がお薦め。テートでの展覧会の写真はBBC newsで。

最初の4部屋、War and Romanceまでは、リキテンスタインの鮮やかな色使いや、シンプル且つ大胆な筆致に引き込まれたのだが、それも段々食傷気味に。タイヤやノート、ラジオといった、ありきたりのオブジェや漫画をモチーフにした作品は好きだけれど、正直、テーマや主題は違えど変化の少ないスタイルに、最後の方は少々退屈してしまった。それに彼の作品は見るには楽しいけれど、底が浅いというか深みがなく、心に訴えるもの、考えさせられるものがないのだ。

Today was an unusually warm & sunny day in London, so we decided to go out and see “Lichtenstein: A Retrospective” (February 21 – May 27) exhibition at Tate Modern. As many of you already know, Roy Lichtenstein is one of the most celebrated American pop artist, together with Andy Warhol. He is renowned for his works based on advertising and comic strips, and coloured with his signature hand-painted Ben-Day dots on his painting.

This exhibition is the first full-scale retrospective of Lichtenstein in over 20 years, and brings together 125 of his paintings and sculptures with a wide range of materials, including paintings on Rowlux and steel, ceramic and brass sculptures and a selection of previously unseen drawings, collages and works on paper. Total of 13 rooms showcase his works in different themes:

  1. Brushstrokes series which are usually seen as parodies of abstract expressionism
  2. Early Pop with cartoon imagery such as Look Mickey (1961)
  3. Black & White series including Tyre (1962)
  4. War and Romance, such as Whaam! (1963), two subjects that would make him famous
  5. Landscapes/Seascapes, traditional art themes in Lichtenstein style
  6. Modern series inspired by NY’s art deco style in 1930s
  7. Art about Art, replications of great artists of the past
  8. Artist’s Studios (1973–4) which incorporated elements of his previous work
  9. Mirrors and Entablatures, dealing with issues of vision and perception
  10. Perfect/Imperfect, playing with geometric fields of colours
  11. Late Nudes, like Blue Nude (1997), new and provocative approach to the ancient genres of art
  12. Early Abstractions and Late Brushstrokes, hand-painted, loosely applied brushstrokes juxtaposed with geometric forms
  13. Chinese Landscapes, his fascination with the simplicity of Chinese art of Song dynasty.

If you learn more about Lichtenstein and his work, Art Institute of Chicago’s website would be the excellent resource. Check BBC news for more photos of the Tate exhibition.

I was fascinated by Lichtenstein’s use of vivid colours and simple & bold brushstrokes at first four rooms up to War and Romance, but then I got indigestion. I like some of his works about banal objects such as notebook or radio, but I got bored of looking at his style at the end though themes and subjects are varied. His paintings are fun to look at, but they are shallow in a way and not emotional or thought-provoking….

William Kentridge: I am not me, the horse is not mine @ Tate Modern

書くのを忘れていたが、テートモダンの「William Klein + Daido Moriyama」展と「A Bit Splash」展を観に行った時、Tanksで最近始まった、南アフリカ出身のアーティスト・William Kentridgeウィリアム・ケントリッジ)のヴィデオ・インスタレーション「I am not me, the horse is not mine」も見た。反アパルトヘイト運動に従事していた弁護士の両親のもとヨハネスブルグで育ったケントリッジは、素描を使ったアニメーション作品などで、時にアパルトヘイトや植民地支配を取り上げている。

I am not Me, the Horse is not Mine」は、ケントリッジがデザインと演出を手がけた、ニューヨーク・メトロポリタン歌劇場の上演作品・ドミートリイ・ショスタコーヴィチのオペラ「 The Nose)」から派生した作品で、Tanksの1室のぐるりの壁に、1920〜30年代のソビエト連邦の映像やロシア・アヴァンギャルドの悲惨な結末など、ロシア・モダニズムをテーマにした8つのビデオ(各6分)を同時投影したもの。ロシア構成主義のグラフィックデザイナーの幾何学的抽象作品のパロディーである、切り絵風の人物を使ったアニメーションや、ロシア革命を含む1920〜30年代の写真・映像と、次から次へと変わっていくスクリーンは、見ていて楽しいけれど、正直意味不明。なのでテレグラフ紙の記事を読んでみたが、それでも分からない。意味を考えずに鑑賞するのが正解かも。

I forgot to write, but when we went to see “William Klein + Daido Moriyama” and “A Bit Splash,” we also saw the new video installation “I am not me, the horse is not mine” (till January 20, 2013) by South African artist William Kentridge at the Tanks at Tate Modern. Kentridge grew up in Johannesburg with his parents who were lawyers involved in the anti-apartheid movement, and he often addresses apartheid and colonialism through his animated films using charcoal draw.

