Tag Archives: Victoria & Albert museum

London Design Festival 2012 @ V&A

100% Designの後は、同じくLondon Design Festival(LDF)に参加しているヴィクトリア&アルバート博物館へ。期間中(9月14日〜23日)、常設展・特別展の展示品に混じって、LDFのために特別に制作されたインスタレーションやディスプレイの数々が、館内あちこちに設置された(詳細:V&Aウェブサイト / 2011年ディスプレイ)。

LDF専用館内マップは、博物館スタッフさえ認める難解さで、悪戦苦闘しながら各ディスプレイを探し当てる。これらの作品は、テーマもなく統一感はないが、一番印象に残ったのは、日本のデザインオフィス「nendo」が手がけた、「Mimicry Chairs」という計11点の空間インスタレーション作品(写真下7点)。周囲の展示に呼応するように擬態化された透明感のある椅子が、エントランス空間や展示室、階段室、回廊など、館内11カ所に配置された。残念ながら展示品なので座れないが、それぞれ個性を持ったこれらの白い椅子たちは、違和感なく絶妙なハーモニーでその空間に収まっていた。

After 100% Design, I moved on to Victoria & Albert Museum which also participated in London Design Festival (LDF). During the LDF, V&A had housed an array of specially commissioned installations and displays throughout the Museum (details: V&A website / blog entry for the 2011 displays).

The special V&A map for LDF was hard to figure out, even to museum staffs, and it cost me a lot of effort to find an each work. There was no theme or direction for those displays, but what I liked the most was “Mimicry Chairs“, total of eleven installations using white transparent metal chairs, created by Japanese design firm “nendo“. The chairs were placed in the main entrance as well as ten other locations in the museum including galleries, staircases and corridors. Unfortunately, sitting on the chairs was not allowed, but those installations perfectly fit in an each space and created good harmony with surrounding artworks and objects.

持続可能なデザインの進化を描いた、Green Car Design制作の”Evolutionary Wall”

“Evolutionary Wall” by Green Car Design, showing us an evolution of sustainable design

Bench Years」シリーズとして、各々違った材料を使ったベンチが、博物館の中庭・John Madjski Gardenに設置された。上の写真は、アメリカ製硬材を使った、Martino Gamperによるベンチ。

Bench Years” Bench by Martino Gamper using American hardwood. A series of one-off benches, each made from a different material, was displayed at the John Madjski Garden.

キングスクロス駅周辺の再開発計画のディスプレイ / King’s Cross: Regenerating a London landmark

ロリータやゴスなど、イギリスの影響を受けた日本初のファッションを展示した、”Kitty and the Bulldog: Lolita fashion and the influence of Britain

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British Design 1948–2012: Innovation in the Modern Age @ V&A

「Austerity Games(緊縮オリンピック)」と呼ばれた第二次世界大戦後直後の1948年ロンドンオリンピックから再びロンドンでオリンピックが開催される2012年まで、約60年間のイギリスのデザイン300点以上を集めた、ヴィクトリア・アンド・アルバート博物館の目玉展「British Design 1948–2012: Innovation in the Modern Age」が、3月31日から始まった(オリンピック最終日と同じ、8月12日に終了予定)。

展覧会は、「tension between tradition and modernity(伝統と近代性の葛藤)」「subversion in British culture(イギリス文化における破壊)」 「design innovation and creativity(デザインの革新と創造)」の、3つのテーマに分かれている。戦後のイギリス・デザインは、戦争の痛手からの再生に始まる。急進的な未来のビジョンを提示した1951年のFestival of Britainや、イギリスの伝統的価値を世界に見せた1953年のエリザベス女王の戴冠式が同じ時期に行われという、伝統と現代性が共存した時代を経て、1960〜70年代にデザインにおける「革命」が始まる。スウィンギング・ロンドンパンクが興り、ファッション、音楽、インテリア、映画など様々な分野で新しく台頭したデザイナーたちが、イギリス文化を根底から変え、その流れが1990年のCool Britannia(クール・ブリタニア)で結実した。また、産業デザインやテクノロジーのパイオニアであったイギリスのデザインが、過去半世紀の間に、伝統的製造業から、金融、小売、クリエーティブ産業など革新的な分野に舵を切ったことも見て取れる。

