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London Design Festival 2012 @ V&A

100% Designの後は、同じくLondon Design Festival(LDF)に参加しているヴィクトリア&アルバート博物館へ。期間中(9月14日〜23日)、常設展・特別展の展示品に混じって、LDFのために特別に制作されたインスタレーションやディスプレイの数々が、館内あちこちに設置された(詳細:V&Aウェブサイト / 2011年ディスプレイ)。

LDF専用館内マップは、博物館スタッフさえ認める難解さで、悪戦苦闘しながら各ディスプレイを探し当てる。これらの作品は、テーマもなく統一感はないが、一番印象に残ったのは、日本のデザインオフィス「nendo」が手がけた、「Mimicry Chairs」という計11点の空間インスタレーション作品(写真下7点)。周囲の展示に呼応するように擬態化された透明感のある椅子が、エントランス空間や展示室、階段室、回廊など、館内11カ所に配置された。残念ながら展示品なので座れないが、それぞれ個性を持ったこれらの白い椅子たちは、違和感なく絶妙なハーモニーでその空間に収まっていた。

After 100% Design, I moved on to Victoria & Albert Museum which also participated in London Design Festival (LDF). During the LDF, V&A had housed an array of specially commissioned installations and displays throughout the Museum (details: V&A website / blog entry for the 2011 displays).

The special V&A map for LDF was hard to figure out, even to museum staffs, and it cost me a lot of effort to find an each work. There was no theme or direction for those displays, but what I liked the most was “Mimicry Chairs“, total of eleven installations using white transparent metal chairs, created by Japanese design firm “nendo“. The chairs were placed in the main entrance as well as ten other locations in the museum including galleries, staircases and corridors. Unfortunately, sitting on the chairs was not allowed, but those installations perfectly fit in an each space and created good harmony with surrounding artworks and objects.

持続可能なデザインの進化を描いた、Green Car Design制作の”Evolutionary Wall”

“Evolutionary Wall” by Green Car Design, showing us an evolution of sustainable design

Bench Years」シリーズとして、各々違った材料を使ったベンチが、博物館の中庭・John Madjski Gardenに設置された。上の写真は、アメリカ製硬材を使った、Martino Gamperによるベンチ。

Bench Years” Bench by Martino Gamper using American hardwood. A series of one-off benches, each made from a different material, was displayed at the John Madjski Garden.

キングスクロス駅周辺の再開発計画のディスプレイ / King’s Cross: Regenerating a London landmark

ロリータやゴスなど、イギリスの影響を受けた日本初のファッションを展示した、”Kitty and the Bulldog: Lolita fashion and the influence of Britain

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Heatherwick Studio: Designing the Extraordinary @ V&A

ヴィクトリア&アルバート博物館(V&A)で開催中の「Heatherwick Studio: Designing the Extraordinary」展(5月31日〜9月30日)は、ロンドンを拠点とするデザイン&建築事務所Heatherwick Studio(ヘザーウィック・スタジオ)の初の大規模展。V&AのBritish design展の関連イベントで、オリンピック前後に開催される文化イベント・London 2012 Festivalの一環でもある。

Heatherwick Studioは、革新的技術と素材を用いた公共記念建造物や3次元作品で有名なイギリス人インダストリアル・デザイナー、Thomas Heatherwickトーマス・ヘザーウィック)が1994年に設立した。かのサー・テレンス・コンランがヘザーウィックを「Leonardo da Vinci of our times(現代のレオナルド・ダ・ビンチ)」呼んだそうだが、ちょっとそれは大げさとしても、彼の作品は創造性に富み、見ていて楽しい。ただ展示室であるporter gallery(ポーター・ギャラリー)は狭すぎて、展示品は模型や写真が多いにしても、彼の作品の型破りなスケールが表現しきれていない気がする。

→ 写真参考サイト: BBC news

V&A’s “Heatherwick Studio: Designing the Extraordinary” (May 31 – September 30) is the first major solo exhibition of the work of Heatherwick Studio. It is a part of a season of events celebrating British design at the V&A and also the London 2012 Festival, a series of cultural events taken place around London Olympic 2012.

Heatherwick Studio is a London-based design and architecture studio, founded in 1994 by Thomas Heatherwick, who is an English industrial designer known for innovative use of engineering and materials in public monuments and sculptures. It is said that Sir Terence Conran called Heatherwick as the “Leonardo da Vinci of our times”. It is a bit of an exaggeration, but his works are creative and fun. The  porter gallery where the exhibition is taken place, is too small for his large scale works, even for its prototype and photos, and a bit claustrophobic.