I am not Me, the Horse is not Mine” started out as the Metropolitan Opera’s production of Dmitry Shostakovich’s opera, The Nose, which Kentridge designed and directed. It is an eight-channel video installation, projected simultaneously across the walls. Each 6-minute film is played on a continuous loop and contributes layers to a story that references Russian modernism, from Soviet film of the 1920s and 1930s to the calamitous end of the Russian avant-garde. The images change rapidly between animation featuring paper cutout of human figures, parodying the geometric abstraction of Russian Constructivist graphic designers, and old photos and films from the 1920s and 1930s, including of Russian Revolution. It was fun to look at, but I didn’t get what it means. I read the Telegraph article, and I still don’t get it…

A Bigger Splash: Painting after Performance @ Tate Modern

テートモダンで「William Klein + Daido Moriyama」を観た後は、1950年以降の絵画とパフォーマンスの関係を考察した、もう一つの特別展「A Bigger Splash: Painting after Performance」へ。展覧会の名前は、デイヴィッド・ホックニーの1967年の作品「A Bigger Splash」から取られており、最初の展示室には、この作品と共にジャクソン・ポロックの「Summertime」が展示されている。アクション・ペインティングの画法で知られるポロックがキャンバスはアクションの場と考えたのに対し、ホックニーは絵画は「架空世界への舞台入口」ととらえており、現代アートの2人の巨匠の違った絵画へのアプローチの対比が興味深い。

展覧会は2部に分かれており、前半では、アクション・ペインティングから始まり、ヘルマン・ニッチュをはじめとするウィーン行動派のパフォーマンスアート、1960年代後半〜70年代の四次元絵画、美とジェンダーに対するステレオタイプへの抗議が高まった70年代に活躍した、シンディ・シャーマンなど「transformer(変形・変化させる人)」たちの作品と、1950年代から80年代初期にかけてのパフォーマンスとアートの関係を探る。後半9室は、アクション・ペインティングやドラァグ、舞台芸術など、前半展示されたアーティスト達の実験的作品にインスピレーションを受けた若い世代のアーティストの作品が展示されている。アーティストは展示順に、Edward Krasinski(写真2枚目)、Marc Camille Chaimowicz(同3枚目)、Joan Jonasジョーン・ジョナス、同4枚目)、Guy de CointetKaren Kilimnikカレン・キリムニック)、IRWINJutta Koether荒川 医、(写真5枚目)Lucy McKenzie(写真最後)。

感想?つまらないの一言。最初のホックニーとポロックの2作品とシンディ・シャーマンの変装写真以外、何も感じないし何も伝わってこない。前半の先駆者達の作品は、私の目には悪趣味に映る物が多いけれど、既成概念をぶち壊そうという気迫が少なくとも感じられるが、後半の若手アーティスト達の作品には、妙に落ち着いていてパワーもエネルギーも感じられない。テートの展覧会では久しぶりのハズレ。

After “William Klein + Daido Moriyama,” we saw another special exhibition running now at Tate Modern, “A Bigger Splash: Painting after Performance,” which explores the relationship between performance and painting since 1950. The exhibition takes its name from David Hockney‘s “A Bigger Splash” (1967, top photo), which is displayed together with Jackson Pollock‘s “Summertime” in the first room, showing two different approaches to painting: a canvas as a field of action for Pollock; and as a theatrical entrance into its fictional world for Hockney.

The exhibition is divided into two parts: the first half studies the relationship between performance and painting from the 1950s to the early 80s. The first part includes action paintings, works by Viennese Actionists using bodily actions, four dimensional painting (late 1960s – 70s), and works by “transformer” artists such as Cindy Sherman during the 1970s when stereotypical ideas of beauty and gender were challenged. In the second part, each room is devoted to a single artist/group of younger generation, whose approach to painting is inspired by their predecessors’ experiments in art form, such as action painting, drag and the idea of the stage set. Total of nine rooms are used for international artists, in order of Edward Krasinski (2nd photo), Marc Camille Chaimowicz (3rd), Joan Jonas (4th), Guy de Cointet, Karen Kilimnik, IRWIN, Jutta Koether, Ei Arakawa (5th photo), and Lucy McKenzie (bottom).

My opinion about the show? Boring. I didn’t feel anything, except the two key works by Hockney and Pollock, and Cindy Sherman’s photos of herself transformed into different characters. Many experimental art or performance art are not to my taste, but the pioneers of these art forms had at least enthusiasm to destroy the convention and to create a new style of art, and I could feel it, but works by younger counterparts don’t carry any passion and spark. It was one of the worst exhibition I have seen at Tate in recent years.

by Edward Krasinski

by Marc Camille Chaimowicz

by Joan Jonas

by Ei Arakawa

by Lucy McKenzie