シンプルだけれど印象に残る交通標識、キッチュな家具や壁紙、パンクミュージックのレコードカバー、奇天烈なファッション、ミニクーパー、コンコルド、モダン建築の模型、果ては90年代以降のイギリス・アート界の寵児、ダミアン・ハーストの作品まで、有名なイギリスのモダンデザインがここに勢揃いしている。何でもありでまとまりがなく、各デザインの説明が簡単すぎるのが短所だけれど、デザインを通じて過去約60年間のイギリス社会の急激な変化と変遷が一目で分かる。イギリス人のみならず外国人でも楽しめる展覧会だと思う。

写真参照サイト:Financial Times / Mirror

British Design 1948–2012: Innovation in the Modern Age” is a new exhibition of Victoria & Albert Museum, showing over 300 British post-war designs over 60 years, from 1948 ‘Austerity Games’ to 2012 London Olympics (Mar 31 – Aug 12: the same day of the last day the Olympics).

The show explores three themes: the tension between tradition and modernity; the subversion in British culture; and design innovation and creativity. Post-war British designs started as reconstruction from the devastated war, embracing both progressive view of the future, presented at the Festival of Britain in 1951, and the traditional values shown at the Coronation of Queen Elizabeth II in 1953. Then revolution in design occurred in 1960s–70s; new talents in fashion, music, interiors and film, manifested in such as ‘Swinging London’ and Punk, transformed the cultural landscape in UK, which has led to ‘Cool Britannia’ in the 90s. The show also explains the change in British design culture which was a pioneer of industrial design and technology, from traditional manufacturing to innovative financial, retail and creative services over the last half century.

Simple but well-designed traffic signs, kitsch furniture and wallpapers, Punk record jackets, eccentric clothing, Mini, Concorde, architectural models, and even works by Damien Hirst of YBA – popular post-war British designs are all there. Although the exhibition looks a bit chaotic and doesn’t show us each design in depth, it is still exciting, not only for British but also for foreigners as well. Through designs in different areas, “British Design 1948–2012” gives us a glimpse of rapid transition and transformation of British society since the WWII.

See more photos:Financial Times / Mirror

Queeen Elizabeth II by Cecil Beaton: A Diamond Jubilee Celebration @ V&A

先日のエリザベス女王の即位60周年・Diamond Jubilee(ダイアモンド・ジュビリー)に伴い、「Queeen Elizabeth II by Cecil Beaton: A Diamond Jubilee Celebration」展が本日よりヴィクトリア&アルバート博物館(V&A)で始まった(〜4月22日)。この展覧会では、王室写真家であったセシル・ビートンが1939〜68年の間に撮影したエリザベス女王の写真、ビートンの日記や手紙など、1万8千点に及ぶV&Aコレクションの中からより選られた、滅多に目に触れない貴重な写真を含む計100点(うち写真60点)が展示されている。

ビートンは、エリザベス女王の母であるQueen Motherを撮影していた縁で、クイーン・マザーによって女王に推薦され、1942年から約30年間に渡り、戴冠式を含む様々な機会に女王の写真を撮影した。しかし1960年に女王の妹・マーガレット王女と結婚したスノードン伯爵アンソニー・アームストロング=ジョーンズが王室写真家に就任、そのキャリアは70年代後半に終わった。

以前ハリウッドやファッション業界で約20年働いたビートンは、王室メンバーをより良く見せるために写真に修正を加えていたそうだ。これらのポートレートは、外国に王室のイメージを高める目的で撮影されるものだから、それも理解できる。

展覧会は、装飾を施した背景にクイーン・マザーや少女時代のエリザベス王女を撮影したビートンの初期の作品(彼は舞台デザイナーでもあった)に始まって、4人の子供たちや夫との家族写真や女王としての公式写真など、時系列で並べられている。第二次世界大戦中に爆撃によってダメージを受けたバッキンガム宮殿のコンタクトプリントなど、珍しい物も。ハイライトは1953年の戴冠式で、貴重なカラー写真や儀式の映像と共に専用の展示室に展示されている。最後は、David Bailey(デーヴィッド・ベイリー)やアーヴィング・ペン等の写真家によって撮影された、ビートン自身の写真で締めくくられている。