→ more photos: BBC news

Cromwell Roadに面した博物館の入口に設置された、白く塗られ逆さまに吊り下げられたロード・コーンのインスタレーション / Traffic Cone Installation with upside-down traffic cones painted white at V&A entrance on Cromwell Road

ロンドン名物として親しまれたRoutemasterルートマスター)の特徴である、開放式後部プラットフォームを備えた新しい二階建てバス、「ニュー・バス・フォー・ロンドン」。現在数台が38番ルートを運行中。

New Bus for London‘, incorporating an open platform which is a feature of the iconic Routemaster. Currently it is operating only on No.38 route (not all of them).

先端に種子が入った6万本のアクリル樹脂の針が突き出た、上海国際博覧会のイギリス館「Seed Cathedral(種の大聖堂)」/ British national pavilion “Seed Cathedral” at the 2010 Shanghai World Expo

「Spun(スパン)」チェアー(2012)。博物館の中庭でトライできる。バランスを保つのがなかなか難しい / ‘Spun’ chairs  (2012). Public can try them in V&A’s courtyard. It is quite difficult to keep a balance

British Design 1948–2012: Innovation in the Modern Age @ V&A

「Austerity Games(緊縮オリンピック)」と呼ばれた第二次世界大戦後直後の1948年ロンドンオリンピックから再びロンドンでオリンピックが開催される2012年まで、約60年間のイギリスのデザイン300点以上を集めた、ヴィクトリア・アンド・アルバート博物館の目玉展「British Design 1948–2012: Innovation in the Modern Age」が、3月31日から始まった(オリンピック最終日と同じ、8月12日に終了予定)。

展覧会は、「tension between tradition and modernity(伝統と近代性の葛藤)」「subversion in British culture(イギリス文化における破壊)」 「design innovation and creativity(デザインの革新と創造)」の、3つのテーマに分かれている。戦後のイギリス・デザインは、戦争の痛手からの再生に始まる。急進的な未来のビジョンを提示した1951年のFestival of Britainや、イギリスの伝統的価値を世界に見せた1953年のエリザベス女王の戴冠式が同じ時期に行われという、伝統と現代性が共存した時代を経て、1960〜70年代にデザインにおける「革命」が始まる。スウィンギング・ロンドンパンクが興り、ファッション、音楽、インテリア、映画など様々な分野で新しく台頭したデザイナーたちが、イギリス文化を根底から変え、その流れが1990年のCool Britannia(クール・ブリタニア)で結実した。また、産業デザインやテクノロジーのパイオニアであったイギリスのデザインが、過去半世紀の間に、伝統的製造業から、金融、小売、クリエーティブ産業など革新的な分野に舵を切ったことも見て取れる。

シンプルだけれど印象に残る交通標識、キッチュな家具や壁紙、パンクミュージックのレコードカバー、奇天烈なファッション、ミニクーパー、コンコルド、モダン建築の模型、果ては90年代以降のイギリス・アート界の寵児、ダミアン・ハーストの作品まで、有名なイギリスのモダンデザインがここに勢揃いしている。何でもありでまとまりがなく、各デザインの説明が簡単すぎるのが短所だけれど、デザインを通じて過去約60年間のイギリス社会の急激な変化と変遷が一目で分かる。イギリス人のみならず外国人でも楽しめる展覧会だと思う。

写真参照サイト:Financial Times / Mirror

British Design 1948–2012: Innovation in the Modern Age” is a new exhibition of Victoria & Albert Museum, showing over 300 British post-war designs over 60 years, from 1948 ‘Austerity Games’ to 2012 London Olympics (Mar 31 – Aug 12: the same day of the last day the Olympics).

The show explores three themes: the tension between tradition and modernity; the subversion in British culture; and design innovation and creativity. Post-war British designs started as reconstruction from the devastated war, embracing both progressive view of the future, presented at the Festival of Britain in 1951, and the traditional values shown at the Coronation of Queen Elizabeth II in 1953. Then revolution in design occurred in 1960s–70s; new talents in fashion, music, interiors and film, manifested in such as ‘Swinging London’ and Punk, transformed the cultural landscape in UK, which has led to ‘Cool Britannia’ in the 90s. The show also explains the change in British design culture which was a pioneer of industrial design and technology, from traditional manufacturing to innovative financial, retail and creative services over the last half century.

Simple but well-designed traffic signs, kitsch furniture and wallpapers, Punk record jackets, eccentric clothing, Mini, Concorde, architectural models, and even works by Damien Hirst of YBA – popular post-war British designs are all there. Although the exhibition looks a bit chaotic and doesn’t show us each design in depth, it is still exciting, not only for British but also for foreigners as well. Through designs in different areas, “British Design 1948–2012” gives us a glimpse of rapid transition and transformation of British society since the WWII.