数部屋だけの小粒な展覧会だが、その洗練され美しい写真(修正を施されているにしろ)から、王女、女王、そして母と、それぞれの人生のステージにおけるエリザベス女王の異なった表情が垣間みれる、素敵な展覧会だと思う。

Corresponding to the Queen’s Diamond Jubilee the day before yesterday, V&A’s new exhibition “Queeen Elizabeth II by Cecil Beaton: A Diamond Jubilee Celebration” started today (until April 22). This exhibition displays a collection of portraits of the Queen, taken by photographer Cecil Beaton from 1939 to 1968, as well as film clips, Beaton’s diaries and letters. 100 images (of 60 are photographs) are chosen out of almost 18,000 in the V&A collection, including a number of photographs rarely seen.

Beaton initially photographed the Queen Mother, who recommended him to her daughter. He had a 30-year relationship with the Queen since 1942, and photographed her on numerous occasions including the Coronation. However, his career as a royal photographer ended in the late 70s, when the job was taken by Antony Armstrong-Jones (later Lord Snowdon), who married the Queen’s sister, Princess Margaret in 1960.

Beaton, who had worked in Hollywood and in fashion for 20 years previously, used the touching-up skills to make the royals look their best – because the main objective of royal portraits is to promote the royal family around the world.

The exhibition starts with Beaton’s early works of the Queen Mother and the sweet images of the teenage Princess in glittering theatrical backgrounds (he was a theatre set designer as well), and then goes on in a chronological order; tender portraits with her four children and her husband and later minimalistic official portraits, as well as glittering photographs of the Coronation in 1953 including rare colour footage as well as ceremonial film, which is the highlight of the exhibition. The collection also includes never-before-seen contact sheets of scenes such as wartime bomb damage at Buckingham Palace. The exhibition concludes with a small display of images of Beaton, taken by other photographers including David Bailey and Irving Penn.

This is a small exhibition with few rooms, but those images are beautiful and elegant (though touched up a bit), and shows us intimate portraits of the Queen in different phase of her life as princess, queen and mother.

AL_A “Timber Wave”: London Design Festival @ V&A

9月17日から25日まで、毎年恒例のLondon Design Festival 2011(ロンドン・デザイン・フェスティバル)が開催中。ロンドンのあちこちに点在する、美術館、デザイン事務所、ショップ、ギャラリーなどの参加施設の前に立てられた、フェスティバルのアイコンである赤い立て看板を、よく目にする。フェスティバルに参加しているヴィクトリア&アルバート博物館V&A)でも期間中、インスタレーションやトーク、ワークショップなどのスペシャルイベントが行われている(詳細はV&Aウェブサイトで)。

V&Aの見所は、Cromwell Road(クロムウェル・ロード)側入口に設置された、Amanda Levete Architects and Arupによる巨大インスタレーション作品「Timber Wave(木の波)」(9月17日〜10月15日)。通常家具作りに使われるラミネート技術をアメリカンオークに施し作り上げた、12mもの高さの格子模様の立体的な螺旋は圧巻。木とは思えないしなやかさと木独特の生命力が感じられる。

London Design Festival 2011 came back to the city – from September 17 to 25, you see a festval’s icon, red signboard in front of the participating organizations such as museums, design firms, shops, and galleries, all over London. Victoria & Albert Museum is also a part of the festival and visitors can enjoy commissioned installations and displays as well as special events, talks and workshops throughout the period (details are at V&A website).

A gigantic installation of ‘Timber Wave‘ by Amanda Levete Architects and Arup (September 17 – October 15) at the Cromwell Road entrance is one of the highlight at the V&A festival program. The three-dimensional latticework spiral is made of American red oak, using lamination techniques normally used in furniture making, and applied to create a piece 12m high. It has un-treelike flexibility and treelike vitality – spectacular.

The Cult of Beauty: The Aesthetic Movement 1860-1900 @ V&A

Vodpod videos no longer available.

4月2日より、V&A(ヴィクトリア&アルバート博物館)で「The Cult of Beauty: The Aesthetic Movement 1860-1900(美の礼賛:耽美主義運動 1860~1900年」展が始まった(〜7月17日)。

展覧会は、イギリスで1860年から1890年頃に花開いた、アートやデザインにおける耽美主義の発展を、「The search for new beauty 1860s(新しい美の模索)」「Art for Art’s Sake 1870s-1880s(芸術のためのアート)」「Beautiful people and Aesthetic houses 1870s-1880s(美しい人々と美的住宅)」「Late-flowering beauty 1880s-1890s(後期に花開いた美)」の4部に分け、時系列で展示。オスカー・ワイルドウィリアム・モリスジェームズ・マクニール・ホイッスラーダンテ・ゲイブリエル・ロセッティエドワード・バーン=ジョーンズフレデリック・レイトンなど、当時一世を風靡した芸術家たちの絵画、印刷物、ドローイングをはじめ、インテリア・デザインや肖像画、写真、衣装、宝石等の装飾美術など、多岐に渡る250点以上もの作品が一堂に会する。孔雀や花のモチーフで彩られた展示室の壁や美しいクラシック書体を使ったタイトルデザインなど、ヴィクトリア&アルバート博物館らしい絢爛豪華な展示デザインも必見。

大英帝国絶頂期で、産業革命による経済発展を享受したヴィクトリア朝時代は、上流階級のものであった芸術が新興の中流階級にも普及。それまでの文化観念や道徳観の変化を反映した、イギリス芸術の黄金期だった。パリにおけるアバンギャルドに刺激されて興ったイギリス耽美主義は、醜いものや物質主義からの解放を目指し、新しい美の形として「Art for Art’s Sake(芸術のための芸術)」を標榜、純粋に美しいものだけを追い求めた。ロセッティやウィスラーなどによる女性画は、ビクトリア時代に理想とされた控えめな美と対照的に、必ずしも美しいとは言えない女性たちをモデルに、自由奔放な新しい美を描いている。古代ギリシャや中国や日本などの影響を受けた、エキゾチシズム漂うインテリアやデザインは、時に過剰とも思えるけれど、人は「美しい生活」を送るべきだと、デザインを日常生活にまで浸透させた功績は大きい。これらの作品は、今の時代においては目新しさは全くないけれど、全く違った芸術感、価値観を提起した耽美主義に、当時の人々が熱狂したのが分かる気がする。

V&A‘s new exhibition, “The Cult of Beauty: The Aesthetic Movement 1860-1900” started from April 2, till July 17.

The exhibition is devided in four chronological sections, charting the development of the Aesthetic Movement in art and design: “The search for new beauty 1860s,” “Art for Art’s Sake 1870s-1880s,” “Beautiful people and Aesthetic houses 1870s-1880s” and “Late-flowering beauty 1880s-1890s.” As well as paintings, prints and drawings, the show includes over 250 examples of all the ‘artistic’ decorative arts, together with designs and photographs, portraits, fashionable dress and jewellery, created by star artists of the movement such as Oscar WildeJames McNeill WhistlerDante Gabriel RossettiEdward Burne-JonesFrederic Leighton, and William Morris. Another thing worth seeing is the V&A’s gorgeous exhibition design with peacock and flower motifs and beautiful classic typefaces on the walls of the exhibition rooms, in perfect harmony with the collection.

Victorian era was the period when British people enjoyed prosperity from industrial revolution and the height of British Empire. It was also the golden age of the British art, which became available to emerging middle class, not only for aristocracy. Inspired by Avant-garde in Paris with the desire to escape the ugliness and materialism of the age, Aestheticism pursued the new kind of art , freed from outworn cultural ideas and moral codes. The movement believed in ‘Art for Art’s Sake’ – art had to just look beautiful. Painters like Rossetti and Whistler used models who were not necessarily beautiful or at odds with Victorial ideals of reserved femininity, and created new and unconventional types of female beauty. The exotic design of furniture and decorative arts influenced by ancient Greek, China and Japan are often considered too much, but introducing design into everyday life with the concept that “people should live beautiful life” was the pioneer of modern design, and we owe them for that. All the collection doesn’t make much sense in the 21st century, but I understand why people of that time were so excited by the Aesthetic movement which brought them a completely new values in art and design.