See more photos:Financial Times / Mirror

Queeen Elizabeth II by Cecil Beaton: A Diamond Jubilee Celebration @ V&A

先日のエリザベス女王の即位60周年・Diamond Jubilee(ダイアモンド・ジュビリー)に伴い、「Queeen Elizabeth II by Cecil Beaton: A Diamond Jubilee Celebration」展が本日よりヴィクトリア&アルバート博物館(V&A)で始まった(〜4月22日)。この展覧会では、王室写真家であったセシル・ビートンが1939〜68年の間に撮影したエリザベス女王の写真、ビートンの日記や手紙など、1万8千点に及ぶV&Aコレクションの中からより選られた、滅多に目に触れない貴重な写真を含む計100点(うち写真60点)が展示されている。

ビートンは、エリザベス女王の母であるQueen Motherを撮影していた縁で、クイーン・マザーによって女王に推薦され、1942年から約30年間に渡り、戴冠式を含む様々な機会に女王の写真を撮影した。しかし1960年に女王の妹・マーガレット王女と結婚したスノードン伯爵アンソニー・アームストロング=ジョーンズが王室写真家に就任、そのキャリアは70年代後半に終わった。

以前ハリウッドやファッション業界で約20年働いたビートンは、王室メンバーをより良く見せるために写真に修正を加えていたそうだ。これらのポートレートは、外国に王室のイメージを高める目的で撮影されるものだから、それも理解できる。

展覧会は、装飾を施した背景にクイーン・マザーや少女時代のエリザベス王女を撮影したビートンの初期の作品(彼は舞台デザイナーでもあった)に始まって、4人の子供たちや夫との家族写真や女王としての公式写真など、時系列で並べられている。第二次世界大戦中に爆撃によってダメージを受けたバッキンガム宮殿のコンタクトプリントなど、珍しい物も。ハイライトは1953年の戴冠式で、貴重なカラー写真や儀式の映像と共に専用の展示室に展示されている。最後は、David Bailey(デーヴィッド・ベイリー)やアーヴィング・ペン等の写真家によって撮影された、ビートン自身の写真で締めくくられている。

数部屋だけの小粒な展覧会だが、その洗練され美しい写真(修正を施されているにしろ)から、王女、女王、そして母と、それぞれの人生のステージにおけるエリザベス女王の異なった表情が垣間みれる、素敵な展覧会だと思う。

Corresponding to the Queen’s Diamond Jubilee the day before yesterday, V&A’s new exhibition “Queeen Elizabeth II by Cecil Beaton: A Diamond Jubilee Celebration” started today (until April 22). This exhibition displays a collection of portraits of the Queen, taken by photographer Cecil Beaton from 1939 to 1968, as well as film clips, Beaton’s diaries and letters. 100 images (of 60 are photographs) are chosen out of almost 18,000 in the V&A collection, including a number of photographs rarely seen.

Beaton initially photographed the Queen Mother, who recommended him to her daughter. He had a 30-year relationship with the Queen since 1942, and photographed her on numerous occasions including the Coronation. However, his career as a royal photographer ended in the late 70s, when the job was taken by Antony Armstrong-Jones (later Lord Snowdon), who married the Queen’s sister, Princess Margaret in 1960.

Beaton, who had worked in Hollywood and in fashion for 20 years previously, used the touching-up skills to make the royals look their best – because the main objective of royal portraits is to promote the royal family around the world.

The exhibition starts with Beaton’s early works of the Queen Mother and the sweet images of the teenage Princess in glittering theatrical backgrounds (he was a theatre set designer as well), and then goes on in a chronological order; tender portraits with her four children and her husband and later minimalistic official portraits, as well as glittering photographs of the Coronation in 1953 including rare colour footage as well as ceremonial film, which is the highlight of the exhibition. The collection also includes never-before-seen contact sheets of scenes such as wartime bomb damage at Buckingham Palace. The exhibition concludes with a small display of images of Beaton, taken by other photographers including David Bailey and Irving Penn.

This is a small exhibition with few rooms, but those images are beautiful and elegant (though touched up a bit), and shows us intimate portraits of the Queen in different phase of her life as princess, queen and mother.

Postmodernism: Style and Subversion 1970-1990 @ V&A

Vodpod videos no longer available.