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↓ 東日本巨大地震チャリティ情報 / Japan Earthquake & Tsunami Charity Information

Design for Japan

Fashion Relief by Vogue.com

Christmas Cards by Victoria & Albert Museum

クリスマスまで、あと10日ほど。私達もようやく重い腰を上げ、嫌々ながらもクリスマスカードを書きはじめた。今年は、V&A(ヴィクトリア&アルバート博物館オリジナルの「Winter Trees」(£7.50)と「London Design Festival」(£7.50)を購入。

「Winter Trees」(写真上右)は、18世紀に活躍したイギリス人テキスタイル・デザイナーのAnna Maria Garthwaiteの切り絵(右端下)と、日系アメリカ人彫刻家のシンキチ・タジリの壁紙「Louisiana(1955)」をモチーフにした、各6枚・計12枚セット。クラシックな図案に、落ち着いた色調が素敵。年配の親戚向けに使った。

打って変わって「London Design Festival」(写真左)は、赤・白・黒の3色を使った、明るくてインパクトのあるカード4種各3枚入り。London Design FestivalとV&Aが行ったコンペティションで選ばれたデザインを採用している。友達向けに使用。タイトルとデザイナーは、以下の通り(左上から時計回り)。

  • 「12 Days of Christmas(クリスマスの12日間)」by Dave Burdon
  • 「Why Santa Got Stuck Up The Chimney(サンタは煙突の中で動けなくなってしまった訳)」by Maxine Stinton
  • 「St Paul’s(セント・ポール大聖堂)」by Metropolitan Mouse
  • 「Reindeer and Rabbit(トナカイとうさぎ)」by Kate McLelland

It’s only 10 days to go til Christmas, and we reluctantly started to write Christmas cards at last. This year, we bought two original V&A sets of cards; “Winter Trees” and “London Design Festival” (£7.50 each).

‘Winter Trees’ (right in the photo) contains 12 cards, 6 each in two designs: Papercut by 18-century English textile designer Anna Maria Garthwaite and ‘Louisiana (1955)’ wallpaper by Dutch-American sculptor Shinkichi Tajiri. Its classic designs with calm and serene colors are perfect for elder family and relatives.

“London Design Festival” on contrary is with four vivid and vibrant designs and simple tricolor of red, white and black. This pack of 12 cards (3 each) is the result of a competition organised by the V&A and London Design Festival. We used them for friends. Design titles and designers are as follows (clockwise from top left).
  • ’12 Days of Christmas’ by Dave Burdon.
  • ‘Why Santa Got Stuck Up The Chimney’ by Maxine Stinton.
  • ‘St Paul’s’ by Metropolitan Mouse.
  • ‘Reindeer and Rabbit’ by Kate McLelland.
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Shadow Catchers: Camera-less Photography @ Victoria & Albert Museum

最近始まった、ビクトリア&アルバート博物館の「 Shadow Catchers: Camera-less Photography」展(10月13日〜2011年2月20日)は、5人の現代アーティスト(Floris NeusüssPierre CordierSusan DergesGarry Fabian MillerAdam Fuss)が、カメラを使わずに作り出した写真作品を集めた、ユニークな展覧会。

アーティストたちは、影を投げかけたり、光を操作したり、化学的に紙の表面を処理して、作品を作り出す。カメラを使わない写真には色々な手法があり、主なものには、印画紙の表面を直接加工して作り出すChemigram(ケミグラム)、光と印画紙の間に置いたオブジェが遮光また光の加減を弱め、その形を浮かび上がらせたりするLuminogram(ルミノグラム)、印画紙の上に直接物を置いて感光させるなどの方法により制作されたフォトグラムがある。時にはいくつかの手法を組み合わせることも。現実を記録したカメラ写真と違い、カメラを使わずに作られた作品は、どこかミステリアスで幻想的。小規模ながら興味深い展覧会だ。

V&A’s new exhibition “Shadow Catchers: Camera-less Photography” (October 13 – February 20, 2011)  is an unique show presenting the work of five contemporary artists; Floris Neusüss, Pierre Cordier, Susan Derges, Garry Fabian Miller and Adam Fuss, who work without a camera.

The artists create images on photographic paper by casting shadow and manipulating light, or by chemically treating the surface of the paper. Camera-less photographs can be made using a variety of techniques, the most common of which are the Photogram, the Luminogram and the Chemigram, and sometimes these methods are used in combination.

In compare to photographs taken by a camera, documenting reality, camera-less photographs are more enigmatic and somehow dreamlike. “Shadow Catchers” is in small scale, but fascinating and captivating.

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