9月24日から始まったヴィクトリア&アルバート博物館の「Postmodernism: Style and Subversion 1970-1990ポストモダニズム:スタイルと破壊)」(9月24日〜翌年1月15日)を観た。ポストモダニズムとは何か、それはどのように発生したかを探求するこの大規模展覧会では、「Less is more(より少ないことは、より豊かなこと)」をモットーに、機能第一で装飾や無駄を一切排したモダニズム建築への反発から始まり、建築のみならずアート、グラフィックス、音楽、ファッションの分野で70〜90年代のポップカルチャーを席巻したポストモダニズムの代表作品250点以上が、一堂に会している。

ポストモダニズム絶頂期に青春を過ごした身、展示物一つ一つに懐かしさを感じる反面、なんて悪趣味な時代だったんだろうと思う。最悪だったのはポストモダニズム絶頂期の80年代半ばか。装飾過多かつ原色多用、奇抜。バブル経済と相まって、いい意味でも悪い意味でも自由闊達、何でもありのイケイケの時代だった。でも経済停滞で元気のない今を思うと、希望と欲望に溢れた、いい時代だったんだなあ。

We went to see the V&A‘s new exhibition “Postmodernism: Style and Subversion 1970-1990” (September 24 – January 15, 2012), exploring what postmodernism means and where it came from. Started as a counter reaction against “less is more” stoic modernism architecture, postmodernism idea soon spread to the realm of pop culture such as art, graphics, music and fashions. The exhibition showcases more than 250 objects in a variety of genres to show us what is postmodernism all about.

I lived through the postmodernism era, and the show made me feel a bit nostalgic and sentimental, but at the same time made me realize how terrible the style of the period was! May be the worst time was the mid 1980s, when was the hype of postmodernism. Exaggerated, gaudy, and eccentric. So much freedom and no-holds-barred, in a good way and a bad way, together with an economic boom. But when I look back, in compare to now in deep recession, it was a very good time – full of desires, enthusiasm and hopes.

Andy Warhol, Dollar Sign (1981)

London Design Festival 2011 @ V&A

インタレーション作品「Timber Wave」の他、London Design Festival 2011(ロンドン・デザイン・フェスティバル)に関連して、ヴィクトリア&アルバート博物館V&A)に設置された作品の一部。館内いろいろなところに、常設展示に紛れて置かれているので、他の展示品を鑑賞しながら探してみては。館内は広いので、かなり歩くので歩きやすい靴で。

デザイン・フェスティバルに関係ありませんが、明日から2週間、ブログをお休みします。See you  in two weeks!

Some of V&A‘s London Design Festival 2011 displays & installations, other than “Timber Wave“. These works are located several different location in the vast museum, in between the permanent collections. It would be a good cultural hiking route, so be prepare with comfortable walking shoes!

It’s nothing to do with Design Festival, but I will take a break from blog for 2 weeks. See you in two weeks!

‘Textile Field’ by Ronan and Erwan Bouroullec, in collaboration with Kvadrat

‘Beyond the Valley: an interactive print journey’

BLOOM Table Lamp designed by Patrick Jouin for Industrial Revolution 2.0: How the Material World Will Newly Materialize

A Pylon for the Future

AL_A “Timber Wave”: London Design Festival @ V&A

9月17日から25日まで、毎年恒例のLondon Design Festival 2011(ロンドン・デザイン・フェスティバル)が開催中。ロンドンのあちこちに点在する、美術館、デザイン事務所、ショップ、ギャラリーなどの参加施設の前に立てられた、フェスティバルのアイコンである赤い立て看板を、よく目にする。フェスティバルに参加しているヴィクトリア&アルバート博物館V&A)でも期間中、インスタレーションやトーク、ワークショップなどのスペシャルイベントが行われている(詳細はV&Aウェブサイトで)。

V&Aの見所は、Cromwell Road(クロムウェル・ロード)側入口に設置された、Amanda Levete Architects and Arupによる巨大インスタレーション作品「Timber Wave(木の波)」(9月17日〜10月15日)。通常家具作りに使われるラミネート技術をアメリカンオークに施し作り上げた、12mもの高さの格子模様の立体的な螺旋は圧巻。木とは思えないしなやかさと木独特の生命力が感じられる。

London Design Festival 2011 came back to the city – from September 17 to 25, you see a festval’s icon, red signboard in front of the participating organizations such as museums, design firms, shops, and galleries, all over London. Victoria & Albert Museum is also a part of the festival and visitors can enjoy commissioned installations and displays as well as special events, talks and workshops throughout the period (details are at V&A website).

A gigantic installation of ‘Timber Wave‘ by Amanda Levete Architects and Arup (September 17 – October 15) at the Cromwell Road entrance is one of the highlight at the V&A festival program. The three-dimensional latticework spiral is made of American red oak, using lamination techniques normally used in furniture making, and applied to create a piece 12m high. It has un-treelike flexibility and treelike vitality – spectacular.